miércoles 31 de diciembre de 2008

Herreweghe vuelve a Lasso

Lasso de Herreweghe
Orlando de Lasso (1532-1594): CANTIONES SACRAE SEX VOCUM
Collegium Vocale de Gante
Director: Philippe Herreweghe

Juliet Fraser y Dominique Verkinderen, cantus I
Susan Eitrich y Maria Köpcke, cantus II
Alex Potter y Alexander Schneider, alto I
Marnix De Cat y Gunther Vandeven, alto II
Simon Berridge y Christopher Watson, tenor I
Malcolm Bennett y Hans Jörg Mammel, tenor II
Peter Kooy y Adrian Peacock, bajo I
Dirk Snellings y Harry van der Kamp, bajo II


1. Nectar et ambrosiam
2. Prolongati sunt dies mei
3. Deficiat in dolore vita mea
4. Qui timet Deum
5. Ego cognovi quod erit bonum
6. Respicit Dominus vias hominis
7. Timor Domini principium sapientiae
8. Ad Dominum cum tribularer
9. Vidi calumnias quae sub sole gerentur
10. Beatus homo
11. Cantabant canticum Moysi
12. Quam bonus Israel Deus
13. Diligam te, Domine
14. Recordare Jesu pie
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HARMONIA MUNDI HMC 901984 [53'35'']
Grabación: Mayo de 2007


Por suerte, y aunque siga adelante con fortuna su carrera de director sinfónico, Philippe Herreweghe no se olvida del repertorio antiguo y puntualmente nos regala discos como éste, en el que con un Collegium Vocale de Gante de una transparencia y una profundidad superlativas, se adentra en el intrincado y alambicado universo de las Cantiones Sacrae a seis voces que Orlando de Lasso publicó en Graz en 1594. Meditaciones morales y religiosas envueltas en una música de una complejidad y un refinamiento extremos.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 27 de diciembre de 2008]


Lasso: Diligam te, Domine. [3'49'']Collegium Vocale de Gante. Philippe Herreweghe.

P. S. Aquí hay calidad... ¡Feliz año a todos!

martes 30 de diciembre de 2008

Dulces canciones de Borgoña

Dufay y Binchois en Raumklang
TRISTE PLAISIR: GUILLAUME DUFAY UND DIE BURGUNDISCHE MUSIK
Lena Susanne Norin, alto
Randal Cook, viola de arco, fídula
Susanne Ansorg, fídula, rebec

Guillaume Dufay (c.1398-1474):
1. Belle, veullies moy retenir
2. Pour l'amour de ma doulce amye
3. Qui latuit in virgine
4. Je me complains piteusement

5. Anónimo (siglo XV): La plus grant chiere

Guillaume Dufay:
6. Quel fronte signorile
7. Resvelons nous
8. He, compaignons

9. Jacques Vide (c.1386-d.1433): Et c'est assez

Gilles Binchois (1400-1460):
10. Triste plaisir
11. Mort en merchy

12. Guillaume Dufay: Je languis en piteux martire
13. Nicolas Grenon (1380-1456): La plus belle et doulce figure
14. Guillaume Dufay: J'ai grant doulour
15. Gilles Binchois: Lune tres belle
16. Guillaume Dufay: Vergene bella
17. Gilles Binchois: Adieu, adieu, mon joieulx souvenir
18. Guillaume Dufay: Seignor Leon
19. Anónimo: Paumgartner [Buxheimer Orgelbuch, siglo XV]
20. Gilles Binchois: Adieu, adieu, mon joieulx souvenir
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RAUMKLANG RK 2208 (Diverdi) [71'54'']
Grabación: Septiembre de 2002


Guillaume Dufay y Gilles Binchois son los dos grandes representantes de la canción borgoñona del siglo XV, una música que por su encanto melódico y su refinamiento poético, resulta muy cercana a la sensibilidad contemporánea. La cantante sueca Lena Susanne Norin y el fidulista americano Randal Cook llevan muchos años recorriendo este maravilloso repertorio, que han interpretado en grupos muy diversos y para sellos de medio mundo. Aquí se une a ellos Susanne Ansorg, también con una fídula y un rebec, y entre los tres ofrecen un recital tan embriagador como delicioso.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 27 de diciembre de 2008]


Binchois: "Adieu, adieu, mon joieulx souvenir" [6'40''] Lena Susanne Norin. Randal Cook. Susanne Ansorg

Adieu, adieu, mon joieulx souvenir,
le plus hault bien qui me puist advenir,
belle et bonne que j'aim autant com moy.
Le dire adieu me donne tant d'anoy
qu'a grant paine puis je la bouche ouvrir.

Ce seroit fort que me puisse esjouir
quant j'eslogne mon souverain desir
et la chose que plus voulentiers voy.

Adieu, adieu, mon joieulx souvenir,
le plus hault bien qui me puist advenir.

Adieu, vous dy; il est temps de partir.
Adieu, celle que tant ay chier veïr.
Mon povre coeur vous remirant, par ma foy;
aultre que vous ne joira de soy;
tous deulx vous lesse, helas quel desplaisir.

Adieu, adieu, mon joieulx souvenir,
le plus hault bien qui me puist advenir,
belle et bonne que j'aim autant con moy.
Le dire adieu me donne tant d'anoy
qu'a grant paine puis je la bouche ouvrir.

P. S. Si tuviera que escoger mis diez canciones preferidas de toda la historia de la música es posible que al menos la mitad fueran del siglo XV. Así que se me perdonará la sinécdoque: la "sensibilidad contemporánea" es "mi sensibilidad". También se me perdonará el haber traído un disco que no es justamente una novedad (sí, creo, su distribución en España: Diverdi acaba de incluir el sello en su catálogo; antes lo tenía Gaudisc y no recuerdo haberlo visto entre sus ofertas, aunque puedo equivocarme). Hay pocas músicas (en realidad, poco de todo) que me toque más que esta dulce melancolía en la que se funden las imágenes patéticas de los poemas y sus brutales oxímoros (como ese "triste placer y doloroso gozo" de Binchois que da título al disco) con las melodías intimistas, sinuosas, sensuales e insinuantes concebidas para ellos por Dufay o Binchois. Por ello, es para mí poco comprensible que muchas de estas canciones se ofrezcan en versiones solo instrumentales (las señalo en cursivas): sin el texto, la simplicidad, encantadora, sí, de la música pasa por encima de nosotros sin dejar rastro.

lunes 29 de diciembre de 2008

Metamorfosis líricas

Apolo y Dafne, de Bernini
Dafne, la ninfa que prefirió ser transformada en laurel antes que recibir el abrazo del dios Apolo, tiene casi tan estrecha relación como Orfeo con el origen de la ópera. Aunque la partitura se perdió, antes de su Euridice de 1600, Jacopo Peri había escrito ya sobre el tema del mito una tragedia musical, que se estrenó en 1598 y bien pudiera haber sido la primera muestra histórica del nuevo género. Diez años justos después, Marco da Gagliano volvió sobre Dafne, en una obra que por suerte ha sobrevivido, y en 1640, los genios del poeta Francesco Busenello y del compositor Francesco Cavalli se unieron por primera vez para Gli amori d’Apollo e di Dafne, ópera en tres actos que sería estrenada aquel mismo año en el Teatro San Cassiano de Venecia.

Cavalli, alumno de Monteverdi, venía de estrenar en el carnaval de 1639 su primer experimento escénico, Las bodas de Tetis y Peleo, que representaba bien el nuevo estilo operístico propiciado por la apertura dos años antes del primer teatro público de ópera, hecho revolucionario que habría de dirigir el género hacia el primer belcantismo. Pero para 1640 la esencia musical de la ópera sigue aún vinculada al recitar cantando de los precursores florentinos, si bien las partes líricas (ariosos y arias) empiezan a ganar progresivamente espacio y las escenas cómicas se intercalan con absoluta naturalidad en las tragedias, esto último por contagio del drama musical romano que se desarrolló en los años 20, muy influido por el teatro español del Siglo de Oro. Busenello recoge de forma extraordinaria este espíritu de la ópera como gran teatro del mundo mezclando con la línea principal de Apolo y Dafne las de otros mitos (Aurora y Titón, Céfalo y Procris) e introduciendo personajes cómicos que serían luego tradicionales, como el de la vieja nodriza, habitualmente papel travestido, todo ello con el objetivo inequívoco de ofrecer una mirada distanciada e irónica sobre el universo de los Olímpicos.

Gabriel Garrido (© Hervé Nègre) Gli amori d’Apollo e di Dafne había sido llevada al CD por Alberto Zedda (en el Festival Mozart de La Coruña de 2004) para el sello Naxos, en una grabación voluntariosa, pero que no puede competir con este nuevo registro de Gabriel Garrido, uno de los más audaces y exquisitos intérpretes de la música escénica italiana del siglo XVII, como confirman sus soberbios, y en su momento rompedores, acercamientos a Monteverdi. Con una sugerente y variadísima tímbrica en el continuo, palpitante sentido teatral y una muy estudiada profundidad en el tratamiento de la prosodia, Garrido reconstruye este episodio crucial en el desarrollo del género operístico, atendiendo de forma esencial a la retórica y al color, fundiendo sutilmente los recitativos con los ariosos y las arias y arropando a las voces con absoluta delicadeza. Anderhs Dalin y Rosa Domínguez encarnan con acierto a los protagonistas principales, pero a su lado refulgen de modo muy especial los estupendos Emanuela Galli, Stephan Van Dyck, Paola Quagliata, Marisú Pavón o Furio Zanasi.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 27 de diciembre de 2008]

Gli Amori d'Apollo e di Dafne por Garrido en K617
Pier Francesco Cavalli (1602-1676): GLI AMORI D'APOLLO E DI DAFNE
ópera en tres actos con libreto de Giovanni Francesco Busenello

Anders Dahlin, haute-contre (Apolo)
Rosa Domínguez, mezzosoprano (Dafne)
Emanuela Galli, soprano (Aurora)
Stephan Van Dyck, tenor (Céfalo)
Paola Quagliata, soprano (Amor)
María Hinojosa Montenegro, soprano (Filena)
Furio Zanasi, barítono (Alfesibeo y Sueño)
Paulin Bündgen, haute-contre (Cirilla)
Mariana Rewersky, mezzosoprano (Venus y Musa)
Salvo Vitale, bajo (Júpiter)
Valerio Contaldo, tenor (Pan y Morfeo)
Marisu Pavón, soprano (Procris y Musa)
Mariana Flores, soprano (Itatón y Musa)
David Hernández, tenor (Titón)
Ismael González, bajo (Peneo)
Ensemble Elyma (concertino: Enrico Parizzi)
Director: Gabriel Garrido
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K617 211/2 (Harmonia Mundi) [76'51'' - 79'02'']
Grabación: Noviembre de 2007



Cavalli: "Dunque tu vuoi partire" (escena 6 del acto II) de Gli amore d'Apollo e di Dafne. [7'34''] Ensemble Elyma. Gabriel Garrido

P. S. El libreto completo en PDF.

domingo 28 de diciembre de 2008

Celebrando a Haendel (4)

Óperas de Haendel en HM
Georg Friedrich Haendel (1685-1759): GIULIO CESARE IN EGITTO HWV 17
ópera seria en tres actos con libreto de Nicola Francesco Haym, a partir de uno anterior de Giacomo Francesco Bussani

Jennifer Larmore, contralto (Giulio Cesare)
Olivier Lallouette, bajo (Curio)
Bernarda Fink, mezzosoprano (Cornelia)
Marianne Rørholm, soprano (Sesto)
Barbara Schlick, soprano (Cleopatra)
Derek Lee Ragin, contratenor (Tolomeo)
Furio Zanasi, barítono (Achilla)
Dominique Visse, contratenor (Nireno)
Concerto Köln (concertino: Werner Erhardt)
Director: René Jacobs

DUETTI E CANTATE DA CAMERA
Concerto Vocale

Judith Nelson, soprano
René Jacobs, contratenor
Wieland Kuijken, violonchelo
William Christie, clave
Konrad Junghänel, tiorba


1. Tanti strali al sen mi scocchi HWV 197
2. Sento là che ristretto HWV 161
3. Beato in ver chi può HWV 181
4. Parti, l'idol mio HWV 147
5. Langue, geme, e sospira HWV 188
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HARMONIA MUNDI HMX 2908241.49 (CD 6-9) [73'01'' - 78'07' - 73'59'' - 65'30''] (CD 10: Libretos de Rinaldo, Flavio y Giulio Cesare in Egitto en PDF)
Grabación:
Noviembre de 1977 (Duetti e Cantate da Camera) y Julio de 1991

René Jacobs había probado ya sus fuerzas con Flavio para dar con Julio César el salto adelante que necesitaba no sólo la ópera haendeliana, sino la ópera barroca en general. La demanda había sido bien estimulada, tanto entre los amantes de la música antigua como entre los operófilos, que vieron en los años anteriores significativamente incrementada la presencia de obras barrocas en los principales teatros de Europa (especialmente en los centroeuropeos). El más popular título de Haendel y la producción en un sello como Harmonia Mundi, con un prestigio amplio, que abarcaba no sólo a los aficionados barrocos, hizo también lo suyo para que la recepción fuera extraordinaria y pueda ser considerada como base importante de la multiplicación en la década siguiente tanto de las grabaciones como de las producciones teatrales vinculadas con Haendel. Hoy nos hemos acostumbrado a esta presencia cotidiana de la ópera barroca en discográficas y escenarios, pero en 1991 la inmensa mayoría de las óperas de Haendel eran todavía rarezas de especialistas.

¿Y qué hay aquí de nuevo con respecto a Flavio? En principio, Jacobs escogió a Concerto Köln, un conjunto que en aquel momento tenía un sonido más afilado, punzante, refulgente y con más posibilidades de jugar con el color y con los contrastes expresivos que el Ensemble 415. Pero además el director belga había madurado su concepción del universo operístico y ofrece una versión mucho más matizada, con más flexibilidad rítmica (el continuo no es todavía el que incorporará en sus interpretaciones mozartianas ni el de Rinaldo, pero hay ya un gusto por valorar su variedad tímbrica y un mayor estiramiento de sus líneas) y una profundidad dramática que se aprecia tanto en unas dinámicas mucho más anchas como en los detalles de color y en la mayor libertad ornamental que tienen los cantantes en los da capo. Hay en cualquier caso, algunos momentos en los que se aprecia que la interpretación barroca estaba aún en pleno desarrollo, lo que supone algunas insuficiencias, no en la cuerda, pero sí en los vientos y en el empaste general; por ejemplo, el "Va tacito" está llevado a un tempo más lento de lo que sin duda pide su sentido para facilitar la tarea a las trompas naturales, que pese a ello están bastante por debajo del nivel que admiramos hoy en sus mejores intérpretes.

El elenco es también sustancialmente mejor al de Flavio, desde luego más regular y homogéneo. Jacobs apostó por una voz femenina para Cesare, y Jennifer Larmore respondió de forma soberbia, brillando tanto en la coloratura de las arias de bravura como en la delicadeza de las amorosas y, sobre todo, logrando una intensísima expresividad en los grandes recitativos acompañados ("Alma del gran Pompeo" y "Dall'ondoso periglio"). Barbara Schlick es para muchos el mayor lunar del cásting, opinión que no comparto. Grandísima bachiana con Herreweghe, Schlick no tiene acaso la versatilidad de las grandes sopranos hendelianas que vinieron después y en sus agudos se aprecian irregularidades y una ocasional tendencia al grito, pero el brillo de su timbre da justa medida de la Cleopatra seductora, pizpireta y amoral del primer acto tanto como de la mujer enamorada (delicadísimo "V'adoro pupille"), y cuando las cosas se le ponen feas, su lamento resulta tan conmovedor como cualquiera pueda esperarlo. Bernarda Fink ha crecido en dos años como intérprete: la oscuridad y belleza de su timbre se funden así con una sinuosidad en la línea y una hondura de altísimo poder expresivo (maravilloso su dúo, "Son nata a lagrimar/ Son nato a sospirar", con Sesto de final del primer acto). Ragin sigue en buena forma, y firma un notable Tolomeo que, en cualquier caso, brilla menos que su Guido de Flavio, acaso porque aquí la competencia es superior. Rørholm es una soprano, tesitura original del personaje de Sesto, que suelen interpretar ahora mezzos, por lo que a algunos les puede chocar algo la ligereza y luminosidad de su voz, que en cualquier caso da a la perfección la imagen de juventud y vigor que requiere el hijo de Cornelia. Suficiente, sin alharacas, un Zanasi aún muy joven en sus tres arias (mejor en la del tercer acto) y magnífico Visse en el aria de Nireno que se ofrece como apéndice. Una joya de altísima significación histórica en la recuperación del patrimonio lírico barroco.

Originalmente, este Giulio Cesare fue publicado en cuatro discos, el último de los cuales apenas pasaba de los quince minutos de duración, por lo que para esta reedición Harmonia Mundi ha decidido completarlo con una antigua grabación de los años 70, que circulaba desde hace mucho en la serie Musique d'abord. Son cantatas y dúos de cámara con la histórica y siempre deliciosa soprano Judith Nelson cantando junto a un René Jacobs no apto para todos los gustos. El acompañamiento en el continuo reúne a tres nombres gigantescos de la interpretación historicista (¡Kuijken, Christie y Junghänel!), pero resulta aún bastante primario, sin las sutilezas, flexibilidad y variedad que han desarrollado los intérpretes barrocos en las últimas tres décadas.


Haendel: "Empio, dirò tu sei" de Giulio Cesare. [3'53''] Jennifer Larmore. Concerto Köln. René Jacobs


Haendel: "E pur cosi - Piangerò" de Giulio Cesare. [7'03'') Barbara Schlick. Concerto Köln. René Jacobs

1 - 2 - 3

sábado 27 de diciembre de 2008

Carmen en el cine (5): Florián Rey


El impulso trágico y fatalista que movían las anteriores versiones cinematográficas de Carmen siguiendo en lo básico el guión de la novela de Merimée, de la ópera de Bizet o de ambas a la vez, en Carmen, la de Triana transmuta en otra cosa, y no porque la tragedia esté ausente del filme, sino porque el personaje femenino no tiene aquí esa fuerza libertaria que en el original defiende incluso a costa de su vida. Carmen paga también por su libertad, pero ahora no con la muerte, sino con el pesar de ver morir a los dos hombres a los que se ha entregado.

Durante la Guerra Civil española, los únicos estudios cinematográficos existentes estaban en Madrid y Barcelona, ciudades ambas que permanecieron en manos de los republicanos casi hasta el final de la contienda, por lo que los cineastas que trabajaban en el bando nacional hubieron de buscar acuerdos de coproducción con los aliados italianos y alemanes para hacer sus películas. Es el caso de Florián Rey, que se iría hasta Berlín para rodar en los estudios de la UFA Carmen, la de Triana (1938) y La canción de Aixa (1939), ambas con Imperio Argentina, que se había convertido en su esposa unos años antes, como gran estrella. Otro de los directores beneficiados de aquellas coproducciones fue Benito Perojo, que en aquellos años hizo hasta tres películas en Berlín: El barbero de Sevilla, Suspiros de España y Mariquilla Terremoto. Los títulos de las producciones parecen suficientes para apercibirse de una temática que buscaba ante todo el exotismo del tipismo español, lleno de tópicos románticos, eso que luego derivaría en la tan denostada españolada, y que estaba ya presente en la novelita de Merimée. En 1998, Fernando Trueba trataría el tema de los españoles en Berlín en La niña de tus ojos, película en la que algunos creyeron ver el desarrollo de algunos episodios personales de Imperio Argentina, lo que el director negó siempre.

Esta visión estereotipada de lo español –o de lo andaluz, que, como he repetido ya muchas veces, en la visión romántica de España viene a ser la misma cosa–, es bien apreciable en este acercamiento de Florián Rey al mito de la cigarrera, que aquí, que se sepa, no trabaja en una fábrica de tabacos, por más que aparezca al principio llevando unos puros al torero Antonio Vargas Heredia, que está en prisión y con el que tiene (o tuvo) una relación sentimental. De la película se hicieron dos versiones, la española, y otra en alemán, titulada Andalusische Nachte y planificada también por Florián Rey, aunque fuera dirigida por Herbert Maisch y protagonizada por actores locales. Escenarios llenos de elementos tópicos de lo andaluz, lo español, lo gitano, que para la mirada europea eran la misma cosa, con rejas, guitarras, abanicos, carteles de toros, bullicio y el uso de un un dialecto claramente forzado en los personajes andaluces. Aunque la mayor parte de la producción se grabó en interiores, se usan algunas imágenes registradas en exteriores de Andalucía, en concreto, de Ronda, para los parajes de sierra, y unos planos generales de la Maestranza de Sevilla, para las escenas de la lidia.

Como se ha dicho, cuando la película empieza, Carmen conoce ya al torero. Su encuentro con José Navarro (apellido gentilicio) se produce cuando el brigadier intercede ante un sargento de la compañía para permitirle llegar hasta Antonio Vargas Heredia. En el ambiente de la prisión se introduce la primera copla, que acompaña con la guitarra un tuerto (sin duda, referencia oculta de Florián Rey a la novela), pues el filme es obviamente musical, aunque sean sólo cuatro los números musicales que se intercalan en la acción, siempre de forma bien justificada y bastante fluida. Carmen es bailarina en un local de Triana, el del Mulero, al que esa noche invita a José. Es allí donde la gitana se enfrenta a una mujer que trata de seducir al soldado, provocando una pelea que termina con la otra herida y con la protagonista camino de la prisión. Su liberación por parte de José supone la degradación de éste y su envío a presidio en el castillo de Gibralfaro, al que nunca llegará, pues un grupo de contrabandistas asalta el convoy que lo conduce y lo libera. En este episodio, Rey introduce una clara insinuación erótica, acaso la única mínimanete explícita de la película, cuando Carmen convence al soldado para que le permita ir hasta su casa a cambiarse de ropa y el brigadier la contempla turbado por el reflejo de una ventana (el uso de los reflejos reaparecerá en otros momentos del filme con intenciones simbólicas, que tienen que ver con el destino).

Frente a las otras versiones cinematográficas del mito, Carmen, la de Triana está perfectamente ambientada en unas fechas muy concretas: la degradación de José Navarro se produce el 25 de julio de 1835 y la corrida de toros final, algo menos de dos meses después, el 14 de septiembre, como puede verse en un cartel que cuelga en la venta en la que se encontrarán los dos rivales en el corazón de Carmen. No faltan en la película elementos fatalistas, vinculados en gran medida a la superstición de la protagonista, pues hay una escena de cartas y una consulta a una hechicera, en un ambiente que realzan el rostro desencajado y los gritos de Carmen y una iluminación de carácter tenebrista, de claro ascendente expresionista, que se usa también en otros momentos de la obra.

Cuando José es herido en un enfrentamiento con los dragones y, entre delirios, expresa su vergüenza por la traición cometida al abandonar el ejército, Carmen comprende su error al condenarlo a una vida para la que el soldado no está preparado. Se vuelve entonces hacia el torero. José está decidido a entregarse, pero se cruza con Antonio y los celos lo conducen a la plaza, en la que Vargas Heredia morirá cogido por un toro al perder su atención por el clavel que le arroja Carmen desde la grada (el velatorio está tratado casi en clave pictórica por Rey, que dispone un túmulo que recuerda el monumento de Benlliure a Joselito el Gallo en el cementerio de Sevilla). En la plaza, no se produce en cualquier caso ningún enfrentamiento, ni siquiera un encuentro, del soldado con la gitana. Conocedor de que se prepara una emboscada contra la compañía de dragones, una vez producido el incidente en la plaza, José corre a advertir a sus antiguos camaradas y muere en la explosión del puente que los contrabandistas habían preparado. La película termina con la rehabilitación póstuma del brigadier, mientras Carmen se acerca a depositar flores sobre su féretro. El destino ha vuelto a jugar sus cartas, aunque cambiando el papel de las víctimas.

1. Carmen y Antonio


2. Los piconeros


3. Vendrá la muerte


4. Y tendrá tus ojos


FICHA TÉCNICA

Título original: Carmen, la de Triana
Fecha de producción: 1938
Duración: 95 minutos

Director: Florián Rey
Guión: Florián Rey, a partir de Prosper Merimée
Fotografía: Reimar Kuntze
Montaje: J. Rosinski
Decorados: Franz Schroedter
Música: Juan Mostazo y José Muñoz Molleda

Reparto:
Imperio Argentina (Carmen)
Rafael Rivelles (Antonio Vargas Heredia)
Manuel Luna (José Navarro)
Alberto Romea (Comandante Ramírez)
Anselmo Fernández (Miguel)
Pedro Barreto (Salvador)
Margarita Simo (Dolores)
José Prada (Sargento García)
Pedro F. Cuenca (Juan)
Julio Roos (Capitán Moraleda)
Carmen Morando (Asunción)
J. Noé Peña (Triqui)
Juan L. Díaz (Mulero)

[Andalucía desde Berlín, por Rafael Jover Oliver (PDF). En IMDb. Florián Rey en Wikipedia. Imperio Argentina en Wikipedia. Imperio Argentina canta Antonio Vargas Heredia en Azabache (Expo'92 de Sevilla). Penelopé Cruz canta Los piconeros en alemán en La niña de tus ojos].

1 (Cecil B. DeMille) - 2 (Charles Chaplin) - 3 (Ernst Lubitsch) - 4 (Jacques Feyder)

viernes 26 de diciembre de 2008

Recuerdos y tules de Ana

Souvenirs de Anna Netrebko
SOUVENIRS
Anna Netrebko, soprano
Coro Filarmónico de Praga
Prague Philharmonia
Director: Emmanuel Villaume

1. Emmerich Kálmán (1882-1953): "Heia, in den Bergen" de Die Csárdásfürstin
2. Richard Heuberger (1850-1914): "In Chambre separée" de Der Opernball
[Piotr Beczala, tenor]
3. Franz Lehár (1870-1948): "Meine Lippen, sie küssen so heiss" de Giuditta
4. Gustave Charpentier (1860-1956): "Depuis le jour" de Louise
5. Jacques Offenbach (1819-1880): "Belle nuit, ô nuit d'amour" (Barcarola) de Les Contes d'Hoffmann
[Elīna Garanča, mezzosoprano]
6. Richard Strauss (1864-1949): Cäcilie Op.27 nº2
7. Edvard Grieg (1843-1907): "Solveigs Sang" de Peer Gynt
8. André Messager (1853-1929): "Lorsque je n'étais qu'une enfant" de Fortunio
9. Antonín Dvorák (1841-1904): Když mne stará matka [Cuando mi abuela] [Melodías gitanas Op.55 nº4]
10. Richard Strauss: Wiegenlied Op.41 nº1
Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908):
11. Ne vetter, veya s vïsotï Op.43 nº2 [No el viento, que sopla desde las alturas]
12. Plenivšis' rozov solovey Op.2 nº2 [Enamorado de la rosa, el ruiseñor del día (Romance oriental)]
13. Tradicional judía: Schlof sche, mein Vogele [Duerme, pajarito mío]
14. Andrew Lloyd Weber (1948): "Pie Jesu" del Requiem
[Andrew Swait, niño soprano]
15. Reynaldo Hahn (1874-1947): L'Énamourée
16. Carlos Guastavino (1912-2000): La rosa y el sauce
17. Gerónimo Giménez (1854-1923): "La tarántula é un bicho mu malo" (Zapateado) de La tempranica
18. Luigi Arditi (1822-1903): Il bacio
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DEUTSCHE GRAMMOPHON 477 7451 (Universal) [63'01'']
Grabación: Marzo de 2008


Dieciocho números vinculados a vivencias personales y profesionales de Anna Netrebko componen un disco envuelto en tules, plumas y mariposas rosas no apto para diabéticos, que musicalmente arranca de la opereta vienesa, transita por la ópera francesa, se acerca al lied (Strauss), la mélodie (Hahn), la música tradicional judía, la canción noruega (Grieg y su Solveig), checa (Dvorák), rusa (Rimski) o española (Guastavino) para llegar hasta la zarzuela (¡esa tarántula!), lo que permite a la diva rusa lucir la indiscutible belleza de sus medios en nueve idiomas diferentes.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 20 de diciembre de 2008]



jueves 25 de diciembre de 2008

¿Qué hay de nuevo, viejo?

Porque las Navidades son las fiestas de los niños.



FICHA TÉCNICA
Título original: Long-haired hare (Conejo de pelo largo)
Año de producción: 1948
Duración: 7'35''

Director: Charles M. Jones
Guión: Michael Maltese
Animación: Phil Monroe, Ben Washam, Lloyd Vaughan, Ken Harris
Música: Rossini, Schwarz, Fagan, Hupfeld, Donizetti, Wagner, Suppé
Director musical: Carl Stalling

[Looney Tunes. Filmografía 1940-49]

Juramentos de Bros en el Real

Giuramento de Bros
GIURAMENTO
José Bros, tenor
Coro de la Comunidad de Madrid
Orquesta Sinfónica de Madrid
Director: Friedrich Haider

1. Saverio Mercadante (1795-1870): "Compita è omai la giusta e terribil vendetta... Fu celeste quel contento... O barbaro mio fato" de Il giuramento

Vincenzo Bellini (1801-1835):
2. "A te, o cara" de I puritani
3. "Tu vedrai la sventurata... Ma non fia sempre odiata la mia memoria" de Il pirata

Gaetano Donizetti (1797-1848):
4. "Vivi tu', te ne scongiuro... Nel veder la tua costanza" de Anna Bolena
5. "Inosservato penetrava... Angelo casto e bel" de Il duca d'Alba
6. "Ed ancor la tremenda porta... Come uno spirto angelico... Bagnato il sen de lagrime" de Roberto Devereux

7. Ruggero Leoncavallo (1858-1919): Mattinata
8. Gaetano Donizetti: "Ah, mes amis... Pour mon âme" de La fille du régiment
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DECCA 0028947669166 (Universal) [47'07'']
Grabación: Octubre de 2007


La división española de Universal Music edita un CD con el exigente recital que el tenor José Bros (Barcelona, 1965) ofreciera el 5 de octubre de 2007 en el Teatro Real de Madrid, con arias operísticas de Mercadante, Bellini y Donizetti (incluido el "Ah, mes amis", que Bros cantó como segunda propina, tras la preciosa Mattinata de Leoncavallo). Pese a que su estado vocal no parecía óptimo aquella noche (problemas en los sobreagudos; excesiva nasalidad), el cantante impone su impecable línea y su exquisito gusto en el fraseo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 20 de diciembre de 2008]


Mercadante: "Compita è omai la giusta e terribil vendetta... Fu celeste quel contento... O barbaro mio fato" de Il giuramento. [5'43''] José Bros. Coro de la Comunidad de Madrid. Orquesta Sinfónica de Madrid. Friedrich Haider

miércoles 24 de diciembre de 2008

El tenor y sus amigos

Bel canto Spectacular de Juan Diego Flórez desde Valencia
BEL CANTO SPECTACULAR
Juan Diego Flórez, tenor
Coro de la Generalidad Valenciana
Orquesta de la Comunidad Valenciana.
Director: Daniel Oren

1. Gaetano Donizetti (1797-1848): "Amici miei, che allegro giorno" de La figlia del reggimento.
2. Vincenzo Bellini (1801-1835): "Fini... Me lassa!... Vieni, fra queste braccia!" de I puritani.
[Anna Netrebko, soprano]
Gaetano Donizetti:
3. "La maîtresse du roi?... Ange si pur" de La Favorite.
4. "Venti scudi?" de L'elisir d'amore.
[Mariusz Kwiecien, barítono]
5. "Una furtiva lagrima" de L'elisir d'amore.
6. "Linda, Linda... Da quell dì che t'incontrai" de Linda di Chamounix.
[Patrizia Ciofi, soprano]
7. "Linda! Si ritirò... Se tanto in ira agl'uomini" de Linda di Chamounix.
8. Gioacchino Rossini (1792-1868): "Di che son reo?... D'Alma celeste" de Il viaggio a Reims.
[Daniela Barcellona, mezzosoprano]
9. Gaetano Donizetti: "Partir degg'io... T'amo qual s'ama un angelo" de Lucrezia Borgia.
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DECCA 478 0135 (Universal) [73'06'']
Grabación: 2008

Con la celebérrima aria donizettiana de los nueve does en su versión italiana, esa que bisó en la Scala rompiendo una tradición de décadas impuesta por Toscanini, se abre este disco de Juan Diego Flórez, que recorre diversos títulos de Rossini y Donizetti, solo y en compañía de otras estrellas belcantistas (Netrebko, Cioffi, Barcellona). El tenor peruano impone la pujanza y el brillo de su timbre, la homogeneidad de su tesitura, la facilidad de los agudos, la elegancia del fraseo en un trabajo que entusiasmará a sus seguidores.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 20 de diciembre de 2008]



P. S. Según pregona cierta leyenda urbana, este disco tiene un bonus oculto, en el que Flórez canta un dúo del Otello de Rossini con Plácido Domingo. Es broma. Ya sé que ese bonus existe, pero el disco que yo recibí, inserto, como el DVD promocional de donde sale el vídeo anterior, en ese incomodísimo carpetón que llaman press kit, no lo incluye, y por eso no lo reseño. Por otro lado, me gusta mucho más la versión tradicional de la Furtiva lagrima.

¡Feliz Navidad a tutti quanti!

martes 23 de diciembre de 2008

Mesías con doble reencuentro

Coros locales en una terraza del Maestranza (© Juan carlos Muñoz / Diario de Sevilla)
EL MESÍAS PARTICIPATIVO

Conciertos Participativos de la Fundación La Caixa. Solistas: Marta Almajano, soprano; Jordi Domènech, contratenor; Lluís Vilamajó, tenor; Enrique Sánchez- Ramos, bajo. Coral de la Universidad de las Islas Baleares. Orquesta Barroca de Mallorca. Camerata Vocal Concertante. Coro del Ateneo de Sevilla. Coro de la Universidad de Huelva. Orfeón Portuense. Sociedad Musical de Sevilla. Director: Barry Sargent. Programa: El Mesías de Haendel. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Lunes 22 de diciembre. Aforo: Casi lleno.

* * *

MESÍAS Y DOBLE REENCUENTRO

Volvía El Mesías participativo de La Caixa al Maestranza después del no muy agraciado experimento catedralicio del año pasado, posiblemente la ocasión en que con mejores mimbres profesionales se había contado (OBS, Coro Arsys). Para su regreso al Teatro, estaba el aliciente de la presentación en la ciudad de la Orquesta Barroca de Mallorca y del reencuentro con Barry Sargent, fundador de la OBS y su titular durante cinco años.

Sargent sigue siendo el músico intenso de siempre, con unas ideas musicales que pasan de modo indefectible por la vitalidad, la pasión y el nervio, lo cual tuvo ocasión de poner de manifiesto en multitud de ocasiones en la noche de ayer. Pese a que al conjunto mallorquín le faltó acaso algo de peso en la cuerda para un escenario como el maestrante, Sargent supo moldearlo, calibrarlo, darle relieve y fuerza más que sobrada para convertirlo en una agradable revelación.

El coro univesitario balear se mostró algo por debajo. Al sonido le faltó en multitud de ocasiones cuerpo y empaste, así como más sutileza en las progresiones dinámicas y los contrastes. Con los inevitables errores de sincronización, Sargent concertó aceptablemente a los conjuntos sobre la escena con los coros locales situados en las terrazas, logrando momentos de cierta prestancia.

Del cuarteto solista, cabe destacar a Lluís Vilamajó, por su intensidad dramática y su elegancia en el fraseo. Jordi Domènech parece haber asentado sus graves a costa de la heterogeneidad del color. Ornamentó con exuberancia, lo que no le habría venido mal a una Marta Almajano en exceso fría o a un Enrique Sánchez-Ramos plano y sin matices casi toda la noche.

¡Feliz Navidad!

[Publicado en Diario de Sevilla el martes 23 de diciembre de 2008]

Una sonámbula para Bartoli

La sonnambula de Bellini en L'Oiseau-Lyre
Vincenzo Bellini (1801-1835): LA SONNAMBULA
melodrama en dos actos con libreto de Felice Romani (edición crítica de Alessandro Roccatagliati y Luca Zoppelli, 2004)

Cecilia Bartoli, mezzosoprano (Amina)
Juan Diego Flórez, tenor (Elvino)
Ildebrando D'Arcangelo, bajo (el conde Rodolfo)
Gemma Bertagnoli, soprano (Lisa)
Liliana Nikiteanu, soprano (Teresa)
Peter Kálmán, tenor (Alessio)
Javier Camarena, tenor (un Notario)
Coro de la Ópera de Zúrich
La Scintilla
Director: Alessandro De Marchi
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2 CD L'OISEAU-LYRE 478 1084 (Universal) [59'10'' - 75'01'']
Grabación: Junio y Julio de 2007 y Septiembre de 2008


Producto de diseño, que parte de la edición crítica de La sonnambula editada por Ricordi en 2004 e incluye un conjunto de instrumentos de época, un director habituado al universo barroco y el encuentro entre dos de las grandes estrellas de la lírica en nuestros días, Bartoli y Flórez. La obra de Bellini suena mucho menos brillante en esta versión bajada de tono para ponerla al alcance de la voz de mezzo de Bartoli, increíble como siempre en las agilidades, pero con un fraseo y unos recursos ornamentales algo afectados. Flórez parece más contenido que de costumbre. Brillantes secundarios.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 20 de diciembre de 2008]


Bellini: "Prendi: l'anel ti dono" de La sonnambula. [5'02''] Juan Diego Flórez. Cecilia Bartoli. Coro de la Ópera de Zurich. La Scintilla. Alessandro De Marchi.

P. S. Fue tan vapuleada en algunos blogs de ópera, que uno se acerca a esta grabación consciente de que el hecho de que te guste puede ser usado contra ti, pues revelaría síntomas evidentes y peligrosos de que eres un hortera redomado, además de un inconsciente consumista (¡y en fechas navideñas nada menos!) que traga sin rechistar con la estrategia mercadotécnica de las grandes compañías de discos. Seguramente seré un hortera y un consumista, aunque más bien lo que soy es un aficionado bastante moderado al belcantismo, y por tanto no un conocedor detallado de todos sus entresijos, pero a mí me gusta. Es evidente que se trata de un producto hecho para vender (¡como todos!), y que Bartoli lleva tiempo instalada en una afectación que era ya apreciable en su anterior disco y gira, pero la orquesta suena muy bien (infinitamente mejor que la mayoría de sinfónicas de foso haciendo esta música), Flórez canta con apreciable buen gusto sus partes bajadas de tono (pero esto lo hace todos los días Domingo, y cosas mucho peores, y a todo el mundo se le cae la baba oyéndolo) aunque sin deslumbrantes alharacas y el resto del reparto es más que bueno. He escuchado desde luego interpretaciones más brillantes y apasionadas de esta ópera, pero como a mí la música ésta tampoco me transporta normalmente a ningún sitio especial (y le reconozco su valor, ¿eh?, Bellini era un señor muy delicado y muy exquisito), no me importa demasiado. Tampoco termino de ver dónde está el engaño de la apuesta: es simplemente la primera grabación de una edición nueva de la obra. Eso sí, no es cierto, como anuncia Decca con un sellito en la mismísima portada, que sea la primera colaboración entre Bartoli y Flórez, que grabaron ya juntos –¡para el mismo sello!– el Mitridate de Mozart con Christophe Rousset, aunque entonces el peruano hiciera un papel secundario.

lunes 22 de diciembre de 2008

Dionisíaca Navidad

La OBS en Santa Marina el 21 de diciembre de 2008 (© Belén Vargas / Diario de Sevilla)
ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA

Concierto de Navidad de Cajasol. Solista: Monica Piccinini, soprano. Concertino-Directora: Monica Huggett. Programa: Concierto de Brandemburgo nº1 BWV 1046 en fa mayor de Johann Sebastian Bach; Oh, di Betlemme de Alessandro Scarlatti; In furore RV 626 de Antonio Vivaldi; Obertura TWV 55 F3 en fa mayor de Georg Philipp Telemann. Lugar: Iglesia de Santa Marina. Fecha: Domingo 21 de diciembre. Aforo: Lleno.

* * * *

DIONISÍACA NAVIDAD

La OBS planteó un original y muy coherente programa navideño, abierto y cerrado por obras escritas en la tonalidad de fa mayor, pastoral por excelencia (¡hasta Beethoven la eligió para su 6ª Sinfonía!). Pero el espíritu indómito de Monica Huggett no podía contentarse con la exposición beatífica y serena de una música tan cargada de referencias a la (imaginada) armonía de la naturaleza.

Su Brandemburgo resultó radicalmente expresivo, forzados, en ocasiones hasta el desequilibrio, los choques entre los vientos y las cuerdas, sin importarle demasiado que las trompas o su propio violín piccolo pudiesen sonar desafinados, con tal de destacar el contraste entre rusticidad y refinamiento que parece implícito en la pieza bachiana. Con Telemann fue la misma vitalidad, el mismo vigor, el mismo sentido dionisíaco, invitado de honor en esta celebración navideña, aunque con un control más depurado del fraseo hasta la brillante fanfarria final.

Monica Piccinini había colaborado ya en otras ocasiones con la OBS, pero hacía tiempo que no la veíamos por Sevilla. Su voz, ligera y elegante, de agudos fáciles y un hermosísimo registro central, resultó ideal para lograr la variedad de matices que requiere una cantata como la de Scarlatti, con tres arias escritas en un delicado tempo de Andante. Le faltó en cambio un punto de pujanza dramática a la fogosa primera aria del motete de Vivaldi, aunque el aria central fue un prodigio de dulzura y en el Aleluya final mostró una coloratura impecable.

Cuando, fuera de programa, Piccinini afrontó el "V’adoro pupille" del Giulio Cesare de Haendel, fue inevitable pensar que hace menos de un mes la OBS conseguía imponerse de forma incontestable en el Maestranza con esta ópera haendeliana. Tras aquello, después del triunfo en el gran templo de la música sevillana, las condiciones en que se celebran estos conciertos de Cajasol (¿para qué quieren su Centro Cultural?) resultan por completo inaceptables. La OBS no se merece tocar en un lugar sin los requerimientos profesionales mínimos, con un frío que obligó a algunos instrumentistas a salir a escena con bufanda al cuello o mitones en las manos. El público no merece colas desesperantes ni un espacio sin las mínimas condiciones acústicas ni de habitabilidad. Que se reúnan quienes tengan que reunirse y que lo solucionen, pero ya.

[Publicado en Diario de Sevilla el lunes 22 de diciembre de 2008]

Carmen en su laberinto

Antonacci y Kaufmann en la Carmen de Zambello
Para su temporada 2006-07, el Covent Garden de Londres decidió presentar una nueva producción de Carmen que viniera a sustituir a la antigua de Nuria Espert (aquella que inaugurara la temporada lírica de la Expo’92 de Sevilla), para lo cual los responsables del teatro contaron con otra mujer, Francesca Zambello, y buscaron como protagonistas a dos emergentes estrellas del canto, la soprano italiana (con pasado de mezzo) Anna Caterina Antonacci y el tenor alemán Jonas Kaufmann, que debutaban en sus respectivos papeles.

No resulta fácil acertar con el tono escénico que requiere hoy la obra maestra de Bizet, que arrastra desde siempre una pesada carga de símbolos y tópicos. Si uno trata de eludirlos todos (y presenta por ejemplo a los protagonistas sobre relucientes motocicletas, como hiciera Bieito), puede caer con facilidad en la impertinencia o el ridículo; si opta por dejarse llevar por ellos, es posible que la obra derive hacia la postal turística o el vulgar kitsch.

Zambello ha querido tomarse cierta distancia con el empleo de una escenografía minimalista, pero luego la ha llenado de todos los tópicos de la iconografía sevillana que se le han puesto a mano: un pobre naranjo solitario aparece en el primer acto (aunque esto sí es muy de nuestro tiempo, a decir verdad), el inevitable cuadro flamenco abre el segundo, todas las cigarreras se abren de piernas con desarmante naturalidad, los dragones son guardias civiles, Escamillo irrumpe a lomos de un caballo (desde el que canta incluso la primera parte de su aria), un pollino figura en el equipo de los contrabandistas, las banderillas llevan los colores de la bandera de Andalucía (¡en el siglo XIX!, pues el muy vistoso vestuario es de época) y hasta un remedo de paso de palio surge por una esquina en una tarde de toros... Si a eso se une una dirección de actores que, salvo en la espléndida escena final, resulta más bien errática y corta de sutilezas, los resultados globales son poco estimulantes.

La Macarena en tarde de toros; los capillitas se nos mueren del susto
Sin embargo, musicalmente Pappano hace un trabajo extraordinario, con tempi siempre adecuados, fraseo elegante, suntuosidad tímbrica y gran cantidad de matices, puestos al servicio del canto. Antonacci da sin duda una sensual y seductora imagen de Carmen, pero su actuación se va diluyendo, y tras un primer acto más que notable (soberbia Habanera y más que brillantes Seguidillas) cae en una rutina de la que sólo la saca la imponente escena final. En ella se luce también un Jonas Kaufmann de voz ancha y caudal generoso, pero que sabe recoger con lirismo en su aria de la flor, en especial en un final fraseado con absoluta delectación y buen gusto. Rotundo aunque algo monolítico en lo expresivo el Escamillo de Ildebrando D’Arcangelo e irrelevante y manida la imagen cursi que de Micaela da Norah Amsellem. En cambio, los papeles menores están servidos maravillosamente por Elena Xanthoudakis, Viktoria Vizin, Jean-Sébastien Bou y Jean-Paul Fouchécourt. ¡Ay, Carmen!

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 20 de diciembre de 2008]

Carmen de Zambello y Pappano para Covent Garden en Decca
Georges Bizet (1838-1875): CARMEN
opéra comique en cuatro actos con libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy a partir de la novela homónima de Prosper Merimée (edición de Fritz Oeser)

Anna Caterina Antonacci, soprano (Carmen)
Jonas Kaufmann, tenor (Don José)
Ildebrando D'Arcangelo, bajo (Escamillo)
Norah Amsellem, soprano (Micaëla)
Elena Xanthoudakis, soprano (Frasquita)
Viktoria Vizin, mezzosoprano (Mercédès)
Jean-Sébastien Bou, barítono (Dancaïre)
Jean-Paul Fouchécourt, tenor (Remendado)
Matthew Rose, barítono (Zúñiga)
Jacques Imbrailo, barítono (Moralès)
Caroline Lena Olsson (Lillas Pastia)
Anthony Debaeck (el Guía)
The Royal Opera Chorus
The Orchestra of the Royal Opera House
Director: Antonio Pappano

Dirección de escena: Francesca Zambello
Escenografía: Tanya McCallin
Iluminación: Paule Constable
Coreografía: Arthur Pita

Realización del vídeo: Jonathan Haswell
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DECCA DVD 074 3312 (Universal) [152']
Grabación: Diciembre de 2006




domingo 21 de diciembre de 2008

Sangre y arena

La música con la que Bizet da cuenta de Escamillo tiene el efecto de una brillante vestimenta, destinada a un personaje que vale sobre todo para subrayar las carencias y la impotencia seductora de Don José. Personaje al que éste, con lógica ambivalencia, admira y odia, al proyectar sobre él su sueño de hombre logrado: aquello mismo que él ambicionó y en lo que ya sólo puede pensar, en parte con melancolía, y en parte con ira, como un imposible.

Pero para Bizet, Escamillo es más que un personaje porque tangencial con él vibra una atmósfera: la de la corrida, que él arrastra como algo propio, pero que también lo desborda y amplifica, hasta llegar a establecerse a través de ella la connivencia esperada: la del escenario andaluz. En el tema de la corrida está la clave de la capacidad evocadora de la obra. Ahí Bizet, que nunca pisó Andalucía, jugó una gran baza imaginativa y encontró la atmósfera múltiple y orgiástica acorde para ilustrar el escenario andaluz en una de sus notas más diferenciadas, enmarcándola y conjuntándola con el tema trágico del destino, del amor fati encarnado por Carmen.

La presencia de Escamillo y el paroxismo musical que la corrida implica contagian, con su aire de muerte inaplazable, la verosimilitud del aspecto trágico reclamado por el destino de Carmen, que se inscribe en esa tradición literaria tan occidental del amor que demanda muerte –con esa forma radical de aguijonearse, así, la sensualidad y agudizarse el deseo–, pero, además, la función encomendada a Escamillo posibilita que se redoble la simetría de los lances mortales. Ese paralelismo de la última escena, en la que, como apunta Cansinos, "los alaridos de la mujer victimada confúndense con el atronador vocerío de la exaltada muchedumbre", constituye uno de los grandes hallazgos de Bizet.

Son momentos en que la muerte se introduce con todo su peso trágico en la vida de los tres. Escamillo confiaba en poseer a Carmen gracias a su triunfo en la corrida, triunfo que exigía la muerte del toro. Don José, para no perder a Carmen, debe matarla, pero eso significaba también quitarle todo el sentido a su vida, y acabar, pues, consigo mismo. Y Carmen, para continuar siendo Carmen, no puede ceder al deseo de Don José, lo que ha de suponerle la muerte.

La función de Escamillo puede extenderse también a constituir el único contrapunto de alborozo dentro de la trágica atmósfera final. El diestro –independientemente de que su triunfo quede para él ennegrecido por la pérdida de Carmen– ha vencido en la plaza al toro que le estaba destinado. Y con él han triunfado también los que han juntado sus vehementes voluntades en forma de coro, se han identificado con el torero, se han aglutinado alrededor de ese círculo de sangre y arena que es el ruedo y han vitoreado al héroe que ha hecho perecer a la fiera instintiva que agoniza a sus pies.

[Alberto González Troyano, Don Juan, Fígaro, Carmen, Fundación José Manuel Lara, Sevilla, 2007]

Esplendor de Versalles (13)

La Capilla Real en tiempos de Luis Xv
CD 13: LA CHAPELLE ROYALE AU TEMPS DE LOUIS XV

1. André Campra (1660-1744): Confitebor tibi domine
2. Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772): Nisi Dominus
Isabelle Poulenard, dessus
Robert Getchell, haute-contre
Romain Champion, taille
Marc Mauillon y Christophe Grapperon, basse-tailles
Le Parnasse Français
Director: Louis Castelain

Claude-Benigne Balbastre (1727-1799): Livre d'orgue de Dijon
3. Air
4. Duo
5. Michel Corrette (1707-1795): Noël "Vous qui désirez sans fin"
6. Louis-Claude Daquin (1694-1772): Noël sur les jeux d'anches
Olivier Latry, órgano
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MBF/CHATEAU DE VERSAILLES (Diverdi) [54'57'']
Grabación:
2007 (en vivo, en la Capilla Real)

Un conjunto al que no conocía, Le Parnasse Français, interpreta con apreciable corrección un par de salmos compuestos para la versallesca Capilla Real, de trazos muy elegantes, que quizá suenan aquí por momentos algo alicaídos, el de Campra, intenso y muy original, por el virtuosismo vocal y por el tratamiento instrumental, que se asoma ya al mundo del Clasicismo, el de Mondonville. En este disco irrumpe también en la colección el órgano, y lo hace de modo extraordinario, en las manos de un grandísimo Olivier Latry, que pasa de la delicadeza absoluta del aria de Balbastre al brillo, la fuerza, la pujanza y el encanto melódico de la pieza de Daquin escrita para los registros de lengüeta.


Corrette: Noël "Vous qui désirez sans fin". Olivier Latry

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sábado 20 de diciembre de 2008

Zapaterito

Era un tipo inagotable. Tenía la obsesión del salón de música del barco, y en cuanto oía tocar el piano iba corriendo a su camarote, se ponía lo que él llamaba el traje de oír música y volvía precipitadamente para colocarse al lado del que tocaba, dando muestras de un enternecedor arrobamiento artístico. El llamado "traje de oír música" consistía en unos pantalones de franela, una camisa con mangas cortas y una boina; es decir, un traje de pelotari. No sé qué extraña relación hallaba su disparatada cabeza entre una cosa y otra.

Lo que al parecer le conmovían más eran las romanzas sentimentales. Una vez estaba una muchacha cantando una romanza tiernísima, acompañada al piano por su madre, y Zapaterito dio tales muestras de entusiasmo que la madre y la hija le tomaron por un ferviente melómano. La niña, complacida, invitó a Zapaterito a que la acompañase al piano, y con gran estupefacción de los que presenciábamos la escena vimos que nuestro camarada, ni corto ni perezoso, se colocó impávido ante el teclado. "¿Qué pensará hacer?" −nos preguntábamos los que sabíamos que en su vida había visto un pentagrama. Con una seriedad escalofriante repitió el viejo truco de ponerse a buscar la manivela.

− ¿Qué busca usted? −preguntó extrañada la jovencita.
− Eso... Buscaba eso que sirve para darle vueltas...
− ¡Pero si éste no es un piano de manubrio! −rugió la madre.
− ¡Ah! Entonces tienen ustedes que perdonarme −replicó Zapaterito−; yo los pianos que sé tocar con mucho arte son ésos que suenan dándole vueltas a una manivela.

Se hizo amigo de un viejo francés, pianista también, sostenía con él largas conversaciones sobre temas musicales. Llegó a hacerle cree que era cantante de ópera, y el crédulo francés se empeñó en oírle cantar algún trozo selecto. Zapaterito se excusaba siempre, pero un día accedió a dejar oír su preciosa voz. El pianista acometió el "Adiós a la vida" de Tosca, y Zapaterito abrió la boca y se puso a lanzar unos berridos y a hacer unos gorgoritos tan extraños, que el francés, furioso, cerró de golpe el teclado y le pegó en la cabeza con la partitura a nuestro desaprensivo camarada.

[Manuel Chaves Nogales, Juan Belmonte, matador de toros; su vida y sus hazañas, 1935, en Obra narrativa completa, 2 volúmenes, edición de Maribel Cintas Guillén, Diputación de Sevilla, 1993]

viernes 19 de diciembre de 2008

Esplendor de Versalles (12)

En el Concierto Espiritual
CD 12: AU CONCERT SPIRITUEL
Les Arts Florissants
Director: William Christie

1.Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772): Dominus regnavit
Sophie Daneman y Maryseult Wieczoreck, dessus
Paul Agnew, haute-contre
François Piolino, taille
Maarten Koningsberger, basse-taille
François Bazola, basse


2. Jean-Philippe Rameau (1683-1764): In convertendo
Sophie Daneman y Noémie Rime, dessus
Paul Agnew, haute-contre
Nicolas Rivenq, taille y basse-taille

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MBF/CHATEAU DE VERSAILLES (Diverdi) [45'19'']
Grabación:
Junio de 1994 (Rameau, sello Erato) 1996 (Mondonville, sello Erato)

El Concierto Espiritual, primera sociedad pública de conciertos de Francia, fue fundado por Anne Danican Philidor, oboísta de la Capilla Real, e inició sus actividades el 17 de marzo de 1725. La institución sobrevivió hasta 1790, pasando por diferentes manos, aunque estuvo limitada por las imposiciones de la oficialista Academia Real de Música, que no le permitió en principio programar ni ópera ni música francesa y sólo consintió la programación de sus actividades en fechas en que no hubiera concierto u ópera de la propia Academia. Como en la mayor parte de los casos, esos días (unos 30 al año) coincidían con festividades católicas, el Concierto Espiritual ofreció mucha música religiosa, si bien Philidor consiguió también pronto el permiso para organizar conciertos franceses, por los que pasaron todos los grandes músicos locales de la época, mientras que el resto se completaba con música de compositores extranjeros, fundamentalmente italianos y austriacos.

Para el duodécimo volumen de la colección, los de Versalles han recurrido a dos antiguas grabaciones de William Christie para la Erato de los años 90. La obra de Mondonville está escrita en un atractivo estilo concertado, mientras que In convertendo es sin duda una de las grandes obras no sólo de Rameau, sino del género del gran motete. Escrito entre 1713 y 1715 fue revisado para su presentación en el Concierto Espiritual en 1751, y ha sido siempre una de las piezas más queridas de William Christie, quien le dedicó incluso una grabación en formato DVD.


Mondonville: "Dominus regnavit" de Dominus regnavit. [4'02''] Les Arts Florissants. William Christie.

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Discóbolo

Convocatoria discobólicaEsta noche se presenta Discóbolo, un loco e ilusionante proyecto para tiempos de crisis en el que me han pedido colaborar, lo que hago desde luego encantado. Compromisos laborales me impiden sin embargo estar en la puesta de largo de la revista-pasquín-sábana-desplegable (o lo que sea), por lo que me pierdo la actuación de O Sister!, que tanta ilusión me hacía... Pero no quería dejar pasar la ocasión sin expresar formalmente en este señalado día mis mejores deseos para el futuro de la criatura y de sus adorables criaturitas... Fortuna audaces iuvat!

jueves 18 de diciembre de 2008

Celebrando a Haendel (3)

Las óperas en la Edición Haendel de HM
Georg Friedrich Haendel (1685-1759): FLAVIO, RE' DE LANGOBARDI HWV 16
ópera seria en tres actos con libreto de Nicola Francesco Haym, a partir de uno anterior de Matteo Noris

Jeffrey Gall, contratenor (Flavio)
Derek Lee Ragin, contratenor (Guido)
Lena Lootens, soprano (Emilia)
Bernarda Fink, mezzosoprano (Teodata)
Christina Högman, soprano (Vitige)
Gianpaolo Fagotto, tenor (Ugone)
Ulrich Messthaler, bajo (Lotario)
Ensemble 415 (concertino: Chiara Banchini)
Director: René Jacobs
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HARMONIA MUNDI HMX 2908241.49 (CD 4-5) [79'25'' - 76'17']
Grabación: Octubre de 1989


Jacobs grabó Flavio sólo dos años antes que Julio César, pero las diferencias entre uno y otro registro son notables. Lo que en César es cima, triunfo, logro incuestionable, que habría de marcar el futuro de los acercamientos a las óperas del compositor, en Flavio no deja de ser ensayo, prueba, un arrimarse a un repertorio que aún no había fijado con claridad sus guías para romper con una tradición que ya se sabía obsoleta. Jacobs se había baqueteado en los años anteriores con estupendos trabajos dedicados a Cavalli (Xerse, Giasone, incuestionables logros para la época) y su primer gran Haendel es una ópera nunca grabada completa (ni antes ni después), justo la obra que precedería históricamente a Giulio Cesare. Contó para su proyecto con el Ensemble 415 de Chiara Banchini, un buen grupo, pero sin la opulencia, la brillantez ni la capacidad para la matización que Jacobs lograría de los conjuntos centroeuropeos para sus siguientes trabajos haendelianos. La interpretación es desde luego más que correcta y muy disfrutable, pero no hay aquí esa flexibilidad, esa teatralidad, ese imponente dominio de los recursos orquestales puestos al servicio de la expresión más directa y descarnada que el director belga conseguiría en sus siguientes trabajos. Más allá de algunos momentos muy apreciables, que sin duda anuncian sus conquistas posteriores, la pauta la marca la excesiva rigidez del continuo (pese a la tiorba de Junghänel, menos presente de lo que sería deseable) y una batuta que aunque señala ya el camino, no termina de encontrar ese punto justo de equilibrio entre rigor y libertad que harán verdaderamente grandes a Julio César y Rinaldo. El elenco de voces es muy irregular. Jeffrey Gal es un haendeliano imposible, contratenor de una época ya superada, cuya voz suena siempre artificial, descolorida, sin apenas apoyo en los graves, con tendencia al chillido. Mucho mejor Ragin, que estaba en su mejor época, intenso y preciso en la coloratura, en uno de los mejores papeles que yo le recuerde. Muy poco elegante en su aria Fagotto, un tenor que en cualquier caso iría a más en los 90, y más que aceptable Messthaler, pese a que su aria de bravura del acto I ("Se a te vissi fidele") le quede un poco grande. Entre las féminas, cabe destacar sobre todo a una Bernarda Fink aún un poco recatada y tímida en los momentos más expansivos de su papel, pero que ya fraseaba con exquisito gusto, y a una Lena Lootens de encantadora y brillante ligereza. Muy irregular en el color y de línea a menudo inestable Christina Högman. Pese a todas las objeciones apuntadas, este Flavio, si no me equivoco el único que hay ahora disponible en el mercado, se deja oír y puede proporcionar sin duda a los buenos aficionados muchos momentos de auténtica emoción haendeliana.



Haendel: "Rompo i lacci" de Flavio. [5'33''] Derek Lee Ragin. Ensemble 415. René Jacobs

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miércoles 17 de diciembre de 2008

Feliz reposición de un Haydn bufo

Lo Speziale en el Maestranza (@ Antonio Pizarro / Diario de Sevilla)
Lo Speziale en el Maestranza (@ Antonio Pizarro / Diario de Sevilla)
Lo Speziale en el Maestranza (@ Antonio Pizarro / Diario de Sevilla)
Lo Speziale en el Maestranza (@ Antonio Pizarro / Diario de Sevilla)
Lo Speziale en el Maestranza (@ Antonio Pizarro / Diario de Sevilla)
Lo Speziale en el Maestranza (@ Antonio Pizarro / Diario de Sevilla)
[Fotos: Antonio Pizarro]

LO SPEZIALE

Lo Speziale, dramma giocoso en tres actos, con música de Franz Joseph Haydn y libreto anónimo a partir de Carlo Goldoni. Solistas: Manuel de Diego, tenor (Mengone); Sandra Pastrana, soprano (Grilleta); Juan Antonio Sanabria, tenor (Sempronio); Angélica Mansilla, mezzosoprano (Volpino). Orquesta Sinfónica de Sevilla. Director musical: Santiago Serrate. Director de escena, escenografía y vestuario: Patrick Mailler. Iluminación: Juan Manuel Guerra. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Martes 16 de diciembre. Aforo: Tres cuartos de entrada.

* * *

FELIZ REPOSICIÓN DE UN HAYDN BUFO

A pesar de que la historia las ha juzgado con cierta dureza, Haydn estaba muy orgulloso de sus óperas, que consideraba las más importantes de sus obras.

Lo Speziale es una típica ópera bufa estrenada en 1768 que ha llegado incompleta (aparte mutilaciones menores, le falta gran parte del acto III, que completó el gran experto haydniano H. C. Robbins Landon) y que el Maestranza presentó en una pequeña producción (con el público sobre el mismo escenario) en el año 2002, producción que supuso la presentación en el teatro de la Orquesta Barroca de Sevilla y de Pedro Halffter, su actual director artístico, y ahora ha recuperado para este nuevo formato de Ópera para jóvenes.

Patrick Mailler hizo entonces un trabajo estupendo, lleno de gracia e imaginación, con un ritmo ágil, una magnífica dirección de actores y un vestuario inspirado en la comedia del arte, colorista y original, cualidades todas sin las que esta música, que no se encuentra desde luego entre la mejor de Haydn, sufriría mucho para imponerse a un público de nuestros días. La adaptación de la producción a un escenario mucho mayor del original la ha salvado también con oficio, reduciéndolo mediante la colocación de la escena sobre una plataforma central ligeramente elevada y la interactuación de los personajes con el público (hasta dos jóvenes espectadoras fueron inopinadamente subidas a escena).

Musicalmente, la función fue de menos a más. La camerística ROSS empezó sonando algo pesada, pero Santiago Serrate supo reconducirla a un fraseo más afilado y una mayor transparencia, ajustando poco a poco el acompañamiento a unas voces que cumplieron de forma satisfactoria.

Mejor acaso las chicas, la granadina Sandra Pastrana, de timbre brillante, imponente técnica y notable gracia expresiva, pese a que en el registro más agudo mostrara cierta tendencia al grito; y la madrileña Angélica Mansilla, voz no especialmente grande, pero de muy interesante pasta oscura y exquisita fraseadora. El tenor cántabro Manuel de Diego, bien conocido del teatro, tuvo algunos problemas con el volumen (sobre todo al principio), pero terminó dominando el papel tanto en lo musical como en lo escénico. Algo parecido le ocurrió al grancanario Juan Antonio Sanabria, que arrancó con algún problema de colocación de los agudos, pero terminó centrado y pletórico.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 17 de diciembre de 2008]

martes 16 de diciembre de 2008

Hervé Niquet rescata a Proserpina

La Proserpine de Lully en Glossa
Jean-Baptiste Lully (1632-1687): PROSERPINE
tragedia lírica en un prólgo y cinco actos con libreto de Philippe Quinault

Salomé Haller, dessus (Proserpina)
Bénédicte Tauran, dessus (La Paz)
Stéphanie d'Oustrac, bas-dessus (Ceres)
Blandine Staskiewicz, bas-dessus (Aretusa, Cyané)
Hjördis Thébault, bas-dessus (La Victoria)
Cyril Auvity, haute-contre (Alfeo)
François-Nicolas Geslot, haute-contre (Mercurio)
Benoît Arnould, basse-taille (Ascálafo)
Marc Labonnette, basse-taille (Júpiter, Crinise)
Pierre-Yves Pruvot, basse-taille (La Discordia)
João Fernandes, basse (Plutón)

Le Concert Spirituel (concertino: Alice Piérot)
Director: Hervé Niquet
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2 CD GLOSSA GCD 921615 (Diverdi) [75'25'' - 76'55'']
Grabación: Septiembre de 2006 y Noviembre de 2007 (Prólogo)


Con Proserpine, estrenada en Saint-Germain-en-Laye en 1680, Lully retomaba su colaboración con el libretista Philippe Quinault, después de que el poeta sufriera casi tres años de ostracismo a causa de que algunos de los personajes y situaciones de Isis (1677) parecieran demasiado inspirados en affaires privados de Luis XIV. Novena tragedia lírica del compositor, estructurada en el prólogo y los cinco actos de rigor, con ella Lully dio un pase adelante en la flexibilización dramatúrgica de su música, potenciando la función del coro e incrementando la duración de las partes líricas (ariosos y arias) frente a la declamación, que sigue siendo, de cualquier modo, la base sobre la que se construye la obra.

Después de Destouches (Callirhoé) y Marais (Sémélé), Hervé Niquet prosigue en Glossa su tránsito por la ópera barroca francesa con este título del que no había hasta ahora grabación completa. El amplísimo elenco resulta tan homogéneo como dominador del estilo en prosodia y ornamentación. Está además magníficamente acompañado por un conjunto instrumental de notable flexibilidad, que cuenta con Alice Piérot de concertino y que suena siempre intenso y teatral, administrando delicadeza, refinamiento y suntuosidad en función de los diferentes momentos dramáticos y musicales de la obra. El coro completa con absoluta redondez y penetrante agudeza su muy comprometido papel.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de diciembre de 2008]


Lully: Escena 1 del Acto V de Proserpine. [5'40''] Le Concert Spirituel. Hervé Niquet

P. S. En un singular caso de política editorial, esta Proserpina de Hervé Niquet fue publicada antes de en Glossa en la colección de ópera que La Vanguardia y El País ofrecieron el año pasado, aunque sin el Prólogo, que Niquet grabó después. Que nadie se extrañe por tanto si lo tiene por casa en la muy bonita edición de los diarios de Prisa: la versión es exactamente la misma. Y ante la pregunta de si vale la pena hacerse con este doble disco por los veintitantos minutos del Prólogo, no hay respuesta: la música de esos minutos es francamente estupenda, pero el precio a pagar por ella parecería en principio un poco caro, aunque siempre cabe la opción de comprar esta versión íntegra y regalar la otra, un bonito regalo sin duda.

lunes 15 de diciembre de 2008

Exhibición de virtuosismo

José Enrique Bagaría
JOSÉ ENRIQUE BAGARÍA

Ciclo de Jóvenes Intérpretes. José Enrique Bagaría, piano. Programa: Sonata para piano nº62 Hob.XVI:52 en mi bemol mayor de Franz Joseph Haydn; A Franz Schubert de Jordi Cervelló; Preludios Op.23 nº5 en sol menor, Op.32 nº5 en sol mayor, Op.32 nº12 en sol sostenido menor y Op.23 nº2 en si bemol mayor de Sergei Rachmaninov; Pavana para una infanta difunta de Maurice Ravel; Fantasía Bética de Manuel de Falla; Reminiscencias de Don Juan S. 656 de Franz Liszt. Lugar: Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza. Fecha: Domingo 14 de diciembre. Aforo: Un tercio de entrada.

* * *

EXHIBICIÓN DE VIRTUOSISMO

No termina de estar muy definido entre nosotros el concepto de "intérprete joven", pues José Enrique Bagaría (Barcelona, 1978) no sólo es un hombre que ha cumplido ya 30 años, sino que como pianista tiene una trayectoria más que reconocible, que incluye premios internacionales y grabaciones. En cualquier caso, a él le tocó abrir este ciclo del Maestranza, y el escaso público asistente bien que agradeció encontrarse con un artista de indudable solidez.

Con un programa de extraordinario compromiso técnico y musical, su actuación convenció más por el lado del virtuosismo que de la hondura. La última Sonata de Haydn está pendiente de un hilo entre épocas y Bagaría la miró sin complejos desde el lado romántico, con sonido algo grueso y mucho uso del pedal de resonancia. En el Adagio era fácil adivinar ya la sombra de Schubert, por lo que no extrañó la inclusión de la piececita del ecléctico Cervelló.

Pese a unas dinámicas algo chatas, los Preludios de Rachmaninov resultaron intensos y muy expresivos (fogoso el muy conocido Op.23 nº5, con una sección central de discreto lirismo; cantábile, claro, ligero, hermosísimo el Op.32 nº5; más enérgico que majestuoso el Op.23 nº2). El punto más bajo del recital llegó con una Pavana de Ravel desangelada, entrecortada a fuerza de aplicar un análisis riguroso a su articulación, sin atmósfera, misterio ni sensualidad. Portentoso sin embargo el alarde virtuosístico en Falla y Liszt. En la Fantasía Bética, Bagaría acertó además con el color y logró una versión muy contrastada, chisposa, con relieve y gracia. Deslumbrante la muy rubateada exhibición lisztiana.

[Publicado en Diario de Sevilla el lunes 15 de diciembre de 2008]

El triunfo de la armonía

Un momento de Cadmus et Hermione en la Opéra Comique
Según una de las versiones más difundidas del mito, Harmonía era hija de Afrodita (diosa de la belleza y del amor) y de Ares (dios de la guerra) y representaba por ello el equilibrio, la concordia. Cadmo, fundador de Tebas, la conoció mientras buscaba a su hermana Europa, que Zeus había raptado disfrazado de toro, y se casó con ella con exuberante pompa, a la que contribuyeron con su asistencia los dioses del Olimpo y las musas.

El tema, desarrollado hasta ese preciso final feliz, fue el escogido por Jean-Baptiste Lully (1632-1687) para su segunda colaboración con Philippe Quinault, de la que nacería su segunda tragedia lírica, que, estrenada en abril de 1673, presenta, aún de forma embrionaria, el modelo que compositor y poeta irían perfeccionando en años sucesivos: estructura en prólogo y cinco actos, con un recitado continuo como sustento teatral y musical del drama, inclusión de divertissements de danza y empleo de maquinaria escénica como recurso para la estratificación dramatúrgica y la seducción de los espectadores.

Cadmus et Hermione no se había grabado nunca y esta primera ocasión no podía haber tenido mejor fin. Producida por la Opéra Comique de París, en este proyecto se unen los esfuerzos combinados del escenógrafo Benjamin Lazar y del director musical Vincent Dumestre, que habían dejado ya para el mismo sello Alpha una producción hermosísima de Le burgeois gentilhomme, realizada con la misma intención de recuperar el ambiente original que conocieron las representaciones de estas obras en su tiempo, y ello mediante un procedimiento que va mucho más allá del mero empleo del vestuario o el atrezzo de época, pues trata de profundizar en la esencia del teatro musical de la época de Luis XIV.

Un momento de Cadmus et Hermione en la Opéra Comique
No en vano, Benjamin Lazar es discípulo de Eugène Green, cineasta, dramaturgo y uno de los grandes estudiosos del teatro barroco, y su concepción busca integrar de forma armónica la música con la escenografía, el vestuario, la danza, la maquinaria y el gesto. Es justamente la gestualidad, convertida en elemento dramatúrgico de primer rango, lo que separa esta producción de muchas otras pretendidamente historicistas, pero en las que no se ha profundizado hasta ese nivel en el movimiento y los gestos de los cantantes y actores.

Ese ritmo que marcan los movimientos y los gestos en escena, el respeto puntilloso de la prosodia y de la pronunciación, la muy sencilla y efectiva iluminación de Christophe Naillet, la original coreografía de Gudrum Skamletz, la riqueza colorista del vestuario de Alain Blanchot, la belleza un punto naïf de la escenografía de Adeline Caron, los diferentes planos escénicos, con un juego espectacular de personajes que evolucionan merced a las máquinas aéreas, consiguen sugerir de forma por completo convincente la fantasía del teatro del grand siècle, con todo su potencial simbólico y sus convenciones. La trama avanza con extraordinaria fluidez, merced al perfecto equilibrio de los elementos puestos en juego, entre los que los recursos cómicos ayudan a compensar la tendencia al hieratismo de estos argumentos mitológicos en un momento tan primitivo del desarrollo de la ópera barroca francesa.

A la fascinación contribuye la vitalista dirección musical de Vincent Dumestre, que obtiene de su amplio equipo instrumental (24 instrumentistas de cuerda) un sonido intenso y de mucho relieve, con gran variedad de matices, que mantiene permanentemente el interés de la declamación y ayuda a reforzar los instantes líricos o las brillantes intervenciones corales. Amplísimo y sólido el equipo de cantantes. El barítono André Morsch, voz clara y fraseo distinguido, hace un Cadmo impecable, gélido en su primer encuentro con Harmonía, ardoroso en su enfrentamiento con el dragón. Le da réplica con refinada delicadeza y timbre de sugerente sensualidad la soprano Claire Lefilliâtre. Magnífico Arnaud Marzorati en todos los registros expresivos, con voz baritonal recia y flexible al tiempo, deliciosa Isabelle Druet, divertidísimo Jean-François Lombard en su papel travestido de Nodriza... Globalmente, todo el conjunto, incluido el coro, cumple sin desfallecimientos y los esforzados bailarines redondean un espectáculo gozoso, estupendamente filmado por Martin Fraudreau.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de diciembre de 2008]

CAdmus et Hermione de Lully en Alpha
Jean-Baptiste Lully (1632-1687): CADMUS & HERMIONE
tragedia lírica en un prólogo y cinco actos con libreto de Philippe Quinault

André Morsch, barítono (Cadmus)
Claire Lefilliâtre, soprano (Hermione)
Arnaud Marzorati, barítono (Arbas / Pan)
Jean-François Lombard, tenor (Nodriza / Dios campestre)
Isabelle Druet, soprano (Charite / Melisse)
Arnaud Richard, bajo (Dragón / Marte)
Camille Poul, soprano (Amor / Pales)
David Ghilardi, barítono (El Sol / Primer Príncipe Tirio)
Geoffroy Buffière, bajo (El Gran Sacrificador / Júpiter)
Romain Champion, tenor (Primer Africano / La Envidia)
Vincent Vantyghem, barítono (Segundo Príncipe Tirio)
Luanda Siqueira, soprano (Juno / Aglante)
Eugénie Warnier, soprano (Pallas Atenea)
Anthony Lopapa, barítono (Segundo Africano)
Jeroen Bredelwold, tenor (Echion Jan)
Élodie Fonnard, soprano (Hymen)
Hélène Richer, soprano (Venus)
Bailarines de Le Poème Harmonique
Pierre-François Dollé
Caroline Ducrest
Robert Le Nuz
Alžbeta Májová
Anna Romaní
Flora Sans
Anne Tournié
Akiko Veaux

Consejera para la coreografía aérea: Anne Tournié
Coro de Le Poème Harmonique
Orquesta de Le Poème Harmonique (Concertino: Mira Glodeanu)
Director: Vincent Dumestre

Director de escena: Benjamin Lazar
Coreografía: Gudrun Skamletz
Colaborador de la puesta en escena: Louise Moaty
Escenografía: Adeline Caron
Vestuario: Alain Blanchot
Iluminación: Christophe Naillet
Maquillaje: Mathilde Benmoussa

Realización del vídeo: Martin Fraudreau
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ALPHA 701 (Diverdi) 123'
Grabación: Enero de 2008


video


P.S. Una recomendación bibliográfica: Roberto Calasso, Las bodas de Cadmo y Harmonía, Anagrama.

domingo 14 de diciembre de 2008

Esplendor de Versalles (11)

Colin de Blamont en Versalles
CD 11: DIVERTISSEMENT POUR LE THÉÂTRE DES PETITS-APPARTEMENTS

François Colin de Blamont (1690-1760): Égine
Virginie Pochon, soprano (Égine y el Sena)
Caroline Mutel, soprano (Thétis y Corifeo)
Jean-Sébastien Bou, barítono (Júpiter y Mercurio)
Arnaud Marzorati, barítono (Sísifo)
Les Nouveaux Caractères
Director: Sébastien d'Hérin

1. Prólogo de Les Fêtes de Thétis
[Ballet heroico en dos actos
con libreto de Pierre-Charles Roy y música de François Colin de Blamont y de Bernard de Bury]
2. Égine (Acto I de Les Fêtes de Thétis)
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MBF/CHATEAU DE VERSAILLES (Diverdi) [49'26'']
Grabación:
2007 (en vivo, en la Galería de las Batallas)

Desde que en 1745 la nueva favorita de Luis XV, Madame de Pompadour, se trasladó a Versalles, la vida del palacio cambió notablemente, movida por la extraordinaria influencia que esta mujer alcanzó enseguida en todos los estratos de la corte francesa y por la frenética actividad, en gran parte cultural, que desplegó desde entonces. Gran amante de la música, que practicaba de forma cotidiana, la Pompadour encargó numerosas obras con el fin de entretener los ocios reales en sus salas privadas. Así, el 14 de enero de 1750, se estrenó en el Teatro de los Petits-Appartements Les Fêtes de Thétis, un ballet en el que participaba la propia Pompadour, en el acto I como Égine y en el II como la Aurora, los dos roles femeninos protagonistas. La obra tenía una doble autoría musical, pues François Colin de Blamont era responsable del Prólogo y del Acto I mientras que Bernard de Bury se encargó del Acto II, que llevaba por título Titon et l'Aurore. La obra no fue demasiado apreciada y escuchando ahora la parte escrita por Colin de Blamont con cierta razón. Música que trata de seguir la senda del gran Rameau, pero que resulta académica y algo acartonada, aunque la tradicional chacona de (casi) cierre es desde luego estupenda. Se encarga de ella un conjunto al que no conocía de nada, pero que suena de forma equilibrada y con gran elegancia, acompañando a un elenco más que suficiente, en el que destaca una vez más el excelente Arnaud Marzorati. Otra novedad absoluta de la colección versallesca, sin el impacto del Zélindor de Rebel y Francoeur, pero que ayuda a contextualizar, por ejemplo, los grandes logros de Rameau.


Colin de Blamont: Chacona de Égine. [5'42''] Caroline Mutel. Les Nouveaux Caractères. Sébastien d'Hérin

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sábado 13 de diciembre de 2008

Crónicas Giennenses

Úbeda
El fin de semana pasado tuve ocasión de quitarme por fin un baldón de encima: estuve por primera vez en mi vida en el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, que ha alcanzado ya una madurez e importancia más que notables. La XII Edición se celebró entre el 21 de noviembre y el 8 de diciembre y, en correspondencia con el segundo centenario de los episodios nacionales de 1808, llevó como lema "Sones de batalla: Música y guerra en el mundo hispano (ss. XVI-XIX)", un lema que quedó reflejado en la programación de conciertos de forma increíblemente detallada. Pocas veces puede encontrarse una correspondencia de este nivel entre el título genérico del certamen y su contenido. Mi más sincera felicitación por ello a Javier Marín López, director del certamen por segundo año consecutivo y responsable de esta programación.

Declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco y distantes entre sí apenas 8 kilómetros, Úbeda y Baeza son dos de los pueblos más hermosos de Andalucía, y me atrevería a decir que de toda España. Aunque el Festival ha ido extendiendo sus tentáculos por otras localidades de la provincia, incluida la capital, su centro neurálgico se concentra en la sede Antonio Machado de la Universidad Internacional de Andalucía, que se asienta en dos inmuebles históricos de Baeza, el Palacio de Jabalquinto y el Antiguo Seminario Conciliar, donde tienen lugar los cursos, y en los auditorios en los que se celebran los conciertos, que se han creado acondicionando otros dos edificios de impresionante valor artístico, ambos debidos al genio de Andrés de Vandelvira, el Hospital de Santiago de Úbeda y las Ruinas de San Francisco de Baeza.

Como viene siendo norma en mis visitas a cualquier festival y en cualquier época del año que se tercie, llovió copiosamente durante los dos días que pasé en Jaén, aunque debo reconocer que la mayor parte de las precipitaciones me pillaron a cubierto. No llovía cuando el sábado 6 por la tarde me acerqué hasta el Hospital de Santiago para escuchar el concierto que presentaba Forma Antiqua, con un programa producido especialmente para el Festival. Mi encuentro con este estupendo conjunto asturiano suponía también el pago de una deuda pendiente, ya que no había tenido ocasión de escucharlo nunca en directo. El programa llevaba por título "Resuene el orbe ... una historia de tercios españoles" y se configuraba como una imaginativa asociación de piezas instrumentales de los siglos XVI y XVII relacionadas con la música de batalla y el recitado de unos textos por parte de un actor (Carlos Dávila), arreglados de los que el Duque de Rivas incluyó en sus Romances históricos alusivos a la batalla de Pavía (1525), aquella en la que Francisco I de Francia acabó hecho prisionero por el emperador Carlos V. Por desgracia, la noche antes del concierto, Lina Tur Bonet, que iba a tocar como concertino, resbaló mientras volvía al hotel y se partió un hueso de su muñeca izquierda, lo que obligó al grupo a introducir cambios de última hora, tanto en la distribución de las partes como en la selección de las obras, y dejó como violinista en solitario a Guadalupe del Moral, tan guapa como siempre y tocando de escándalo (conozco pocos sonidos de violín barroco más sensuales y ágiles que el de esta chica, me recuerda incluso al de la gran Elizabeth Blumenstock, si bien el de Blumenstock es un sonido algo más grande y carnoso). Pese a todos los problemas, los resultados fueron extraordinarios, pues el estilo vitalista, intenso e imaginativo de Forma Antiqua convino especialmente bien al programa escogido, aunque supongo que más de un asistente a los paralelos cursos de musicología se llevaría las manos a la cabeza en más de una ocasión por la libertad con la que el grupo entiende e interpreta este repertorio.

Baeza
Al día siguiente, domingo 7, el Festival se trasladaba a Baeza, donde actuaban los celebérrimos Tallis Scholars, con un programa que tenía como principal aliciente la Misa de Batalla a 6 voces del mexicano López Capillas. Como me suele ocurrir siempre que escucho a los Tallis (y van ya unas pocas veces), me sentí como un bicho raro en medio del enfervorizado público asistente, pues a mí el conjunto de Phillips me suele dejar más bien frío. Cierto que el grupo estuvo bastante mejor que en su pasada visita a la Catedral de Sevilla a principios de este año y que su empaste es espectacular, pero me irrita esa obsesión por pulir todas las aristas, por sonar siempre brillantes, por tapar permanentemente las voces medias (dos partes de tenor en la Misa, ¡quién lo diría!), y no soporto que en medio de una antífona de Guerrero una soprano me chille...

El Festival se cerraba el inmaculado lunes a las 12:30, otra vez en Úbeda, y de forma harto singular, con el rescate en versión de concierto de una ópera de contenido patriótico compuesta (y posiblemente escrita) en 1815 por Ramón Garay, compositor asturiano que trabajó en Jaén: Compendio sucinto de la revolución española. Transcrita y editada por Pablo Pacheco Torres, la ópera se presentaba en coproducción con la SECC (Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales) y la colaboración de la Ópera de Oviedo que la ofrecía un par de días después. Cuatro personajes alegóricos (Ángel, España, Patriota y Afrancesado), coro y orquesta, que añade a la cuerda parejas de clarinetes, fagotes y trompas, son los mimbres que requiere una obra estructurada en dos actos y que es un auténtico compendio de las formas de la música española del Clasicismo: junto a las arias abundan las canciones con copla y estribillo, coplas sueltas, coros y recitados, con algún aire de contradanza añadido. No es desde luego una gran música, aunque Garay muestra un cabal conocimiento de la escritura orquestal (dejó 10 sinfonías, algunas de las cuales fueron grabadas por la Orquesta Barroca de Sevilla al poco de su creación para un disco de la Junta de Andalucía que, afortunadamente para la propia orquesta, nunca se publicó) y hay momentos de interés dentro de un contexto volcado hacia lo popular refinado, por decirlo de un modo lo más sencillo y expresivo posible. El texto, todo en verso y al que puede llegarse siguiendo cualquiera de los dos enlaces anteriores, es además muy curioso (lo del "olivado suelo" referido a Bailén resulta sencillamente antológico) y políticamente incorrecto (se habla de la nación española, ¡oh!). Son en total 30 números así agrupados:
Acto I
Escena 1ª Prisión del Rey
Escena 2ª El dos de mayo
Escena 3ª Excitación al levantamiento de las provincias
Escena 4ª Levantamiento casi general de la nación
Escena 5ª Batalla de Bailén
Escena 6ª Movimiento de Madrid al saber la batalla de Bailén
Escena 7ª Entrada de las tropas en Madrid
Escena 8ª Encuentro de los ejércitos en Castilla

Acto II
Escena 1ª Madrid y casi toda la España oprimida
Escena 2ª Lamentos de la España oprimida
Escena 3ª Sucesos victoriosos
Escena 4ª Entrada de los ejércitos en Francia
Escena 5ª Rescate del rey y su vuelta a España
Resumen de la obra en coplas
Escena Final
La producción musical resultó, pese a la premura con la que fue montada (apenas 4 días), estupenda. La Grande Chapelle, dirigida desde la muerte de Ángel Recasens en el verano de 2007 por su hijo Albert, que hacía ya un imprescindible trabajo musicológico para el conjunto, es prácticamente el único gran grupo que yo conozca que dedique el 100% de sus esfuerzos a repertorio exclusivamente español. En este caso se presentaba con un coro especialmente formado para la ocasión, en el que abundaban las voces españolas (el grupo suele trabajar a menudo con cantantes belgas y holandeses), y con un conjunto instrumental con nombres destacadísimos: en el primer atril de las violas estaba por ejemplo Patricia Gagnon, Toni Salar Verdú era uno de los clarinetistas y entre las cuerdas era posible ver a varios miembros de la orquesta de Gardiner. Seguramente faltaron ensayos para empastar todo con más precisión y para lograr un sonido más redondo y afilado, pero la parte instrumental resultó más que aceptable (hubo en cualquier caso algunos desajustes notorios en los violines y también en las entradas de algunos números vocales) y Recasens hizo un admirable trabajo de concertación con el coro y unos solistas magníficos: María Eugenia Boix fue un Ángel encantador (formidables sus recitativos, siempre llenos de intención y teatralidad; esta chica hará cosas importantes); Marina Rodríguez Cusí (fresco aún su triunfo maestrante con la Cornelia haendeliana), hizo una España impecable, hermosísimo el color, aunque tal vez sin la implicación expresiva de Boix (su lamento del acto II podría haber tenido algo más de intensidad); Juan Sancho, el Patriota, cantó como siempre: esto es con una elegancia y una naturalidad pasmosas (otro que llegará lejos); mientras que para el bajo canadiense Jonathan Brown quedó el papel del malo, el Afrancesado, que resolvió con absoluta solvencia e incluso gracia. No había demasiado público (ni la hora ni el día eran los mejores, hacía frío y justo quince minutos antes de la hora prevista para el comienzo se puso a diluviar), pero la gente que fue pareció pasárselo muy bien. Yo también. Luego, almuerzo con los amigos del Festival (muchas gracias por todo) y tres horitas y pico de coche camino de casa, cómo no, bajo la lluvia. Bien está lo que bien acaba.

viernes 12 de diciembre de 2008

Un Stradivarius en la noche

Steven Isserlis (© Ludwig Schirmer / BMG Classics)

REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA

Temporada 2008-09. 7º Programa de abono. Solista: Steven Isserlis, violonchelo. Director: Martin Sieghart. Programa: Concierto para violonchelo nº2 en re mayor Hob. VIIb.2 de Franz Joseph Haydn; Variaciones sobre un tema rococó de Piotr Ilich Chaikovski; Taracea de Juan Cruz Guevara; Sinfonía nº3 en re mayor D 200 de Franz Schubert. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 11 de noviembre. Aforo: Tres cuartos de entrada.

* * *

EL STRADIVARIUS DE ISSERLIS ILUMINA LA NOCHE

Pese a las apariencias de abigarramiento, el séptimo programa de abono de la ROSS presentaba una coherencia notable, no sólo ya porque se cerrara en la misma tonalidad en la que se abría (re mayor), sino porque la Sinfonía nº3 de Schubert, obra de un joven de 18 años, tiene mucho que ver con el clasicismo de Haydn, y las Variaciones de Chaikovski están obviamente inspiradas en la música del siglo XVIII.

Para presentar este repertorio, al que se añadía de forma, esta vez sí, un tanto extemporánea, una de las obras sinfónicas más difundidas del almeriense Juan Cruz Guevara, la orquesta hispalense contó con una auténtica figura de nuestros días, el violonchelista británico Steven Isserlis, y un director casi desconocido, el vienés Martin Sieghart.

Pese al gesto siempre algo exagerado, como permanentemente transido, Isserlis triunfó por la belleza extraordinaria del sonido que obtiene de su Stradivarius, la perfecta homogeneidad, incluso en los extremos de la tesitura, la agilidad y limpidez del fraseo, con un vibrato bien administrado y un gusto exquisito en las dinámicas en piano, con algún que otro morendo de alto valor expresivo. Estilísticamente, no se apreció en cualquier caso demasiada diferencia entre Haydn y Chaikovski, exigencias virtuosísticas al margen. Sieghart redujo con acierto la plantilla en Haydn (cuerda: 8/7/6/4/2), consiguiendo claridad y limpieza y arropando con elegancia al solista, pero a su Schubert le faltó un poco de pujanza, de dramatismo y de sutileza en los contrastes.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 12 de diciembre de 2008]


Wagner en Cartagena

José Luis Temes rescata a Manrique de Lara
Manuel Manrique de Lara (1863-1929): OBRA SINFÓNICA COMPLETA
Orquesta Filarmónica de Málaga
Director: José Luis Temes

1. La Orestiada, trilogía sinfónica (1891-94)
I. Agamenón
II. Las Coéforas
III. Las Euménides

2. Sinfonía en mi menor (1892)
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VERSO VRS 254 (Diverdi) [78'38'']
Grabación: Julio de 2007


Manuel Manrique de Lara (Cartagena, 1863 - St.Blaisen, 1929) se suma a la lista de los compositores españoles que el empeño de José Luis Temes y la buena disposición del sello madrileño Verso están sacando a la luz. Nunca hasta ahora se habían grabado estas obras, que componen el corpus sinfónico del músico: la trilogía La Orestiada (1891-94) y la Sinfonía en mi menor (1892), que ahora ofrece Temes al frente de la Filarmónica de Málaga, para demostrar que la corriente wagneriana también llegó a España, penetrando con fuerza el ánimo de algunos de nuestros músicos.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de diciembre de 2008]


Manrique de Lara: Agamenón. [13'23''] Orquesta Filarmónica de Málaga. José Luis Temes

jueves 11 de diciembre de 2008

España en marcha (y 4)

Héctor Parra en Kairos
Héctor Parra (1976): WORTSCHATTEN
Ensemble Recherche

Martin Fahlenbock, flautas
Jaime González, oboe
Melisse Mellinger, violín
Barbara Maurer, viola
Åsa Åkerberg, violonchelo
Jean-Pierre Collot, piano
Klaus Steffes-Hollander, piano (en 5)
Eric Daubresse (invitado), electrónica (en 4)
Héctor Parra (invitado), electrónica (en 6)

1. Trío con piano nº2 Knotted Fields (2007)
2. Impromptu, para piano (2005)
3. Trío con piano nº1 Wortschatten (2004)
4. L'Aube assaille, para violonchelo y electrónica (2005)
5. Abîme - Antigone IV, para flauta - piccolo, oboe, violín, viola, violonchelo y piano (2002)
6. Trío de cuerdas con electrónica (2006)
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KAIROS 0012822KAI (Diverdi) [66'31'']
Grabación: Mayo y Junio de 2008


No conocía en absoluto a Héctor Parra hasta este disco. Y lo que me ha sorprendido sobre todo es encontrar a un músico que maneja un lenguaje de una solidez formal (asentada sin duda en un extraordinario conocimiento de la tradición) que uno no suele relacionar con alguien en el entorno de los 30 años. Música densa, incisiva y enérgica, no lejana a las corrientes expresionistas que de uno u otro modo han estado presentes en los creadores centroeuropeos desde hace al menos un siglo.

La extrema plasticidad sonora del trío de cuerdas, la herencia histórica ligada a la variación y a una cierta libertad estructural, así como una clara tendencia polifónica (fricción constante de los flujos sonoros de los tres instrumentos) me han inspirado una música cuya organización interna se basa en los distintos tipos de energías que esta formación nos puede hacer sentir. String Trio (2006) intenta romper las fronteras que existen entre el gesto instrumental y la expresividad interior, entre el espacio acústico y el tiempo percibido por el oyente. Pero la fuente de inspiración más directa que me ha ayudado a forjar las energías sonoras de este trío la he encontrado en el trabajo de Lisa Randall, Catedrática de Física Fundamental en la Universidad de Harvard y experta en física de partículas, cosmología y teoría de cuerdas. Su modelo del universo a cinco dimensiones (según sus hipótesis existe una cuarta dimensión espacial infinita, fuertemente deformada pero que se resiste a ser captada por nuestros sentidos e instrumentos de medición) me ha sugerido la posibilidad de una música que abra al público una nueva dimensión del espacio psicoacústico. El tratamiento y espacialización mediante la electrónica del sonido procedente de los tres instrumentos nos sumerge en estados de "altas energías" sonoras, donde la comprensión del espacio-tiempo en que nos encontramos en el momento del concierto se verá a la vez cuestionada y enriquecida. Ráfagas de sonidos metalizados, extraídas de los rápidos glissandos de armónicos de la cuerda, viajan en el espacio y se funden con sonidos contrapuestos, granulares y percusivos. Mientras unos se acercan otros se alejan, deformando nuestras sensaciones de distancia y de tiempo.

[De las notas escritas por Héctor Parra para el CD de Kairos]


Parra: Trío de cuerdas. [10'14''] Ensemble Recherche. Héctor Parra.

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Lorca en la voz de un barítono

Lorca en la voz de Carlos Álvarez
Federico García Lorca: CANCIONES ESPAÑOLAS Y UN POEMA
Carlos Álvarez, barítono
Rafael Catalá, guitarra

Canciones populares españolas armonizadas por Federico García Lorca (1899-1936):
1. Anda, jaleo
2. Nana de Sevilla
3. Los pelegrinitos
4. Los cuatro muleros (Puente de los Franceses)
5. Las tres hojas
6. Las morillas de Jaén
7. Sevillanas del siglo XVIII
8. La Tarara
9. Los mozos de Monleón
10. Romance de Don Boyso
11. El café de chinitas
12. Los reyes de la Baraja
13. Duérmete. niñito mío [armonización: Rafael Catalá]
14. Canción de otoño en Castilla [armonización: Rafael Catalá]
15. Zorongo

16. Rafael Catalá (1960): Música para un poema (Poema de la seguiriya gitana de F. G. Lorca)
I. Paisaje
II. La Guitarra
III. El Grito
IV. El Silencio
V. El paso de la Seguiriya
VI. Después de pasar
VII. Y después
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GRAMOLA 98844 (Diverdi) [53'37'']
Grabación: Junio de 2008


Acostumbrados a oírlas en voces femeninas y más ligeras, cuesta trabajo entrar en esta visión de las célebres canciones populares españolas armonizadas por Federico García Lorca, pero cuando uno se hace a la noble y profundamente varonil voz de Carlos Álvarez todo es aquí un lujo: el barítono malagueño desmenuza con precisa intención cada matiz de estas quince canciones y recita con hondura el lorquiano Poema de la seguiriya gitana, superpuesto a una improvisación guitarrística del valenciano Rafael Catalá, quien además acompaña todo el programa con vigor y eficacia.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de diciembre de 2008]


Lorca: Puente de los Franceses (Los cuatro muleros). [1'52''] Carlos Álvarez. Rafael Catalá

Puente de los Franceses (ter)
Mamita mía
nadie te pasa,
nadie te pasa.
Porque los milicianos (ter)
Mamita mía
¡qué bien te guardan,
qué bien te guardan!

Por la Casa de Campo (ter)
Mamita mía
y el Manzanares
y el Manzanares
Quieren pasar los moros (ter)
Mamita mía
y no pasa nadie
y no pasa nadie.

Madrid ¡qué bien resistes (ter)
Mamita mía
los bombardeos
los bombardeos!
De las bombas se ríen (ter)
Mamita mía,
los Madrileños,
los Madrileños.

P. S. Aunque es bien sabido que Lorca no escribió personalmente ninguna de estas armonizaciones, se da por hecho que la mano anónima que las firmó se basó en su forma de tocarlas, lo que obviamente confirma también su grabación con la Argentinita de diez de estas piezas. Catalá, autor del arreglo para el acompañamiento guitarrístico, añade además la armonización de dos canciones que Lorca recogió, pero que no habían quedado escritas (Duérmete, niñito mío y Canción de otoño en Castilla). Se ofrece igualmente el texto alternativo para Los cuatro muleros, popularizado durante la defensa republicana de Madrid.

miércoles 10 de diciembre de 2008

España en marcha (3)

Sánchez Verdú en Kairos
José María Sánchez Verdú (1968): ORCHESTRAL WORKS

1. Alqibla (1998)
Junge Deutsche Philharmonie
Director: Lothar Zagrosek

2. La rosa y el ruiseñor, para soprano, barítono, tres violas da gamba y orquesta (2005)
Claudia Barainsky, soprano
Gabriel Suovanen, barítono
Banchetto musicale
Orquesta de la Suisse Romande
Director: Marek Janowski

3. Elogio del horizonte, para clarinete y orquesta (2005-07)
Joan-Enric Lluna, clarinete
Orquesta Nacional de España
Director: Miguel Harth-Bedoya

4. Ahmar-aswad (2000-01)
hr-Sinfonieorchester
Director: Pascal Rophé

5. Paisajes del placer y de la culpa (2003):
I. Jardín de vidrio
II. Jardín de seda
III. Jardín de oro

hr-Sinfonieorchester
Director: Peter Rundel
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KAIROS 0012782KAI (Diverdi) [70'03'']
Grabaciones: Agosto de 2000 (1), Diciembre de 2003 (5), Marzo de 2005 (4), Febrero de 2006 (2) y Junio de 2007 (3)


He comentado ya muchas veces la fascinación que me producen casi todas las obras de Sánchez Verdú, en especial las orquestales, que es donde el músico puede jugar a sus anchas con amplios espectros tímbricos, combinar en toda su extensión las más diversas formas imaginables de producción del sonido y conseguir texturas originales y de extraordinaria sensualidad, trabajadas con una exquisitez y a un nivel de detalle asombrosos: todo parece en ellas perfectamente previsto y controlado por la mente del artista, pero la sensación nunca es de rigidez ni de academicismo, sino de libertad y sorpresa. Paisajes del placer y de la culpa me parece, sin más, una de las mayores obras sinfónicas escritas en lo que llevamos de siglo. Frente a esa idea tan romántica del artista que sufre mientras crea, yo imagino a Sánchez Verdú gozando mientras juega con los armónicos de la cuerda y el clarinete hasta obtener con exactitud el efecto deseado, igual que debió gozar Cortázar mientras amalaba el capítulo 68 de Rayuela o Paul Klee mientras ideaba nuevas combinaciones de colores. Sin embargo, ni Elogio del horizonte ni La rosa y el ruiseñor, las dos obras que no conocía de este disco, me han causado la sensación de regocijo y asombro que me provocaron las primeras audiciones de Alqibla, Taqsim o Paisajes, aunque supongo que ello se debe a mi progresiva familiarización con el lengujae del autor. Son obras por otro lado magníficas en su estructura, en sus permanentes referencias cruzadas (en Sánchez Verdú es fácil hallar siempre una dialéctica entre lo antiguo y lo moderno, lo oriental y lo occidental, lo intelectual y lo sensual) y en su explotación puramente física de los recursos sonoros manejados, pero por momentos he sentido la sensación de cierto estancamiento o, por decirlo de otro modo, de un acomodamiento en una fórmula exitosa, lo cual tampoco resultaría censurable, si no fuera porque me parece que va contra el mismo carácter de Sánchez Verdú, por lo que lo conozco, espíritu inquieto e indagador por naturaleza.


Sánchez Verdú: Ahmar-aswad. [8'40''] hr-Sinfonierochester. Pascal Rophé.

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En un palacio cordobés

Sones de palacio. Baile de comedias por Cinco Siglos
SONES DE PALACIO. BAILES DE COMEDIAS
Cinco Siglos
Director: Miguel Hidalgo

Miguel Hidalgo, guitarra de cinco órdenes y archilaúd
Antonio Torralba, flautas
Gabriel Arellano, violín
José Ignacio Fernández, bandurria barroca
Daniel Sáez, colachón
Antonio Sáez, percusión


Anónimo (¿Luis de Góngora y Argote, 1561-1627?):
1. Jácara
2. Gallarda
3. Pasacalle [Biblioteca Nacional de Madrid. Ms.4118]

4. Anónimo: Folías [Realización de Cinco Siglos]
5. Andrea Falconieri (1585-1656): Chacona [Libro primo di villanelle, 1616]
6. Lucas Ruiz de Ribayaz (siglo XVII): Villano [Luz y Norte, 1676]

7. Anónimo: El Amable variado [Bartolomé Ferriol y Boxeraus: Reglas útiles para los aficionados a danzar, 1745]
8. Anónimo: Seguidilla [Pablo Minguet: Reglas y advertencias generales..., 1754]

9. Santiago de Murcia (?-d.1732): Jota [Códice Saldívar 4, c.1730]
10. Anónimo: La favorita [Francisco Tejada: Libro de música para clavicímbalo, 1721]

Santiago de Murcia:
11. Zarambeques
12. Fandango [Códice Saldívar 4, c.1730]

13. Anónimo: Tarantela española de José Recuero [Fco. Xavier Cid: Tarantismo observado en España..., 1787]
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FONORUZ CDF 2117 (Gaudisc) [47'38'']
Grabación: Julio de 2008


Especializados durante mucho tiempo en el repertorio medieval, los cordobeses de Cinco Siglos han salido hace poco a probar otras músicas, como mostraba ya su anterior trabajo y reafirma este último, en el que recrean famosos aires de danza del Barroco español. Folías, pasacalles, jácaras, jotas, seguidillas, chaconas, fandangos y hasta una tarantela pueblan este CD jaranero y chisposo, de instrumentación variada y exuberante, a la que el abundante empleo de la bandurria barroca y las castañuelas dan un toque singular.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de diciembre de 2008]


Tarantela española de José Recuero. [3'32''] Cinco Siglos

P. S. Pese a la cercanía de Córdoba, sólo he escuchado una vez en directo al conjunto Cinco Siglos. Fue hace unos años (¿3-4?) en el ciclo de Música Antigua que organiza en Sevilla Cajasol (entonces, todavía Caja San Fernando) y el nombre del grupo lo propuse yo a la programadora (perdóneseme la inmodestia). Lo conocía por sus discos y además de que sonaban estupendamente, me parecían gente seria y humilde, de esos que trabajan de verdad para la música y que disfrutan haciéndola y presentándola al público. Cuando yo los oí, su repertorio era básicamente medieval (siempre en formato instrumental), aunque ahora se han metido en cosas barrocas, como muestran en este disco, en el que se mueven entre Góngora y Goya, como bien comenta el amigo Antonio Torralba en unas notas muy documentadas, ilustradas a color y magníficamente escritas, que además se pueden descargar en pdf (lo recomiendo absolutamente). Él lo explica todo mucho mejor de lo que yo pudiera hacerlo (desde la posibilidad de que Góngora dejara algunas tablaturas en música a los líos de corte provocados por la afición de Felipe IV por María de Calderón, la Marizápalos, o el origen de todas las danzas que en el CD se incluyen, de la jota al pasacalle o la tarantela, y su presencia en España), así que no tengo nada que añadir al respecto. Sólo un breve apunte para justificar la forma en que he listado los temas en este comentario: he puesto como anónimas aquellas piezas de las que se conocen versiones previas y que fueron recogidas por tratadistas españoles en sus libros (que se incluyen detrás, pues el CD está bien detallado en ese sentido), aunque sé que el criterio es muy discutible (¿que por qué concedo rango de autor a Ruiz de Ribayaz y no a Tejada? Buena pregunta, que todavía me estoy haciendo yo mismo). Si Antonio me recomienda otro tratamiento o ve algún error, lo cambiaré gustoso.

martes 9 de diciembre de 2008

España en marcha (2): Sotelo

Sotelo en Kairos
Mauricio Sotelo (1961): WALL OF LIGHT - MUSIC FOR SEAN SCULLY

Trilok Gurtu, tabla y percusión (en 1)
Juan Manuel Cañizares, guitarra flamenca
Marcus Weiss, saxofón
Miquel Bernat, percusión (en 4)
musikFabrik
Directores: Stefan Asbury (en 1), Brad Lubman (en 3) y Mauricio Sotelo (en 4)

1. Chalan, para percusión y ensemble (2003)
2. Como llora el agua, para guitarra flamenca (2008)
3. Wall of light black - for Sean Scully, para saxofón y ensemble (2005-06)
4. Night, para percusión y ensemble (2007)
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KAIROS 0012832KAI (Diverdi) [60'59'']
Grabaciones: Diciembre de 2003 (1), Febrero de 2006 (3), Febrero de 2007 (4) y Mayo de 2008 (2)


Mauricio Sotelo: Me interesa particularmente esta claridad de la experiencia formal, que te permite penetrar en capas expresivas complejas, adentrarte en un sonido abierto a lo posible. No me interesa la narración figurativa, sino la posibilidad de señalar un espacio que se abra a una vibración expresiva potente...

Sean Scully: Hay otra cosa que me interesa decir sobre la diferencia entre la música y el arte visual. Aunque la música tiene la capacidad de existir sin cuerpo, está sin embargo rígidamente conectada al tiempo: la duración concreta de una obra, la percepción temporal. Aunque una pintura tien un cuerpo –está encarcelada por el cuerpo– es posible percibirla momento a momento, puede ser vista de un golpe, o puede re-visitarse; en otras palabras quiero decir que el sentido temporal de la pintura es libre, aunque el sentido de corporeidad sea pesado. Yo quiero destruir el sentido del peso en mis cuadros, pero debo empezar con peso, es mi obligación, no puedo escapar, porque uso material y la superficie de mis cuadros es muy pesada. Quiero destruir el sentido de cuerpo. Por eso a ti te interesa tanto el título Muro de luzWall of light– porque es justamente la búsqueda de lo imposible; Muro de luz es, excepto desde un plano psicológico, un imposible. ¡Pero la música está en el aire y por eso está en la luz! Quiero decir que habita en el aire y en la luz, es parte del aire y de la luz. Me interesa muchísimo ese aspecto y me emociona muchísimo...

[Extracto de la conversación entre Scully y Sotelo incluida en el CD de Kairos]

Wall of light black de Sean Scully[Wall of light black - Sean Scully]


Sotelo: Chalan. [16'19''] Trilok Gurtu. musikFabrik. Stefan Asbury.

1

El dulce veneno de Raquel

D'amore tormenti de Raquel Andueza y Jesús Fernández
D'AMORE E TORMENTI
Raquel Andueza, soprano
Jesús Fernández Baena, tiorba

1. Tarquinio Merula (c.1594-1665): Folle è ben che si crede
Barbara Strozzi (1619-1664):
2. L'Eraclito amoroso
3. Rissolvetevi pensieri
4. Alessandro Piccinini (1566-c.1638): Chiaccona
5. Stefano Landi (1590-c.1639): Augellin
6. Barbara Strozzi: L'Amante segreto
7. Benedetto Ferrari (1603/4-1681): Voglio di vita uscir
8. Maurizio Cazzati (1620-1677): Mi serpe nel petto
9. Barbara Strozzi: Che si può fare
10. Johannes Hieronymus Kapsberger (?-1651): Toccata VII
11. Benedetto Ferrari: Son ruinato, appassionato
12. Claudio Monteverdi (1567-1643): Si dolce è il tormento
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NB 014 (Diverdi) [55'58'']
Grabación: Octubre de 2007


Las primeras décadas barrocas fueron pródigas en cantos al desamor: lamentos de amantes despechados, riñas de prometidos desencantados, furiosas requisitorias contra enamorados infieles llenan las colecciones de madrigales, arias y cantatas entre pasiones desaforadas y recurrentes oxímoros. En ese terreno se centra este recital de la navarra Raquel Andueza y el sevillano Jesús Fernández: un exquisito y atormentado paseo por música de Merula, Strozzi, Landi, Ferrari o Monteverdi, que Raquel canta con dulce fiereza.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de diciembre de 2008]



Ferrari: Son ruinato, appassionato. [3'28''] Raquel Andueza, Jesús Fernández Baena.

Son ruinato, appassionato
quel traditor d'amore mi guida al loco
dov'il mio foco a poco si fa scontento.
S'io vado presto languisce il petto
e s'io m'arresto villan son detto.
Ah, misero mio stato.
Son ruinato, appassionato.

Son disperato, assassinato
già tanto mi sento foco e faville
ch'a mille mi fan scontento.
Ne quest'ardore può far men forte
se non l'horrore del gel di morte.
Ahi, mio destino ingrato
Son disperato, assassinato.

Son intrincato, ammartellato
se con amor m'impaccio repente cria
nell'alma mia la gelosia fiamme di ghiaccio.
Son intrincato, ammartellato.

[Estoy destrozado, enamorado;/ aquel traidor que es el amor me conduce al lugar/ donde mi fuego se consume poco a poco./ Si voy rápidamente mi corazón languidece/y si me paro me llaman desgraciado./ ¡Ah, qué misero es mi estado!/ Estoy acabado, enamorado.// Estoy desesperado, asesinado; ya siento en mí tanto fuego y pavesas/ que por miles me consumen./ Y este ardor sólo pueden hacerlo menos fuerte/ el horror y el hielo de la muerte./ ¡Ah, triste el destino mío!/ Estoy desesperado, asesinado.// Estoy hecho un lío, atormentado;/ si con el amor me topo de repente,/ en mi alma los celos prenden llamas de hielo./ Estoy hecho un lío atormentado. Trad.: Sergio Barcellona]

P. S. Raquel es sin duda una de las grandes cantantes españolas de nuestros días. Y su voz se ajusta especialmente bien a esta música, en la que la forma de decir y lo que se dice van en tan estrecha comunión que música y palabra se potencian mutuamente (y se repelen, cuando la dicción, la prosodia o la ornamentación no funcionan como deberían). Las palabras claves de cada tema están aquí perfectamente identificadas y matizadas como corresponde, evitando el énfasis innecesario, pero también la sosería. Raquel es una cantante muy cálida y expresiva para el público, lo que se aprecia sin dificultad cuando se la ve en directo, pero siempre es más difícil captar en una grabación: el trabajo técnico está aquí muy bien hecho, porque su voz (que parte de ese timbre tan particular y definido, inconfundible) transmite con apasionada intensidad el torturado y mórbido contenido de esta música que, cuando fluye así, alcanza una fuerza expresiva arrasadora.

lunes 8 de diciembre de 2008

España en marcha (1)

Mauricio Sotelo
El mundo de la composición lleva años viviendo en España en un estado de efervescencia del que, en gran medida, han tenido que venir a advertirnos desde más allá de los Pirineos. En esta ocasión es el sello austriaco Kairos, una de las principales referencias de la música actual en el mundo, el que ha iniciado una serie de registros dedicados a compositores españoles, cierto que las publicaciones cuentan con el patrocinio de la Fundación Caja Madrid, institución que se ha convertido en imprescindible para la música de nuestro país, sea en la recuperación del repertorio antiguo o en el impulso dado a las nuevas generaciones de creadores.

Mauricio Sotelo en Kairos
Tres discos monográficos, dedicados a otros tantos compositores patrios, abren esta colección en Kairos. Mauricio Sotelo (Madrid, 1961) es una de las figuras más conocidas y admiradas de nuestra música. En este disco se recogen algunas de sus preocupaciones estéticas fundamentales, como la admiración por la pintura del dublinés Sean Scully, cuyas estructuras en dameros tratan de ser atrapadas por una música, la de Wall of light black (2005-06), para saxofón y conjunto, que busca el mismo tipo de vibración en los límites de los colores yuxtapuestos y de los contrastes continuos de texturas; o su cercanía al mundo del flamenco, bien representada por dos obras que colocan al ritmo como centro vital de su desarrollo: Chalan (2003), inspirada en la música hindú, y Night (2007). Más singular todavía es Como llora el agua (2008), subyugante pieza para guitarra flamenca en scordatura (esto es, con un afinación diferente a la tradicional del instrumento).

Sánchez Verdú en Kairos
José María Sánchez Verdú (Algeciras, 1968) se ha convertido en el último lustro en el más difundido de los compositores españoles en todo el mundo. El disco ha tenido mucho que ver en ello: Alqibla (1998), Ahmar-aswad (2000-01) y Paisajes del placer y de la culpa (2003) han sido ya difundidas por el medio fonográfico, pero este disco, de naturaleza puramente sinfónica, se completa con otras dos piezas admirables: Elogio del horizonte (2005-07), una especie de concierto para clarinete, y sobre todo La rosa y el ruiseñor, independizada de El viaje a Simorgh. Música siempre original, de fascinante sensualidad, que coquetea permanentemente con el silencio y trata de penetrar la profundidad de la mística sufí a través de los versos de San Juan de la Cruz.

Héctor Parra en Kairos
Poco divulgada resulta en cambio todavía la voz de Héctor Parra (Barcelona, 1976), cuya música resuena como la más clásica de las tres, acaso porque no desdeña acogerse a las formas más reconocibles de la tradición (de las seis obras presentadas, hay dos tríos con piano y un trío de cuerdas, si bien a éste se le añade una parte electrónica) o porque su música, de extrema complejidad pero estilo asentado y reconocible, no renuncia a una direccionalidad que la ancla sin complejos al mundo conceptual de las históricas vanguardias europeas.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de diciembre de 2008]

P. S. El título hace obvia referencia al poema de Gabriel Celaya (¡pobre Gabriel Celaya, comunista, vasco y español!), versos que tantos conocimos a través del famoso recital de Paco Ibáñez en el Olimpia. Me pareció buena idea para una página que se publicaba el día de la Constitución, y en homenaje a los que todavía creen que España es algo más que un nombre escrito sobre un mapa.

domingo 7 de diciembre de 2008

Arcana reverdecida (II)

La Reverdie (© Anne Decoville)
Hace tantos años que en el mundo del disco se instaló la sensación de vivir en crisis permanente que los anuncios apocalípticos ya no hacen mella en nadie. No obstante, no parece ser éste el mejor momento para embarcarse en proyectos que tengan al disco como medio, sobre todo en el sector, comercialmente minoritario, de la música clásica. Mauro Primon lo sabe, pero el reto no parece asustarlo. Este italiano afable y locuaz, que ha pasado casi toda su vida residiendo en su región natal del Piamonte, lleva meses sintiendo las emociones propias del debutante. Y es que en diciembre de 2007, Primon cerró la compra de la marca y el catálogo de Arcana, una de las más prestigiosas firmas de la fonografía europea de las últimas décadas, y hace sólo unas semanas acometió su primera grabación para la nueva etapa del sello. "Una gran emoción y una enorme responsabilidad. Eso es lo que siento", comenta a la vez nervioso e ilusionado.

Enamorado de la música clásica después de escuchar en sus años universitarios un disco de Maurizio Pollini con Sonatas de Beethoven, en enero de 1995 Mauro Primon se lanzó sin red al mundo que tanto lo apasionaba al fundar Jupiter, una empresa de distribución de discos clásicos que, pasados trece años, se ha convertido en la más importante de Italia, con sus más de 60 sellos internacionales adscritos. "Fue una locura", confiesa, "pero esta era mi gran pasión, y las cosas nos han ido razonablemente bien. Ahora inauguramos una nueva etapa. Ya sé que la situación en el entorno del disco no es la ideal, pero tampoco aspiro a hacerme multimillonario con esto. Hemos apostado fuerte, hemos hecho una inversión muy importante, pero sabemos que el producto merece la pena. Arcana tiene un inmenso prestigio y confiamos en poder mantenerlo y, si es posible, incrementarlo."

Michel Bernstein
Arcana fue en efecto el gran proyecto personal de uno de los más importantes productores europeos del último medio siglo, Michel Bernstein, un parisino que también se sintió irresistiblemente arrastrado hacia el mundo de la música clásica a partir de una Sonata de Beethoven, como confiesa en el primer capítulo de sus Memorias, que publicó en español la web de Diverdi. Acababa de terminar la Segunda Guerra Mundial y Bernstein era sólo un adolescente fascinado por un mundo cuyas dimensiones apenas empezaba a vislumbrar. Sólo nueve años después, en 1954, aquel joven fundaba su primer sello, Vendôme, al que cuatro años más tarde seguiría Valois, una marca ya importante, que pasaría a engrosar la factoría Astrée, el sello con el que se dieron a conocer Jordi Savall o Hopkinson Smith entre otros muchos, y que Bernstein creó en 1975.

Pero a finales de los 80 Astrée pasó a otras manos, el clima de trabajo se hizo turbulento y Michel Bernstein acabó saliendo de la casa que él mismo levantó en no muy buenas relaciones con los nuevos propietarios. Entonces se decidió a poner toda su sensibilidad, sus conocimientos y su experiencia de décadas al servicio de Arcana, seguramente la más personal de sus aventuras, que inició en 1992 y residenció en Nantes. Orientado principalmente, como casi todo lo que había hecho hasta ese momento, al sector, entonces en pleno auge, de la música antigua, el sello se distinguiría siempre por la naturalidad de su sonido, la exquisitez de sus presentaciones y la calidad incuestionable de sus intérpretes, que fueron configurando en catorce años un amplio catálogo en el que es casi imposible encontrar un minuto de ganga. Arcana fue además el más artesanal de los empeños de Bernstein. Durante mucho tiempo, lo compartió estrechamente con su esposa, Charlotte Gilart de Kéranflec'h, pero cuando el productor murió en octubre de 2006, la pareja se había roto y Charlotte no mostró nunca intenciones de continuar adelante con el proyecto de Michel. La marca y el catálogo de Arcana quedaban así en un limbo del que ha venido a sacarlos el empeño y la audacia de Mauro Primon.

Para hacerse con los derechos del sello de Bernstein, el empresario italiano ha fundado una nueva compañía, 551 Media (a ningún melómano se le escapará el hecho de que 551 es el número que la Sinfonía Júpiter de Mozart tiene en el catálogo de Köchel), que llevará a partir de ahora la distribución internacional tanto del fondo de catálogo como de las nuevas grabaciones. "El objetivo", comenta Giovanni Sgaria, director artístico para la nueva etapa de Arcana, "es llegar al Midem 2009 con una lista importante de los próximos proyectos de grabaciones, en los que queremos que participen los artistas que han contribuido en estos años a labrar la reputación mundial del sello. También queremos tener para entonces un calendario de reediciones de nuestro catálogo, habida cuenta de la calidad del repertorio y de la excelencia técnica de la gran mayoría de los registros".

En la cima del Monte Mesma
Mauro Primon no quiere adelantar todavía demasiados detalles del futuro. "Esperamos hacer 5 ó 6 grabaciones a lo largo de 2009 y luego se verá", comenta. "No pretendemos olvidar el legado de Michel y Charlotte", repite una y otra vez, "pero somos diferentes y haremos cosas diferentes. La filosofía de partida tiene en cualquier caso mucho que ver con el pasado de Arcana: buscaremos la excelencia, no sólo en el sentido musical, lo que se puede dar por sobrentendido, sino también en los aspectos técnicos y visuales de nuestros productos, y, al menos al principio, la música antigua tendrá un peso muy especial." "En enero presentaremos nuestro primer disco, que es el último que grabó Michel Bernstein", apunta Giovanni Sgaria, "el último volumen de la colección de Cuartetos de Haydn por el Cuarteto Festetics, que Michel grabó completo, pero quedó sin montar. Es el trabajo que estamos haciendo ahora. Vamos a respetar por supuesto el aspecto exterior que tenía la colección; nos hemos hecho ya con el retrato de Haydn que correspondía para este volumen." Es el de la imagen de las futuras publicaciones uno de los asuntos que queda por resolver. "En principio, vamos a mantener la línea de la antigua Arcana, para asegurar el reconocimiento de los aficionados, pero es algo sobre lo que tenemos que reflexionar más", concluye sobre el particular Mauro.

El otoño viste cada año con infinidad de matices cromáticos el bosque de castaños que recubre el Monte Mesma, en cuya cima se levanta un pequeño monasterio franciscano que dispone de unas deliciosas vistas sobre el lago de Orta y la localidad de Orta-San Giulio. "He vivido en ese pueblo los últimos 20 años de mi vida", comenta Mauro Primon, que nació cerca de allí, y mantiene la sede de sus empresas en Verbania, una ciudad ribereña del lago Mayor, también próxima. Ha sido justo allí, en la iglesia del monasterio, donde el conjunto La Reverdie ha realizado entre el 14 y el 17 de octubre pasados la primera grabación de la nueva etapa de Arcana.

Elisabetta de' Mircovich (© Anne Decoville)
Fundado en 1986 por dos jovencísimas parejas de hermanas (Livia y Claudia Caffagni, naturales de Bolonia; Ella y Elisabetta de Mircovich, nacidas en Trieste), a las que en 1993 se unió el norteamericano Doron David Sherwin, La Reverdie es uno de los grandes referentes de la interpretación de la música medieval en nuestros días y uno de los grupos que mejor representó la filosofía de Michel Bernstein, para quien grabaron trece discos. "Conocimos a Michel en 1992, a través de Klaus Neumann, que trabajaba en la Radio de Colonia y era uno de los más importantes productores europeos de música antigua", recuerda Elisabetta. "Habíamos grabado ya un par de discos en Italia, para Nuova Era y Giulia Records, pero deseábamos encontrar otro sello. Nos gustó la filosofía sonora de Michel, que se basaba en encontrar acústicas naturales que se ajustaran a los programas, rechazando cualquier aspecto que pudiera resultar artificial, y esto para nosotras era fundamental. Nuestro primer disco con Arcana salió en 1993 y desde entonces no hemos trabajado para ningún otro sello. No hubo nunca ningún contrato de exclusividad firmado, era un acuerdo tácito, personal, casi una exclusiva ética entre Michel y nosotras. Él jamás nos impuso nada. Escogíamos aquello que deseábamos grabar y teníamos absoluta libertad para hacerlo. Lo vimos por última vez en septiembre de 2006, en la fiesta que organizamos con motivo del 20 aniversario de nuestra formación, y lo encontramos muy contento, aunque le quedaba apenas un mes de vida. Es curioso que el último mail que Jupiter ha encontrado en el correo de Arcana ha sido justamente un mensaje nuestro en el que le proponíamos la grabación de Carmina Burana, y Michel se mostraba muy interesado, porque le parecía un bello título, así que pienso que estaría muy feliz de saber que estamos haciendo ahora ese trabajo."

Livia (delante) y Claudia Caffagni (© Anne Decoville)
Es en efecto con un programa en torno al célebre manuscrito de Beuren que La Reverdie vuelve dos años después a la actividad discográfica. "Estábamos preocupadas, porque los discos son importantes, pero hemos preferido esperar, porque sabíamos que Arcana tenía muchos pretendientes. Además, el hecho de que el sello venga a Italia es una muy buena noticia para nosotras, porque la música antigua no está en nuestro país todo lo bien que desearíamos, y esto puede ser un acicate importante", continúa Elisabetta. Carmina Burana. Sacri Sarcasmi se centra en las canciones moralizantes y amorosas del manuscrito. "Las más difundidas son siempre las canciones de taberna y sarcásticas", dice Claudia, "que en el fondo son una minoría en el conjunto de los cantos. Hemos querido hacer algo diferente."

Ella de' Mircovich (© Anne Decoville)
Hasta ocho músicos (los cinco que forman regularmente el grupo más los cantantes Andrea Favari, Paolo Borgonovo y Matteo Zenatti) se han reunido estos días de octubre en torno a Anne Decoville, la ingeniera de sonido, en la cima serena del Monte Mesma para grabar un programa que incluye también un par de temas puramente instrumentales, uno escrito expresamente por Doron Sherwin para el CD. A Claudia la acústica de la iglesia le parece ideal: "Es grande para lo que suele utilizarse en las grabaciones, pero lo preferimos así. A veces se acotan los espacios grandes para grabar y eso no me parece nada bueno, porque el sonido se satura". "Este silencio, esta tranquilidad son una maravilla", se complace Ella, "recuerdo una grabación que hicimos en Bérgamo y tuvimos que dedicar el día para ensayar y hacer las tomas de madrugada, porque a horas normales era imposible por el ruido".

Un claustro del Monasterio del Monte Mesma
"Es el segundo disco que grabamos con Anne Decoville", explica Elisabetta. "Su nombre nos lo propuso Bernstein. Conocimos su forma de hacer las cosas y nos pareció que se ajustaba a nuestra propia filosofía de sonido. Registramos ya un disco con ella en vida de Michel, Missa Sancti Iacobi. Trabajamos muy bien juntas, como en su día lo hicimos con Charlotte, porque Anne también es músico, y es muy competente tanto en el terreno técnico como en el musical". La jornada empieza muy pronto, a las ocho, porque a las seis de la tarde la iglesia tiene que quedar libre para los oficios religiosos. En la mañana del 16 de octubre el cuarteto femenino se esfuerza durante horas en pulir todos los matices de un tema instrumental, Claudia con el salterio, Livia con la flauta, Elisabetta con la fídula, Ella con el arpa. El equipo de grabación queda en una dependencia situada a un nivel inferior, entre dos pequeños y encantadores claustros, pero la comunicación con Anne es permanente. A última hora de la mañana, las tomas han terminado y el cuarteto ensaya la única pieza que les queda por registrar, la más larga de todo el CD, que es exclusivamente vocal. Música de goliardos cantada por mujeres. "Seguro que no era así", reconoce Elisabetta, "pero no podemos hacer nada al hecho de que somos mujeres... En cualquier caso, hemos pensado también en la cuestión del color y aparte de que en el disco colaboran cuatro voces masculinas, tratamos de hacer que nuestra forma de cantar pueda aproximarse a la de unos muchachos jóvenes, como pudieron ser los goliardos."

Isla de San Giulio
Los próximos proyectos de La Reverdie pasan por música inglesa, por Johannes Ciconia, por un trabajo largo tiempo anhelado junto al actor Mimmo Cutticchio, y los de Arcana por asentar este reverdecimiento de su existencia. "Este mismo fin de semana hacemos nuestra segunda grabación. En Linz, Paul Badura Skoda graba un programa Haydn", informa Mauro Primon. "Ahora mismo estoy algo cansado, pero muy emocionado e ilusionado... Y, sobre todo, muy importante: no nos olvidamos del espíritu de Michel Bernstein, pero somos diferentes y haremos cosas diferentes en el futuro", insiste una vez más antes de la despedida. En Orta, a vista de pájaro del lago y de la isla de San Giulio, ha comenzado a escribirse ese futuro.

[Publicado en Scherzo nº236 de diciembre de 2008]

sábado 6 de diciembre de 2008

Esplendor de Versalles (10)

Rebel y Francoeur en Versalles
CD 10: DIVERTISSEMENT POUR LE BIEN -AIMÉ

François Rebel (1701-1775) / François Francoeur (1698-1787):
Zélindor, roi des Sylphes

Bénédicte Tauran, soprano (Zyrphée)
Mathias Vidal, tenor (Zélindor)
Arnaud Richard, bajo (Zulim)
Aurore Bucher, soprano (una Ninfa y una Sílfide)
Ausonia
Directores: Frédérick Haas y Mira Glodeanu
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MBF/CHATEAU DE VERSAILLES (Diverdi) [50'38'']
Grabación:
2007 (en vivo, en la Galería de las Batallas)

Una de las más interesantes novedades de la colección versallesca, pues este Zélindor permanecía inédito en época moderna. Estrenado en Versalles el 17 de marzo de 1745, en uno de los momentos más felices del reinado de Luis XV, por el cambio de signo en la Guerra de Sucesión Austriaca, que habría de llevar a los ejércitos franceses a las victorias de Fontenoy (mayo de 1745) y Rocourt (octubre de 1746), el libreto era original de François-Augustin Paradis de Moncrif y la música de François Rebel y François Francoeur, que desde el lejano Pyrame et Thisbé de 1726 (motivo de una reciente grabación de Daniel Cuiller que vimos ya por aquí) habían colaborado ya al menos en otros seis proyectos anteriores. Zélindor es una ópera breve en un acto en la que los tres personajes protagonistas tienen nombres exóticos que empiezan por 'Z' y en la que se ensalza el triunfo del amor de un rey hacia una bella mortal, tras superar las dificultades que le plantean los poderes de los magos (en la sombra nada menos que la relación entre Luis XV y su nueva favorita, madame de Pompadour, entonces en sus esplendorosos 24 años). Música amable, con algunos efectos escénicos, un flexible desarrollo musical a base de recitados, ariosos y arias y un colorido divertissement final, que llega aquí en una interpretación instrumental estupenda, intensa, acerada, versátil, de tonos limpios y netos, por parte del conjunto Ausonia y con unos solistas aceptables, mejor la lírica Tauran que el esforzado Vidal. Es esta una grabación que se adelanta a la ya anunciada por Naxos para 2009, que ha realizado el conjunto americano de la Opera Lafayette dirigido por Ryan Brown, especializado en repertorio francés, y que ha contado con el protagonismo del extraordinario Jean-Paul Fouchécourt.


Rebel/Francoeur: "Pourquoi me refuser" de Zélindor, roi des Sylphes. [5'19''] Bénédicte Tauran. Mathias Vidal. Ausonia. Frédérick Haas. Mira Glodeanu

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viernes 5 de diciembre de 2008

Celebrando a Haendel (2)

Óperas para la Edición Haendel de HM
Georg Friedrich Haendel (1685-1759): RINALDO HWV 7
ópera seria en tres actos con libreto de Giacomo Rossi y Aaron Hill, a partir de La Gerusalemme liberata de Torquato Tasso

Vivica Genaux, mezzosoprano (Rinaldo)

Miah Persson, soprano (Almirena)
Inga Kalna, soprano (Armida)
Lawrence Zazzo, contratenor (Goffredo)
James Rutherford, barítono (Argante)
Christophe Dumaux, contratenor (Eustazio)
Dominique Visse, contratenor (Mago cristiano)
Freiburger Barockochester
Director: René Jacobs
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HARMONIA MUNDI HMX 2908241.49 (CD 1-3) [67'28'' - 74'56'' - 50'35'']
Grabación: Agosto de 2002


Después del éxito de su Giulio Cesare, René Jacobs se tomó más de una década para volver a grabar una ópera de Haendel, pero cuando lo hizo fue para marcar una vez más la senda a los que venían por detrás. Rinaldo fue la primera ópera que Haendel presentó en Londres (Teatro de la Reina de Haymarket, 24 de febrero de 1711) y su éxito debió de resultar definitivo para que el compositor acabase estableciendo su residencia permanente en las islas. ¿Las razones del triunfo? Sin duda, la actividad en torno a la ópera italiana que se había ido desarrollando en Londres en la primera década del siglo, con dos teatros (Drury Lane, Queen's Theatre) haciéndose la competencia, y con cantantes y compositores italianos desembarcando con normalidad en el país (las obras de Bononcini tuvieron una muy apreciable acogida: su Camilla conoció nada menos que 63 representaciones entre 1706 y 1709) prepararon el camino para la imposición del genio haendeliano, aunque sin duda la presentación de un tema con efectos de magia, hechiceras y transformaciones en escena, tan del gusto inglés, debió de ayudar lo suyo al buen aprecio de los londinenses.

Sólo tres años después de que Christopher Hogwwod grabase la obra para Decca con un reparto de lujo (Bartoli, Daniels, Fink, Orgonasova...), Jacobs venía a darle una nueva lección a los ingleses en su (supuesto) terreno: el virtuosismo de las voces estaba muy bien, pero ya no era suficiente: había que hacer verosímil la trama dramática (esto es, el juego teatral; al referime a la 'verosimilitud' no quiero decir que uno tenga que creerse la historieta de fondo, detalle que algunos confunden), y Jacobs se pone a ello envolviendo los recitativos en los colores de un bajo continuo variado y soberbio (maravillosa el arpa de Mara Galassi), añadiendo aquí y allá pequeños efectos (pajaritos, el viento, grandes efectos percutivos que anuncian la magia de Armida, como esa entrada tremenda en "Furie terribili"), explotando todas las posibilidades de color y contraste, que son muchas, de los soberbios Barrocos de Friburgo, dejando gran libertad a los cantantes para la ornamentación y añadiendo pequeñas piezas instrumentales y hasta algunos de los arreglos que William Babel hizo sobre determinados pasajes de la obra (se incluyen las ornamentaciones clavecinísticas sobre "Vo'far guerra", con un Nicolau de Figueiredo desatado).

Versión detallista y teatral como no hay de la obra, a pesar de que en la fecha de su salida fueran muchos lo que aún andaban deslumbrados con los gorgoritos de Bartoli y Daniels y no lo apreciaran del todo (y que conste que la versión de Hogwood me parece también muy buena). La muy particular voz de Vivica Genaux (lo desabrido del timbre recuerda a Callas) le da un toque muy personal a Rinaldo. La coloratura es impresionante, pero en el canto spianato ("Cara, sposa") la cantante de Alaska conquista también por el color, los reguladores y el sentido teatral de cada frase. La hechicera Armida queda magníficamente atrapada en el canto torrencial de Inga Kalna, mientras que Almirena está servida por una siempre dulcísima y elegante Miah Persson (emocionante "Lascia ch'io pianga"; esas glosas finales del violín de Petra Müllejans...). La conjunción de las dos voces en el dúo de las sirenas (¡castañuelas! en el acompañamiento) causa un efecto contrastante de alto poder expresivo. Lawrence Zazzo, aún no muy conocido por entonces, mostraba ya su canto homogéneo, el brillo de sus agudos y cierta tendencia a la exageración en la ornamentación. El bajo James Rutherford parece algo tosco y enfático en los recitativos, pero sorprende con un "Vieni, o cara" (una de las arias que Wernicke regala a Curio en su Julio César) magníficamente dicho (y acompañado de forma absolutamente maravillosa). A Christophe Dumaux se le notan muchos los cambios de registro, pero no desentona, y la presencia de Visse como secundario es todo un lujo. Un gozo.


Haendel: "Cara sposa" de Rinaldo. [8'53''] Vivica Genaux. Freiburger Barockorchester. René Jacobs


Haendel: "Ah, crudel" de Rinaldo. [7'10''] Inga Kalna. Freiburger Barockorchester. René Jacobs

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jueves 4 de diciembre de 2008

Un nuevo mundo para Dvorák

Dvorák en los instrumentos auténticoa de La Chambre Philharmonique
Antonin Dvorák (1841-1904): SYMPHONIE Nº9 DU NOUVEAU MONDE
David Guerrier, Antoine Dreyfuss, Emmanuel Padieu y Bernard Schirrer, trompas.
La Chambre Philharmonique
Director: Emmanuel Krivine

1. Sinfonía nº9 en mi menor Op.95 Del nuevo mundo
2. Robert Schumann (1810-1856): Konzertstück para cuatro trompas y orquesta en fa mayor Op.86
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NAÏVE V 5132 (Diverdi) [60'47'']
Grabación: Enero de 2008


Los instrumentos de época habían llegado ya hasta Brahms, Bruckner, Wagner, Chaikovski, Verdi, incluso Ravel, pero esta es la primera referencia dedicada a Dvorák, una Sinfonía del Nuevo Mundo que Emmanuel Krivine dirige a su estupendo conjunto y que resulta transparente, elegante y un punto más agreste que de costumbre, sin que el peso de una gran orquesta se eche de menos ni siquiera en el Allegro con fuoco final, de formidable fuerza aquí. Complementa una muy notable versión de la Konzertstück para cuatro trompas y orquesta de Schumann.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 29 de noviembre de 2008]


Dvorák: Allegro con fuoco de la Sinfonía nº9. [11'09''] La Chambre Philharmonique. Emmanuel Krivine

miércoles 3 de diciembre de 2008

Un gran sinfonista olvidado

Sinfonías de Bernhard Romberg por la Kölner Akademie
Bernhard Romberg (1767-1841): SYMPHONIEN
Kölner Akademie
Director: Michael Alexander Willens

1. Trauer-Symphonie auf den Tod der Königin Luise von Preuβen en do menor Op.23
2. Sinfonía nº2 en mi bemol mayor Op.28
3. Sinfonía nº3 en do mayor Op.53
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ARS PRODUKTION ARS 38 026 (Gaudisc) [80'58'']
Grabación: Junio de 2006 y Febrero de 2007


Miembro de una familia de músicos, Bernhard Romberg (1767-1841) fue un célebre violonchelista y compositor que se movió entre la forma clásica y la expresión romántica. De las cinco sinfonías que han sobrevivido de él, este disco incluye tres: la primera, Sinfonía fúnebre Op.23, estrenada en 1811 y dedicada a la muerte de la reina Luisa de Prusia, es extraordinaria y justifica el gran aprecio que Beethoven tuvo siempre por el músico. Las Opp. 28 (1813-15) y 53 (1830) son también obras sólidas, la primera aún con un minueto en lugar del posterior scherzo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 29 de noviembre de 2008]


Romberg: Andante lento maestoso - Allegro de la Trauer-Symphonie Op.23. [13'01''] Kölner Akademie. Michael Alexander Willens

martes 2 de diciembre de 2008

Lecciones de música y de vida

Un documental sobre Dudamel y el Sistema Abreu
THE PROMISE OF MUSIC
un documental de Enrique Sánchez Lansch

I. DOCUMENTAL


II. CONCIERTO

1. Ludwig van Beethoven (1770-1827): Sinfonía nº3 en mi bemol mayor Op.55 Heroica
2. José Pablo Moncayo (1912-1958): Huapango

3. Alberto Ginastera (1916-1983): Danza final (Malambo) de Estancia Op.8

Orquesta Joven de Venezuela Simón Bolívar
Director: Gustavo Dudamel
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DEUTSCHE GRAMOPHON DVD 00440 073 4427 (Universal) [91' - 64']
Grabación: 2007


El caso de Edicson Ruiz es por supuesto excepcional (este joven venezolano ingresó a los 10 años, un poco a regañadientes, en una orquesta de un barrio marginal de Caracas y a los 17 era ya titular de una plaza de contrabajista en la Filarmónica de Berlín), pero sin duda puede presentarse como símbolo del éxito del Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela que en 1975 fundó el economista y músico José Antonio Abreu, una institución que recibió este mismo año el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

En este hermoso documental, Enrique Sánchez Lansch se acerca al funcionamiento del Sistema de Abreu a través de la experiencia personal, no siempre sencilla, de varios miembros de su producto internacional más visible, la formidable Orquesta Joven de Venezuela Simón Bolívar y de su director, el arrollador Gustavo Dudamel (Barquisimeto, 1981). Luchar a través de la música contra la exclusión social y la pobreza de miles de niños justifica de sobra el proyecto, pero es que además, la Simón Bolívar es una orquesta de un nivel artístico soberbio, como muestran en el complemento del documental: su presentación en el Festival Beethoven de Bonn 2007 nada menos que con la Heroica, que se completa con un par de piezas latinoamericanas.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 29 de noviembre de 2008]

video


lunes 1 de diciembre de 2008

El río que huye y que perdura

John Eliot Gardiner con su Orquesta Revolucionaria y Romántica
Siguiendo una coherente lógica musical, John Eliot Gardiner (Fontmell, Dorset, 1943) llega hasta Johannes Brahms después de haber transitado con notable aprovechamiento durante toda su carrera por la música de Schütz, Bach, Beethoven, Schumann o Mendelssohn, que bien pueden considerarse faros que iluminaron el hacer creativo del compositor hamburgués.

"Quien te honrare ha de ser claro y valiente", escribe Jorge Luis Borges en un poema dedicado a Brahms al que el propio Gardiner hace alusión en las notas de este primer volumen de su proyecto brahmsiano, y no es precisamente audacia la que le falta al director británico, que enriquecerá el catálogo de su sello con las cuatro Sinfonías y el Requiem alemán del músico, que completará con piezas corales del propio Brahms y de otros compositores que Gardiner considera afines. Este primer CD, que sale de las grabaciones en vivo realizadas durante una serie de conciertos en el Royal Festival Hall de Londres y la Sala Pleyel de París en octubre y noviembre de 2007, incluye junto a la Sinfonía nº1 en do menor Op.68, el Begräbnisgesang (Himno fúnebre) Op.13 y el Schicksalslied (Canto del destino) Op.54, además del motete de Mendelssohn Mitten wir im Leben sind (En medio de la vida) Op.23.

Johannes Brahms
La obra mendelssohniana, de indudable raigambre bachiana, fue escrita en 1830, esto es, tres años antes del nacimiento de Brahms, cuyo Himno fúnebre data de sus juveniles 25 años (1858) y parece anticipar con claridad el Réquiem alemán. El Canto del destino, escrito sobre texto de Hölderlin, es en cambio ya una obra de madurez (1871), que en cualquier caso nacería antes de que el compositor se atreviera a terminar su 1ª Sinfonía, esbozada en el lejano 1855 y no concluida hasta 1876 (fue estrenada el 4 de noviembre de aquel mismo año).

En la tradición interpretativa brahmsiana, los instrumentos de época entraron hace tiempo (Roger Norrington con los desaparecidos London Classical Players, Harry Christophers con The Sixteen o Philippe Herreweghe con la Orquesta de los Campos Elíseos y La Chapelle Royale de París se cuentan entre sus frecuentadores). Gardiner se suma a la corriente sin estridencias. Su orquesta no es precisamente camerística (65 instrumentistas) y su visión es de una flexibilidad en el empleo del rubato que algunos pueden tildar incluso de hiperromántica. Se basa el maestro inglés en los apuntes de Walter Blume sobre las interpretaciones brahmsianas de su maestro Fritz Steinbach (1855-1916), a quien Brahms consideraba uno de sus mejores servidores con la batuta.

"Fuego y cristal", términos sacados del poema de Borges antes aludido, parecen ser la divisa de Gardiner para esta interpretación, transparente y ligera como el vidrio, apasionada y cálida como el fuego, con una tendencia muy evidente a valorar el contrapunto, a destacar las voces intermedias, proponiendo para ello un discurso muy articulado y plagado de pequeños detalles de tímbrica, opuesto por tanto al fluido wagneriano de frases largas y continuas, premisa básica de la visión que la gran escuela centroeuropea de dirección tiene de este repertorio. Dentro de esta concepción, las obras corales, interpretadas de forma maravillosa por el Coro Monteverdi, resultan de una coherencia absoluta, lo que termina por dar justa forma a "este río que huye y que perdura", bella sentencia poética que Borges dedicó a Brahms.

[Publicado resumido en Diario de Sevilla el sábado 29 de noviembre de 2008]

Primer volumen del Proyecto Brahms de Gardiner
Johannes Brahms (1833-1897): SYMPHONY 1
Coro Monteverdi
Orchestre Révolutionnaire et Romantique
Director: John Eliot Gardiner

1. Begräbnisgesang Op.13
2. Félix Mendelssohn (1809-1847): Mitten wir in Leben sind Op.23 nº3
Johannes Brahms:
3. Schicksalslied Op.54
4. Sinfonía nº1 en do menor Op.68
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SDG 702 (Diverdi)[75'11'']
Grabación: Octubre y Noviembre de 2007


Brahms: Himno fúnebre Op.13. Coro Monteverdi. Orquesta Revolucionaria y Romántica. John Eliot Gardiner

P. S. La partitura en PDF.