Holliger entre los Schumann

ROMANCENDRES

Christoph Richter, violonchelo [en 1 y 2]
Dénes Várjon, piano [en 1 y 2]

SWR Vokalensemble Stuttgart
Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart
Director: Heinz Holliger
Cinta magnética: Bruno Ganz (Robert Schumann), Serena Wey (Bettina von Arnim), Michael Maassen (Profesor Rapp, Doctor Richarz), Heinz Holliger, piano

1. Clara Schumann (1819-1896): Drei Romanzen Op.22 [versión para violonchelo y piano]
I. Allegro molto
II. Allegretto
III. Leidenschaftlich schnell

Heinz Holliger (1939):
2. Romancendres, para violonchelo y piano
Kondukt (C.S. - R.S.)
I. Aurora (Nachts)
II. R(asches)S Flügelschlagen
III. "Der Würgengel der Gegenwart"
IV. "heinter bewegt" ("Es wehet ein Schatten darin")
Kondukt II ("Der bleiche Engel der Zukunft")

3. Gesänge der Frühe, para coro, orquesta y cinta magnética
I. Der Frühling - "Die Sonne kehrt zu neuen Freuden wieder"
II. An - "Elysium"
III. An Diotima - "Schönes Leben!"
IV. "Geh unter, schöne Sonne..."
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ECM New Series 2055 476 3225 (Diverdi) [60'01'']
Grabación: Julio de 2007 (Gesänge der Frühe), Febrero de 2008

Heinz Holliger bucea en la relación de los Schumann con sus Romancendres, obra para violonchelo y piano de 2003 que pretende ser una imaginaria reconstrucción de unas Romanzas compuestas por Robert en 1853 y destruidas cuatro décadas después por Clara, cuyas tres Romanzas para la misma combinación instrumental y del mismo año sirven aquí de complemento. La obra de Holliger es soberbia y su dibujo se completa con Gesänge der Frühe, escrita en 1987 para coro, orquesta y cinta a partir de la obra homónima de Schumann y de poemas de Hölderlin. Un disco muy estimulante.


Holliger: "Aurora (Nachts)" de Romancendres. [5'58''] Christoph Richter, Dénes Várjon

Una historia de fantasmas

Entre los compositores vivos, pocos como el húngaro György Kurtág (Lugoj, Rumanía, 1926) han sido capaces de establecer un diálogo tan fructífero entre tradición y modernidad. Kurtág, el intimista, el aforista, ha sabido en efecto asumir el riquísimo legado de la cultura occidental (no sólo musical, pues su detallado conocimiento de las historias de la literatura y del arte ha influido también en su trabajo como creador) para reproducirlo después de forma sumamente original, nunca explícita, como reflejos sonoros de una compleja realidad filtrada, y por tanto distorsionada, por la fina percepción de su talante de artista de nuestro tiempo.

Es eso lo que ha sabido ver y plantear de forma admirable el milanés Marino Formenti en este doble álbum magistral. Los fantasmas de Kurtág no son otros que los del propio pianista italiano, los mismos que pueden alentar en el espíritu de cualquier melómano. Y por eso, Formenti los reúne en una especie de gran suite en dos partes que funciona como una auténtica Historia de la música condensada a través de su mirada y del espíritu inquieto del gran maestro húngaro.



De los Játékok (Juegos), miniaturas escritas para niños que Kurtág viene publicando desde los años 70 (hasta ahora, van siete cuadernos) salen buena parte de las cuarenta piezas del húngaro que articulan el recorrido concebido por Formenti, y entrelazados con ellas figuran otras 30 piezas (o fragmentos) de 17 compositores diferentes: Machaut, Stockhausen, Messiaen, Boulez, Mussorgsky, Scarlatti, Bach, Haydn, Schubert, Ligeti, Bartók, Beethoven, Purcell, Janácek, Chopin, Schumann y Liszt por orden de aparición, algunos de ellos repetidos en distintos lugares de la serie, pero muchos otros nombres resuenan y aparecen acá y allá (John Dowland, Farkas Ferenc, Emil Petrovics, Edison Denisov...) en una riquísima red de referencias cruzadas.

Puede llamar la atención el uso de estas piezas de iniciación, aunque como comenta Formenti en revelador diálogo con Peter Oswald, los Juegos de Kurtág deben entenderse en realidad como la música que un niño destinaría a un adulto, y no al revés. Si en toda la obra de Kurtág se encuentran referencias a otros compositores, es en Játékok donde se hacen explícitos los homenajes (en los títulos, que no en el material), pero en la sucesión de músicas que Formenti ha dispuesto sin solución de continuidad hay relaciones mucho más sutiles, como las que traman los nombres de Kurtág con los de Stockhausen, Messiaen y Boulez, en los que el pianista milanés ha querido ver el contraste entre abstracción y contenido extramusical, el seguimiento de un intervalo descendente que empieza en Mussorgsky, el color y el sentido de la música húngara, que pasa por Schubert, Ligeti, Bartók y ¡una Bagatela de Beethoven!, o la idea de la muerte, que subyace en los homenajes de Ligeti a Bartók, de Liszt a Wagner, en los múltiples In memoriam del propio Kurtág. Un álbum original y fascinante.


KURTÁG'S GHOSTS

Marino Formenti, piano

CD 1

1. Guillaume de Machaut (c.1300-1377): Loyauté, que point de delay
2. György Kurtág (1926): Hommage à Farkas Ferenc (2) (scraps of a colinda melody-faintly recollected) [1975-79]
3. Guillaume de Machaut: Tres douce dame

György Kurtág:
4. Hommage à Farkas Ferenc (4) (Liebe im Herzen, bittere Schmerzenj) [1975-79]
5. Hommage à Stockhausen [1978]

6. Karlheinz Stockhausen (1928-2007): Klavierstück nº2 [1952]
7. Olivier Messiaen (1908-1992): Île de feu 1 [1950]

György Kurtág:
8. ...humble regard sur Olivier Messiaen... [1993]
9. Hommage à Pierre Boulez [2000]

Pierre Boulez (1925):
10. Notation 10 [1945]
11. Notation 12 [1945]

12. Modest Mussorgsky (1839-1881): Catacombae (Sepulcrum romanum) [Cuadros de una exposición, 1874]
13. György Kurtág: Hommage à Muszorgszkij [1975-79]
14. Modest Mussorgsky: The First Punishment [Recollections of my Childhood, 1865]

György Kurtág:
15. Hommage à J. S. B. [1975-79]
16. Hommage à Domenico Scarlatti [1975-79]
17. Hommage à Farkas Ferenc (3) (evocation of Petrushka) [1975-79]

18. Domenico Scarlatti (1685-1757): Sonata en mi menor K 394 [1754]

György Kurtág:
19. Hempergös [1975-79]
20. Five-Finger Quarrel [1975-79]

21. Johann Sebastian Bach (1685-1750): Praeludium en re menor BWV 875 [Das Wohltemperierte Klavier II, 1723]

György Kurtág:
22. Versetto: Temptavit Deus Abraham... [1990]
23. Versetto: Consurrexit Cain adversus fratrem suum... [1990]

24. Franz Joseph Haydn (1732-1809): Il Terremoto [Die Sieben Letzte Worte, 1785]
25. György Kurtág: Sirens of the Deluge [1990]
26. Domenico Scarlatti: Sonata en si menor K 197 [1752]

György Kurtág:
27. Fugitive Thoughts about the Alberti Bass [1995]
28. All'ongherese (Hommage à Gosta Neuwirth) [1996]

29. Franz Schubert (1797-1828): Ungarische Melodie D817 [1824]
30. György Ligeti (1923-2006): Musica Ricercata nº8 [1951-53]
31. Béla Bartók (1881-1945): Canción campesina húngara Op.20 nº2 [1920]
32. György Kurtág: Orosz Tánc - Danza rusa [1975-79]
33. Béla Bartók: Canción campesina húngara Op.20 nº5 [1920]
34. Ludwig van Beethoven (1770-1827): Bagatela Op.119 nº10 [1822]
35. Béla Bartók: Danza popular rumana nº6: Maruntel [1917]
36. György Kurtág: Do-Mi D'arab [1982/1991]

CD 2

1. Henry Purcell (1659-1695): Rondó de Abdelazer ZT 684

György Kurtág:
2. Tears [1998]
3. Les Adieux (in Janáčeks Manier) [1992]

4. Leoš Janáček (1854-1928): Po zarostlém chodničku [On an Overgrown Path, II, 2, 1901-08]
5. György Kurtág: Doina [1992]
6. Franz Schubert: Vals D 365 nº22 [1821]

György Kurtág:
7. Hommage à Schubert [1975-79]
8. Keringö (Vals) [1975-79]

9. Frédéric Chopin (1810-1849): Mazurka Op.41 nº2 [1938]

György Kurtág:
10. Hommage à Petrovics [1978]
11. Hommage à Zenon (Achilles and the tortoise, or overlake your other hand) [1975-79]

12. Robert Schumann (1810-1856): Fürchtenmachen [Kinderszenen Op.15, 1838]

György Kurtág:
13. ...and once again: Shadow-play [1995]
14. Agitato [1975-79]

15. Robert Schumann: Hasche-Mann [Kinderszenen Op.15, 1838]

György Kurtág:
16. (...and round and round it goes)
17. Face to Face [1993]

Robert Schumann:
18. Davidsbündlertänze Op.6 nº8 [1837]
19. Davidsbündlertänze Op.6 nº9 [1837]

20. György Kurtág: Nyuszicsököny [1975-79]
21. Robert Schumann: Davidsbündlertänze Op.6 nº4 [1837]

22. György Kurtág: In memoriam Edison Denisov [1996]
23. György Ligeti: Musica Ricercata nº9 (Béla Bartók in memoriam) [1951-53]
24. György Kurtág: In memoriam András Mihály [1993]
25. Franz Liszt (1811-1886): La Lugubre Gondola nº1 [1882]

György Kurtág:
26. For Marianne Teöke [1995]
27. In memoriam Lajos Vass [1992]

28. Franz Liszt: En la tumba de Richard Wagner [1883]

György Kurtág:
29. Szunyogh István in memoriam [1995]
30. Marina Tsvetayeva: It's Time [1991]

31. Robert Schumann: Der Dichter spricht [Kinderszenen Op.15, 1838]

György Kurtág:
32. ...de már elfelejtettem... [1997]
33. Lendval Ernö in memoriam [1993]
34. In memoriam Pál Járdányi [1991]
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2 CD KAIROS 0012902KAI (Diverdi) [47'39'' - 56'36'']
Grabación: [Sin datos]


Machaut/Kurtág/Machaut/Kurtág. [7'17''] Marino Formenti

La riqueza está en el interior

ARMONIOSI CONCERTI

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Componentes: Consuelo Navas, laúd soprano; Rosa Díaz, arpa doble; Juan Miguel Nieto, laúd tenor; Juan Carlos Rivera, tiorba. Director: Juan Carlos Rivera. Programa: Le Secret des Muses (un paseo por la danza instrumental de principios del siglo XVII): obras de Praetorius, Ballard, Schein, Vallet y Zanetti. Lugar: Jardines del Alcázar. Fecha: Viernes 10 de julio. Aforo: Lleno.

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LA RIQUEZA ESTÁ EN EL INTERIOR

Hace ahora justo un año que un desgraciado accidente en este mismo escenario ocasionó a Juan Carlos Rivera unas lesiones que lo han mantenido apartado del normal desenvolvimiento de su carrera artística durante más de 10 meses. La vuelta al lugar del crimen resultó por ello emotiva, pero además fue original y muy lucida. El grupo se presentaba en una formación inédita, pues al trío habitual se sumó la joven arpista sevillana Rosa Díaz Cotán, miembro de la Orquesta Joven de Andalucía, que parece haberse iniciado en el mundo de los instrumentos de época, una estupenda noticia para los conjuntos de la región, pues siendo el arpa uno de los instrumentos más usados en la España de los siglos XVI y XVII, su presencia entre nosotros es hoy apenas testimonial.

Armoniosi Concerti preparó un programa en torno a las colecciones de danzas de ese período crucial de transición entre Renacimiento y Barroco y lo presentó como si de un recital polifónico se tratara, con cuatro voces ordenadas por tesituras, del laúd soprano de Consuelo Navas a la tiorba del director. Llamaron la atención los cuartetos, escritos originalmente para cuatro laúdes por Nicolas Vallet, que los incluyó en su colección El Secreto de las Musas. A su lado, obras de otro laudista como Robert Ballard, mientras que las famosas colecciones de Praetorius (Terpsichore) y Schein (Banchetto Musicale) suelen ofrecerse en interpretaciones de gran exuberancia tímbrica, con empleo de vientos, percusiones y cuerdas frotadas, lo que contrastó vivamente con la visión esencialista que ofreció el grupo de Rivera.

La amplificación perjudica irremediablemente una interpretación de estas características, que se apoya en los matices más pequeños de colores y dinámicas, pese a lo cual el concierto se fue en un vuelo. Con la exquisitez y el refinamiento en el fraseo y la sutileza en la ornamentación que es norma de todos los trabajos de Rivera, las piezas se sucedieron con fluida y serena gracilidad, como una invitación a penetrar la aparente sobriedad de la superficie: la riqueza de los matices iluminaba con finura poética el interior.

[Publicado en Diario de Sevilla el domingo 12 de julio de 2009]

Una guitarra romántica para Albéniz

XAVIER DÍAZ-LATORRE

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Xavier Díaz Latorre, guitarra romántica. Programa: Obras de Albéniz, Granados, Tárrega, Turina y Falla. Lugar: Jardines del Alcázar. Fecha: Miércoles 8 de julio. Aforo: Lleno.

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UNA GUITARRA ROMÁNTICA PARA ALBÉNIZ

Uno de los debutantes más esperados del ciclo del Alcázar era Xavier Díaz-Latorre (Barcelona, 1968), intérprete de todos esos instrumentos de cuerda pulsada históricos que figuran habitualmente en los programas de música antigua (vihuelas, laúdes, guitarras, tiorbas...), y de los verdaderamente grandes, como viene demostrando desde hace años en los conjuntos de Jordi Savall, en calidad de solista y en su propio grupo, Laberintos Ingeniosos, con el que tendría que haber participado en el último Festival de Música Antigua de Sevilla (una urgencia familiar lo impidió).

Formado como guitarrista clásico, hacía más de una década que Díaz-Latorre no se enfrentaba en público con la obra de los cuatro grandes nombres de la llamada escuela nacionalista española, y para su cita del Alcázar lo hizo con una guitarra de época, un precioso instrumento fabricado por Carlos González en 2008 de sonido equilibrado y bellísimo. La ocasión era pues muy especial, pues no recuerdo que esta música haya sonado nunca en Sevilla servida de esta forma.

Empezó Díaz-Latorre su recital con Albéniz, en recuerdo del centenario de su muerte, y lo hizo con Cádiz, curiosamente una pieza que sonó en el último concierto de abono de la ROSS en transcripción de Frühbeck de Burgos. Las obras transcritas (Albéniz, la Andaluza de Granados, el Falla de El sombrero de tres picos) convivieron en perfecta armonía con las originales para el instrumento (Capricho árabe de Tárrega, compositor fallecido también en 1909, Turina, el Homenaje a Debussy de Falla) y de todas ellas el guitarrista catalán obtuvo una perfecta fusión entre color, melodía, armonía, ritmo. La estilizadísima visión del folclore español de los compositores catalanes contrastó vivamente con los populares rasgueos turinianos y el discreto esencialismo de Falla. Sobrado de técnica, Díaz-Latorre sirvió versiones transparentes y hondas, fluidas y equilibradas, de tempi serenos, articuladas con rigor, matizadas con maestría y sutileza las líneas del acompañamiento, bien para potenciar el color, realzar la melodía principal o destacar el detalle de una de esas voces medias habitualmente perdidas. Una revelación.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 10 de julio de 2009]

La Creación como motivo

SCHÖPFUNGSMESSEN

Anna Korondi, soprano
Annette Markert, alto
Yves Saelens, tenor
Klaus Mertens, bajo

Dresdner Kreuzchor
Orquesta Filarmónica de Dresde
Director: Roderich Kreile

1. Luigi Gatti (1740-1817): Misa de la Creación en la
2. Franz Joseph Haydn (1732-1809): Misa de la Creación en si
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CARUS 83.245 (Diverdi) [69'54'']
Grabación: Septiembre de 2008

Una de las seis extraordinarias misas compuestas por Joseph Haydn en los últimos años de su carrera estaba basada en motivos de su oratorio La Creación, estrenado en 1798, y una de las obras más admiradas de su tiempo, como muestra el hecho de que Luigi Gatti (1740-1817) compusiera también una misa a partir de él. Ambas misas son el objeto de este disco de la Filarmónica y el Kreuzchor de Dresde dirigidos con más ardor romántico que finura por un Roderich Kreile que cuenta además con un espléndido equipo de solistas: Korondi, Markert, Saelens, Mertens.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 4 de julio de 2009]


Gatti: Kyrie de la Misa de la Creación [3'31''] Dresdner Kreuzchor. Orquesta Filarmónica de Dresde. Roderich Kreile

Pasiones y lágrimas de Inglaterra

ACCADEMIA DEL PIACERE

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Componentes: Mariví Blasco, soprano; Fahmi Alqhai y Rami Alqhai, violas da gamba. Programa: The Passion of Musique: obras de Dowland, Hume, Purcell y Haendel. Lugar: Jardines del Alcázar. Fecha: Martes 7 de julio. Aforo: Lleno.

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PASIONES Y LÁGRIMAS DE INGLATERRA

Consolidado como uno de los grandes conjuntos españoles en su especialidad, Accademia del Piacere se presentó en el Alcázar en formación de trío con un programa centrado en músicos ingleses, que sirvió a Mariví Blasco para mostrar el buen estado de su voz y una notable ductilidad para contrastar afectos expresivos y estilos musicales.

Original la presencia de las violas en una música que nació pensada para ser acompañada por laúd (Dowland), bajo continuo o distintas formaciones orquestales (Purcell, Haendel), si bien es cierto que la presencia del instrumento en la Inglaterra del siglo XVII y las prácticas interpretativas de la época harían bien posible encontrarse con formaciones parecidas a ésta. Por otro lado, los hermanos Alqhai consiguieron una tal variedad de colores y de matices, tanto con el arco como cuando se dedicaron a puntear el instrumento como si de un gran laúd se tratase, que no se echó en falta absolutamente nada, tampoco en las piezas para la viola sola o para dúo de violas del capitán Tobias Hume, que sonaron con arrolladora, elegante y virtuosística potencia sonora.

La parte vocal del recital se movió entre las lágrimas de Dowland (Flow my tears) y las de Cleopatra en el Giulio Cesare de Haendel. Dominado principalmente por la melancolía (Come, heavy sleep de Dowland, el Lamento de La Reina de las Hadas de Purcell) y la ternura (el Music for a while y la canción de Venus de El Rey Arturo de Purcell), Mariví Blasco supo poner todos su medios al servicio de los textos, dándole hondura (sus graves parecen más asentados) y sensualidad cuando la ocasión lo requería, ornamentando de forma exuberante (a veces demasiado, lo que quizá rompió la atmósfera de sencillo encantamiento de Fairest isle en la repetición) e incluso con leves toques de swing (ese "to touch, to kiss" de Come again: Sweet love de Dowland). En el "Piangeró" de Haendel se metió de lleno en el rol de Cleopatra (el peinado ayudaba), salvó con oficio las agilidades de la parte central del aria y resultó conmovedora en un da capo adornado con sutileza.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 9 de julio de 2009]

Ardor napolitano

NICOLA FIORENZA (c.1700-1764): CONCERTI & SONATE

Dolce & Tempesta
Director: Stefano Demicheli

Nicholas Anthony Robinson, violín [solista en 4]
Mauro Lopes Ferreira, violín
Marco Testori, violonchelo [solista en 2 y 5]
Elisa Citterio, violín [en 3] y viola [en 5]
Gianni De Rosa, viola (en 1)
Marcello Scandelli, violonchelo [en 2, 3 y 5]
Vanni Moretto, contrabajo
Tommaso Rossi, flauta dulce
Eduardo Egüez, laúd
Stefano Demicheli, clave

1. Concerto di flauto, violini, violetta, violoncello e basso en fa menor
2. Concerto con due violini, violoncello obbligato e basso en re mayor
3. Concerto a tre violini e basso en la menor
4. Sonata per violino e continuo en sol mayor
5. Concerto con due violini, viola, violoncello obbligato e basso en re mayor
6. Sinfonia a flauto, due violini e basso en la menor
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FUGA LIBERA FUG549 (Diverdi) [66'37'']
Grabación: Septiembre de 2008

El al parecer volcánico temperamento del napolitano Nicola Fiorenza (c.1700-1764) queda bien atrapado en este disco del conjunto Dolce & Tempesta, que reúne cuatro conciertos, dos para violonchelo y dos para flauta, y dos sonatas, una para violín y otra para tres violines. Demicheli y su conjunto apuestan por interpretaciones de afectos y colores muy contrastados: de líneas onduladas y suaves resultan las piezas de violonchelo, más cortantes y agresivas las de flauta, de carácter casi experimental y tímbrica agreste las de violín.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 4 de julio de 2009]


Fiorenza: Concierto para flauta en fa menor. [13'21''] Dolce & Tempesta. Stefano Demicheli

Trovadores de Santa María

AXABEBA

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Componentes: María Dolores García, canto, percusión; Ignacio Gil, axabeba, oboe de cápsula, flautas dulces, gaita; Alberto Barea, canto, percusión, chirimía, organetto, çinfonía; José Luis Pastor, vihuela de péñola, laúd, çinfonía. Programa: Cantigas de Sevilla de Alfonso X el Sabio. Lugar: Jardines del Alcázar. Fecha: Lunes 6 de julio. Aforo: Lleno.

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TROVADORES DE SANTA MARÍA

La música medieval, en distintos formatos, géneros y estilos, tiene una presencia muy importante en las Noches del Alcázar desde su primera edición, lo cual responde sin duda a la tradición creada en Sevilla en torno a ella en las últimas dos décadas, tradición en la que un músico como José Luis Pastor tiene no poca responsabilidad. Miembro fundador de Artefactum, hace años que Pastor salió de la casa matriz para desarrollar con libertad su visión propia de la música que le apasiona en Axabeba, un trío que formó con la cantante cordobesa María Dolores García y con Ignacio Gil y al que recientemente se ha unido Alberto Barea.

Adhesión de altísimo valor, pues Barea mostró no sólo tañer con soltura diversos instrumentos sino estar en posesión de una voz que funciona admirablemente en este repertorio: potente, clara, melodiosa y bien afinada, magnífico complemento para la de una María Dolores García que parece más cómoda, en estilo, refinada y ágil que nunca.

En programa, Axabeba traía este año un compendio de Cantigas de Santa María de Alfonso X con temática sevillana, encargo del propio festival. Joyas de la música monódica medieval, el éxito de las Cantigas depende en gran medida de la variedad con que se presenten unas piezas estróficas que pueden hacerse muy largas y monótonas. Se trata de acertar con el tono de la instrumentación en el acompañamiento y de encontrar los matices que distingan a cada vuelta de la melodía, y Axabeba lo hizo en su primer recital de este año en el Alcázar de forma admirable.

Sin forzar el casi inevitable toque orientalista del ritmo y contrastando colores con generosidad, pero a la vez controlando la tendencia generalizada a folclorizar esta música, administrando intensidades con sutileza y sosteniendo con fluidez una magnífica cadencia narrativa y expresiva, el conjunto logró transmitir con verosimilitud el sentido devocional y lúdico que imaginó el rey sabio que habitó el Alcázar sevillano hace casi ocho siglos.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 8 de julio de 2009]

Elocuencia y drama

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): OVERTURES

Orquesta de la Ópera Nacional de Noruega
Director: Rinaldo Alessandrini

1. Obertura de La clemenza di Tito KV 621

Le nozze di Figaro KV 492
2. Sinfonia
3. Marcia (Finale Acto III)

Die Zauberflöte KV 620
4. Obertura
5. Marsch der Priester [Acto II]

6. Obertura de Die Entführung aus dem Serail KV 384

7. Obertura de Der Schauspieldirektor KV 486

Idomeneo, rè di Creta KV 366
8. Obertura
9. Marcia [Acto III] - Passepied
10. Pas seul de Monsieur Legrand. Largo (ballet)

Mitridate, rè di Ponto KV 87
11. Obertura
12. Marcia [Acto I]

13. Obertura de Don Giovanni KV 527
14. Obertura de Les petits riens KV 299b
15. Obertura de Bastien und Bastienne KV 50
16. Obertura de Così fan tutte KV 588
17. Marcia de La clemenza di Tito KV 621
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NAÏVE OP 30479 (Diverdi) [66'39'']
Grabación: Mayo de 2008

Rinaldo Alessandrini se pone aquí al frente de un conjunto sinfónico convencional para afrontar un programa de música orquestal extraída de las óperas de Mozart (la mayoría, oberturas, pero no sólo). Aunque la tímbrica no es la de Concerto Italiano, la interpretación está concebida con el mismo tratamiento articulado de las frases, la misma pujanza en la acentuación y la fuerza teatral de los contrastes dinámicos y agógicos que uno podría esperar del maestro italiano con su grupo. El resultado es un Mozart dramático, intenso y elocuente.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 4 de julio de 2009]


Mozart: Obertura de Così fan tutte. [4'30''] Orquesta de la Ópera Nacional de Noruega. Alessandrini

Del Rococó al Romanticismo

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): SONATAS FOR FORTEPIANO AND VIOLIN

Petra Müllejans, violín
Kristian Bezuidenhout, fortepiano [Derek Adlam, 1987, según un Anton Walter, c.1795]

1. Sonata en si bemol mayor KV 454
2. Sonata en sol mayor KV 379/373a
3. Seis variaciones en sol menor sobre Au bord d'une fontaine KV 360/374b
4. Sonata en do mayor KV 296
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HARMONIA MUNDI HMU 907494 [72'45'']
Grabación: Junio de 2008

Formidable muestra de lo que los instrumentistas auténticos han conseguido ya con la música de Mozart: las Sonatas para fortepiano y violín KV 454, KV 379/373a y KV 296 y las Variaciones KV 360/374b suenan en la copia de Anton Walter que toca Bezuindehout y en el violín de Petra Müllejans con una elocuencia y una variedad de matices extraordinarias. Se trata de una visión contrastada, dramática, pero fluida, de atractiva mezcla tímbrica y una soberbia capacidad para acertar con el tono estilístico, entre el más despreocupado y ornamental rococó y la pura entraña prerromántica.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 4 de julio de 2009]


Mozart: Variaciones KV 360/374b [12'10''] Kristian Bezuidenhout. Petra Müllejans

El último gambista

Carl Friedrich Abel (1723-1787) nació en Cöthen, justo el año en que Johann Sebastian Bach dejaba la maestría de capilla de la corte en donde su padre, Christian Ferdinand Abel, era violonchelista y violagambista. Las relaciones entre las dos familias fueron muy estrechas, hasta el punto de que el famoso cuadro que hasta ahora se atribuía a Baltasar Denner y se consideraba que representaba a Bach con sus hijos, bien pudiera ser un retrato de la familia Abel. En cualquier caso, muerto el padre en 1737, Carl Friedrich se trasladó a Leipzig para continuar su formación junto a Bach, lo que significaba no sólo estudiar con el maestro sino convivir con él y su familia.

En 1743, el joven Abel es ya un intérprete famoso. Aquel año ingresa en la célebre Hofkapelle de Dresde, donde Bach había sido admitido como compositor de corte en 1736 y donde habría de coincidir también con el primogénito del maestro, Wilhelm Friedemann. En 1758, con una situación política ya explosiva (que provocaría la destrucción de la ciudad al año siguiente), Abel abandonó Dresde y pasó por Frankfurt, Mannheim y París antes de dirigirse a Londres, donde se instaló en 1759. En la capital británica se encuentra con otro Bach, Johann Christian, con quien organiza a partir de 1764 los primeros conciertos de suscripción pública de la historia, los Bach-Abel Concerts, que perduraron hasta la muerte de su socio en 1782. Volvió entonces al continente, pero en 1785 está de regreso en Londres para reanudar en solitario el ciclo de conciertos, ahora con el nombre de Professional Concerts. El 21 de mayo de 1787 toca la viola por última vez en público: fallece justo un mes después.


Abel destacó especialmente en la escritura de música instrumental, sinfonías, oberturas, cuartetos, tríos, conciertos... Su mundo fue ya el del Clasicismo, un universo en el que la viola da gamba había quedado como un artefacto por completo obsoleto. Él fue el último cultivador verdaderamente genial que tuvo el instrumento hasta su rescate en el siglo XX. El Manuscrito Drexel proviene de los fondos musicales de la biblioteca del famoso pintor británico Thomas Gainsborough e incluye 29 piezas para viola sola, que nos dan una idea del estilo del músico: es música moderna, sin apenas trazos barrocos, aunque las enseñanzas de Bach aparezcan en una fuga soberbia; los Adagios, alguno bien conocido, apuntan al expresivo estilo empfindsamer, y otras piezas son de carácter plenamente clásico; hay también preludios improvisados, un par de arias, una de ellas con variaciones, y diferentes diseños danzables (sobre todo, minuetos).

Paolo Pandolfo se ha acercado a la colección con su conocido estilo interpretativo: sonido de extrema delicadeza, con una extraordinaria riqueza de matices, en especial en las dinámicas más leves, que a menudo rondan el silencio; una insinuante variedad de colores tornasolados, en un juego muy intenso con las posibilidades tímbricas de la viola; imaginativa ornamentación y fraseo flexible y relajado.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 4 de julio de 2009]


Carl Friedrich Abel (1723-1787): THE DREXEL MANUSCRIPT

Paolo Pandolfo, viola da gamba

I. Suite en re mayor
1. (Prélude) [10]
2. Allegro [1]
3. Vivace [5]
4. Andante [6]
5. (Allegro) [7]
6. Adagio [2]
7. (Tempo di Minuetto) [19]
8. (Aria) [13]
9. Tempo di Minuet [17]
10. (Minuetto) [8]

II. Suite en re menor
11. (Arpeggiata) [22]
12. (Minuetto) [23]
13. Allegro [24]
14. Adagio [26]
15. (Allegro) [25]
16. Tempo di minuet (en re mayor) [27]

III. Suite en re mayor
17. (Prélude) [9]
18. Allegro [14]
19. (Allegro) [11]
20. (Aria con Variazioni) [20]
21. Fuga [12]
22. Adagio [4]
23. Tempo di Minuet [18]
24. (Petit Prélude) [21]
25. Tempo di Minuet [3]
26. (Minuetto) [15]

IV. Dos piezas en la mayor
27. Allegretto [28]
28. Allegro [29]
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GLOSSA GCD 920410 (Diverdi) [79'28'']
Grabación: Febrero de 2008


Abel: Fuga [3'22''] Paolo Pandolfo

P. S. Estoy seguro de que nadie habrá dejado de notar que el álbum anuncia la integral de las 29 piezas del Manuscrito Drexel y Pandolfo sólo ha grabado 28; la explicación es sencilla: la pieza nº16 es en realidad un simple esbozo de unos pocos compases de lo que podría ser una improvisación, lo cual dice también bastante de las prácticas interpretativas de la época. Por otro lado, la ordenación en suites no es original de la colección, sino una idea del propio Pandolfo. [El número entre corchetes indica, como la inmensa mayoría habrá adivinado, la posición de cada pieza en el Manuscrito]

Seducción femenina en la ópera

LAS HECHICERAS. PODER Y SEDUCCIÓN EN LA ÓPERA
Jean Starobinski (traducción, Elena del Amo), Akal, Madrid, 2009. 191 páginas. 24,70 euros

Orfeo fue siempre el representante del poder taumatúrgico, masculino, de la música, y tal vez por ello fue utilizado por los intelectuales, poetas y compositores del norte de Italia para alumbrar la génesis de la ópera, pero como no era bueno que el semidiós estuviera solo, muy pronto el género se llenó de grandes seductoras femeninas, emperadoras, magas, condesas, doncellas enamoradizas o simples ayudas de cámara transformadas por la fascinación del canto en las auténticas dominadoras de las escenas dramáticas y musicales hasta nuestros días. Jean Starobinski empieza escribiendo sobre la forma en que actúa el hechizo de la voz para saltar luego a repasar el papel que algunas de las mayores encantadoras de la ficción lírica desarrollaron a lo largo de la historia de la ópera: las heroínas de Mozart, Popea, Alcina, Julieta, Manon, Ariadna, Electra son las etapas de un recorrido sugerente, pero a la vez exigente para el lector, pues Starobinski se maneja con referencias cultas y un lenguaje poéticamente muy elaborado. El extenso ensayo final, que parte de un aria del Romeo e Giulietta de Zingarelli que conmovió a la sociedad operófila de la Europa decimonónica, se convierte en un excurso interesantísimo sobre los ambientes literarios y musicales de la era romántica, por donde entre sopranos, tenores, compositores y empresarios, transitan, entre otros, Hoffmann, Stendhal y Balzac.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 27 de junio de 2009]

Tríos con alma

Georg Friedrich Haendel (1686-1759): TRIO SONATAS OP.2

Sonnerie
Monica Huggett, violín I
Emilia Benjamin, violín II
Joseph Crouch, violonchelo
Matthew Halls, clave
Wilbert Hazelzet, traverso [en nº1]

1. Sonata Op.2 nº6 en sol menor HWV 391
2. Sonata Op.2 nº4 en fa mayor HWV 389
3. Sonata Op.2 nº5 en sol menor HWV 390
4. Sonata Op.2 nº1 en si menor HWV 386b
5. Sonata Op.2 nº2 en sol menor HWV 387
6. Sonata Op.2 nº3 en si bemol mayor HWV 388
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AVIÈ AV0033 (Gaudisc) [65'56'']
Grabación: Octubre de 2002

Sobre la Op.2 de Haendel pende el mismo tipo de problemática que describí brevemente respecto de la Op.1. De nuevo las seis obras son publicadas en los años 20 con la firma de Roger en una edición llena de errores, y otra vez Walsh las vuelve a publicar de forma oficial en los años 30 (la edición Roger era también suya, claro), aunque esta vez sin variaciones de consideración (aparte la corrección de errores). Sin embargo, numerosas versiones manuscritas de las obras (ninguna autógrafa) y una edición hecha en Francia en 1736 por Le Clerc le Cadet plantean serias dudas sobre muchos detalles de las piezas. Para empezar, la instrumentación: si bien Walsh publicó la obra con una alusión en la portada a que las obras podían interpretarse con traversos, oboes o violines (los instrumentos melódicos por excelencia del Londres de la época), la norma era hacerlo con violines (y así se aprecia claramente en las partes separadas), aunque la nº1 parece pensada para un traverso y un violín (de ahí la tonalidad de si menor, que se ajusta especialmente bien al traverso). Sin embargo, en los manuscritos esta Sonata figura en la tonalidad de do menor y destinada a dos violines, lo que afianza la idea de que independientemente de las indicaciones de las ediciones impresas, la tendencia general apuntaba al uso de violines.

Otro problema por resolver es el de la fecha de escritura, en cualquier caso muy anterior a la de su publicación. Las obras están obviamente inspiradas en las Sonatas en trío de Corelli, que Haendel debió de conocer incluso antes de salir de Alemania, pues la nº2 parece ser una obra muy temprana (Charles Jennens anotó en su ejemplar que Haendel la escribió con 14 años, aunque hoy suele retrasarse al menos dos o tres años). En las otras cinco obras hay motivos empleados por el compositor en obras compuestas durante su estancia en Cannons (1717-18), lo que ha hecho pensar que las obras pudieron ser escritas en aquella época.

Extraordinaria la interpretación de la Op.2 que ofrece aquí Monica Huggett (con el gran Wilbert Hazelzet al traverso en la Sonata nº1), intensa, detallista, poética, elegante, flexible, fluida, con chispa, con relieve, honda, elocuente. Como si los violines te hablaran...


Haendel: Sonata Op.2 nº1 (Andante - Allegro ma non troppo - Largo - Allegro) [11'29''] Sonnerie

A Sansón no sólo le cortan la melena

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): SAMSON HWV 57
oratorio en tres actos con libreto de Newburgh Hamilton a partir del poema dramático de John Milton Samson Agonistes.

Thomas Cooley, tenor (Samson)
Sophie Daneman, soprano (Dalila, Filistea e Israelita)
Franziska Gottwald, contralto (Micah)
William Berger, bajo (Manoah)
Wolf Matthias Friedrich, bajo (Harapha)
Michael Slattery, tenor (Filisteo e Israelita)

Coro de la NDR
Orquesta del Festival de Gotinga (Elizabeth Blumenstock, concertino)
Director: Nicholas McGegan
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3 CD CARUS 83.425 (Diverdi) [60'09'' - 57'46'' - 49'17'']
Grabación: Junio de 2008

Estrenado el 18 de febereo de 1743 en Covent Garden, Samson fue el oratorio que siguió al Mesías y supuso uno de los mayores éxitos de la carrera de Haendel, hasta el punto de que hasta la muerte del compositor la obra pudo escucharse en Londres nada menos que 55 veces. El oratorio era también uno de los más extensos jamás compuestos por el músico, lo que unido a un desarrollo dramático lento ha perjudicado a su íntegra difusión contemporánea. De las anteriores versiones existentes en disco, la de Harry Christophers para Collins (ahora, en Coro) estaba completa, aunque el director británico la lleva a un tempo tan reposado y su tratamiento de los contrastes era tan mortecino que la versión no pasa de lo correcto. Más rumboso, también menos refinado, fue lógicamente Harnoncourt en Teldec, en una interpretación muy irregular y muy cortada. Una lástima que Nicholas McGegan haya metido también tijeras y se haya llevado por delante nada menos que cinco arias y otros tantos coros, amén de recitativos y accompagnatos varios, lo que impide apreciar la obra en todo su esplendor.

El conjunto instrumental, comandado una vez más por Elizabeth Blumenstock, es estupendo, y el Coro de la Radio del Norte de Alemania suena, pese a lo voluminoso (una cincuentena de voces), con empaste, claridad y equilibrio, aunque no puede evitar resultar en algunos momentos demasiado pesado. El elenco dista bastante de la perfección: Thomas Cooley es un correcto tenor lírico que aquí cumple sobradamente, aunque le falta un poco de intensidad en las partes de mayor dramatismo; a Sophie Daneman la recuerdo en mejor forma: nunca fue una voz grande, pero ahora se le ha quedado reducida a su mínima expresión en extensión y volumen y además de fiato no anda sobrada; Franziska Gottwald aporta un interesante color y notable intensidad expresiva; una lástima que Wolff Matthias Friedrich tenga un cometido tan breve, pues es un bajo de voz robusta y muy variados recursos; correctos los jóvenes William Berger y Michael Slattery, éste con más vibrato del que le recordaba de anteriores grabaciones. Nicholas McGegan es perro viejo en este repertorio y sabe administrar matices e intensidades con acierto. Seguiremos esperando en cualquier caso una versión que haga auténtica justicia a esta maravillosa obra maestra de Haendel.


Haendel: "Return, Oh God of hosts" de Samson. [8'40''] Franziska Gottwald. Coro de la NDR. Orquesta del Festival de Gotinga. Nicholas McGegan

Orientalismo en el canto sefardí

CAPILLA ANTIGUA DE CHINCHILLA

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Componentes: Luisa Maesso, canto; Juan Francisco Sanz, canto y percusión; José Ferrero, canto, arpa, salterio y sinfonía; Juan Manuel Rubio, viola, kemençe, ud y cítola; Alfonso Sáez, flauta, gemshorn, chirimía, zurna; Miguel Ángel Orero, percusión y santur. Director: José Ferrero. Programa: Endechar (romances y endechas sefardíes). Lugar: Jardines del Alcázar. Fecha: Miércoles 1 de julio. Aforo: Lleno.

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ORIENTALISMO EN EL CANTO SEFARDÍ

Se inauguró el miércoles la décima edición del ciclo musical de más arraigo en el verano sevillano, una oferta estimulante que mantiene este año un apreciable nivel artístico, a pesar de la (ya larga) congelación presupuestaria, lo que trae consigo que haya muchos nombres repetidos de otras temporadas, pero no impide la presencia de alguna novedad interesante que iremos poco a poco desglosando desde esta sección.

La presentación corrió a cargo de un conjunto que había visitado Sevilla recientemente para participar en el Ciclo de Música Antigua de Cajasol, la Capilla Antigua de Chinchilla, que presentó un programa con música judeo-española. Transmitido por vía oral durante siglos, este repertorio ha sido conservado por las diferentes comunidades sefarditas repartidas por el Mediterráneo y escrito sólo de forma tardía, lo que ha determinado la existencia de versiones en ocasiones muy diferentes de las mismas melodías originales.

Dirigido por el multifacético tenor albaceteño José Ferrero, el conjunto ofreció una serie de romances y endechas desde una perspectiva puramente medieval, fusionando elementos de las tres culturas hispánicas: ritmos extraídos de las nubas andalusíes; melodías y ornamentación, típicamente judías; instrumentación variada y mestiza, con artefactos salidos de la tradición cristiana como la sinfonía, la viola o el salterio. En cualquier caso, el peso de las percusiones dio a la interpretación un aire típicamente orientalista, con trazos de improvisación (sobre todo, las que se marcó Juan Manuel Rubio con el ud como preludios para algunas canciones). De las voces, cabe destacar la del propio Ferrero, que buscó naturalidad en la emisión y agilidad en los adornos, mientras que el falsetista Juan Francisco Sanz comenzó con línea inestable y dicción ininteligible para ir calentando y afinando a medida que avanzaba el concierto. La mezzo de Úbeda Luisa Maesso cantó con buen gusto y por momentos exceso de vibrato. Acompañamiento instrumental sin estridencias.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 3 de julio de 2009]

Un fracaso de Haendel

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): EZIO HWV 29
ópera en tres actos con libreto anónimo a partir de uno homónimo de Pietro Metastasio

Ann Hallenberg, mezzosoprano (Ezio)
Karina Gauvin, soprano (Fulvia)
Sonia Prina, contralto (Valentiniano)
Marianne Andersen, mezzosoprano (Onoria)
Anicio Zorzi Giustiniani, tenor (Massimo)
Vito Priante, bajo (Varo)

Il Complesso Barocco (Elizabeth Blumenstock, concertino)
Director: Alan Curtis
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3 CD ARCHIV 477 8073 (Universal) [67'56'' - 61'08'' - 57'45'']
Grabación: Septiembre de 2008

Ezio fue la tercera ópera de Haendel concebida sobre libretos de Pietro Metastasio, tras Siroè (arreglado por Haym) y Poro (arreglado por mano anónima), pero si las dos anteriores se habían impuesto de forma rotunda, Ezio se saldó con uno de los mayores fracasos del músico. Estrenada el 15 de enero de 1732, sólo cinco funciones se ofrecieron de la obra, que no fue repuesta en vida del autor. No conozco tampoco ninguna puesta en escena moderna, aunque supongo que habrá habido alguna en los festivales alemanes dedicados al compositor. En cuanto a las grabaciones, había un par de opciones anteriores con instrumentos modernos y bastantes cortes, pero ésta de Curtis es la primera grabación que se hace, que yo conozca al menos, con instrumental de época.

Razones para el fracaso se han dado varias. No pudo ser desde luego por causa del elenco, que encabezaba Senesino, bien escoltado por Anna Maria Strada del Pò, Francesca Bertolli o Antonio Montagnana, aunque se ha sugerido que (como luego pasaría también en Orlando) los roles principales no eran lo suficientemente virtuosísticos para el estándar al que el propio Haendel había acostumbrado a su público. Se ha insinuado también que fue el rocambolesco argumento (basado en un hecho histórico acontecido en el año 451, tras la victoria del general Ezio contra Atila en la Batalla de los Campos Cataláunicos, suceso alterado para ofrecer un lieto fine) el que no gustó al público londinense. En cualquier caso, la obra incluye como siempre en Haendel arias extraordinarias, entre ellas "Se povero il ruscello" (Massimo), "Finchè un zeffiro soave" (Fulvia), "Va' dal furor portata" (Massimo; Mozart compondría con este mismo texto y a sus tiernos 9 años una virtuosística aria de concierto), "Ecco alle mie catene" (Ezio), "Se la mia vita dono è d'Augusto" (Ezio) o "Già risonar d'intorno" (Varo; espectacular pieza marcial, con trompetas en el acompañamiento).

Curtis hace una Obertura estupenda, impetuosa, brillante, magníficamente articulada y perfilada. Luego la batuta decae algo, pero el tono general resulta más que suficiente para disfrutar de esta obra infrecuente y de la que no hay otras opciones en disco. El punto más fuerte de la interpretación lo pone en cualquier caso la voz sensual y elegante de la mezzo sueca Ann Hallenberg. Sonia Prina es la cantante expresiva de siempre, aunque las oscilaciones en el color son también tan evidentes como de costumbre, aparte de que la contralto italiana tropieza con problemas en los pasajes más ágiles, de forma muy evidente en el aria de presentación de Valentiniano ("Se tu la reggi al volo"). El otro elemento destacado del elenco es el impetuoso bajo napolitano Vito Priante, voz joven con puntuales problemas de colocación, pero siempre intensa y de apreciable agilidad. La soprano ligera canadiense Karina Gauvin, con tendencia siempre al gritito en los agudos, rinde a buen nivel. No conocía a los otros dos solistas vocales, que completan el elenco con solvencia, pero sin alardes, demasiado descolorida me ha parecido en cualquier caso la voz del tenor Anicio Zorzi Giustiniani. Como digo, globalmente, disfrutable.


Haendel: "Ecco alle mie catene" de Ezio [7'01''] Ann Hallenberg. Il Complesso Barocco. Alan Curtis

Un bajo para el caro sajón

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): ARIE PER BASSO

Lorenzo Regazzo, bajo
Concerto Italiano
Director: Rinaldo Alessandrini

Siroè, re diPersia HWV 24
1. Obertura
2. No, io per sua pena - Se il mio paterno amore
3. Ove son? Che m'avvenne? - Gelido in ogni vena

Orlando HWV 31
4. Impari ognun da Orlando - Sorge infausta una procella

Agrippina HWV 6
5. Pur ritorno a rimirarvi
6. Ma, o ciel, mesta e confusa
[Gemma Bertagnolli, soprano]
7. Vieni, o cara

Serse HWV 40
8. Me infelice - Del mio caro Bacco amabile

Alcina HWV 34
9. Obertura - Museta - Minueto
10. Pensa a chi geme

Tamerlano HWV 18
11. Amor da guerra e pace

12. Dalla guerra amorosa HWV 102a
13. "Placati alfin, o cara - Come rosa in su la spina" de Apollo e Dafne HWV 122
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NAÏVE OP 30472 (Diverdi) [58'05'']
Grabación: Marzo de 2008

Es bien sabido que en época de Haendel las escenas líricas estaban dominadas por las voces agudas (castrati, sopranos y mezzosopranos por este orden), pero el compositor alemán no dejó de escribir páginas seductoras para otras tesituras, especialmente cuando pudo contar en su compañía con intérpretes de altura, como los bajos Giuseppe Maria Boschi, quien cantó ya en el estreno londinense de Rinaldo en 1711 y acompañó luego al compositor en los gloriosos años de la Royal Academy en Haymarket, o Antonio Montagnana, que se unió a Haendel en 1729 y propició, entre otras cosas, la creación del personaje de Zoroastro en Orlando, uno de los más interesantes roles para bajo que concibiera nunca el músico.

Papeles escritos para Boschi (Siroè, Tamerlano) y Montagnana (Orlando), pero también para Antonio Francesco Carli (Agrippina), Gustavus Waltz (Alcina) y Antonio Lottini (Serse) ha incluido Lorenzo Regazzo en este trabajo para Naïve. Conocido primero por sus roles mozartianos, Regazzo dejó ya un estupendo recital dedicado a Vivaldi en este mismo sello, un trabajo en el que mostraba una agilidad notabilísima, que repite aquí, aunque en general estas arias requieren menor grado de virtuosismo que las concebidas por el veneciano. No faltan desde luego pasajes picados, amplios saltos interválicos y otras exigencias, en especial en las obras escritas en Italia, aunque nada parecido al rol de Polifemo en la Serenata Aci, Galatea e Polifemo que Haendel compuso en Nápoles en 1708, en la que hay notas graves que sobrepasan el límite de la mayoría de los bajos de nuestros días (el ámbito alcanza las dos octavas y medias). Con todo, y destacando también la belleza de su pasta vocal y la homogenediad de toda su tesitura, lo que más gusta de Regazzo son sus buenas maneras de bajo cantante, la forma de decir con intención, de deleitarse en la pronunciación de los términos claves, de ornamentar con exquisitez y buen sentido. Alessandrini ofrece el acompañamiento vivaz y profundo que conviene al repertorio escogido y al cantante.


Haendel: "Amor da guerra e pace" de Tamerlano. [4'07''] Lorenzo Regazzo. Concerto Italiano. Rinaldo Alessandrini

Sonatas como dúos

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): 12 SOLO SONATAS OP.1

Academy of Ancient Music
Director: Richard Egarr

Richard Egarr, clave
Pavlo Beznosiuk, violín
Rachel Brown, traverso y flauta dulce
Frank de Bruine, oboe

CD 1
1. Sonata Op.1 nº1 en mi menor HWV 359 [traverso]
2. Sonata Op.1 nº2 en sol menor HWV 360 [flauta dulce]
3. Sonata Op.1 nº3 en la mayor HWV 361 [violín]
4. Sonata Op.1 nº4 en la menor HWV 362 [flauta dulce]
5. Sonata Op.1 nº5 en sol mayor HWV 363b [traverso]
6. Sonata Op.1 nº6 en sol menor HWV 364a [oboe]
7. Sonata Op.1 nº7 en do mayor HWV 365 [flauta dulce]
8. Sonata Op.1 nº8 en do menor HWV 366 [oboe]

CD 2
1. Sonata Op.1 nº9 en si menor HWV 367b [traverso]
2. Sonata Op.1 nº10 en sol menor HWV 368 [violín]
3. Sonata Op.1 nº11 en fa mayor HWV 369 [flauta dulce]
4. Sonata Op.1 nº12 en fa mayor HWV 370 [violín]
5. Sonata Op.1 nº10 en sol menor HWV 372 [violín] [Edición Roger]
6. Sonata para oboe en fa mayor [manuscrito; versión de la Op.1 nº5]
7. Sonata Op.1 nº12 en mi mayor HWV 373 [violín] [Edición Roger]
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2 CD HARMONIA MUNDI HMU 907465.66 [70'46'' - 76'45'']
Grabación: Septiembre de 2007

Las Sonatas de la Op.1 de Haendel han supuesto siempre un quebradero de cabeza para los aficionados, perdidos entre ediciones y manuscritos que presentaban las mismas obras en instrumentaciones diferentes y entre obras completamente diferentes que se presentaban con la misma numeración. Trataré de exponer y aclarar brevemente la situación: la primera edición de las Sonatas llevaba la marca del editor de Amsterdam Roger y se presentaba sin fecha de publicación. En 1732, John Walsh reeditó la colección, con pequeñas variantes y un cambio fundamental: las Sonatas nos.10 y 12 eran obras completamente nuevas. Todo era demasiado sospechoso, entre otras cosas porque la casa de Roger había cerrado en 1722, lo que ha hecho pensar que detrás de la primera edición estaba realmente el propio Walsh, que firmó la publicación con una marca extranjera para eludir el pago de derechos por el privilegio real exclusivo que sobre la edición de sus obras tuvo el compositor en Inglaterra hasta 1734 (y fue justo el 7 de diciembre de aquel año cuando Walsh anunció la puesta a la venta de la serie en su edición oficial). En cualquier caso, ambas ediciones presentan cuatro sonatas para flauta dulce, tres para traverso, tres para violín y dos para oboe y su diferencia principal estriba, se ha dicho ya, en las números 10 y 12, que son para violín en los dos casos, pero completamente distintas unas de las otras. Todo no termina aquí, pues para complicar un poco más el asunto, se han localizado manuscritos (algunos autógrafos) de estas obras con otras variantes e instrumentaciones, por lo que es normal encontrarlas en formatos diferentes a los aparecidos en las dos ediciones de la época. Richard Egarr y los solistas de la Academy of Ancient Music han grabado en este doble álbum la edición oficial de Walsh, añadiendo las Sonatas nos. 10 y 12 en las versiones de Roger y la nº5 (en origen para traverso) en una variante para oboe conservada en un manuscrito no autógrafo. Espero haber aclarado algo el embrollo.

Estas sonatas se han grabado en multitud de ocasiones, y de ellas hay interpretaciones brillantes, pero Richard Egarr ofrece aquí algo especialmente singular. Para empezar, renuncia a un continuo con varios instrumentos, él solo se encarga de realizarlo, y obtiene de su clave una tal variedad de colores y matices que uno no echa absolutamente nada de menos en unas interpretaciones que, por otro lado, resultan de fraseo refinadísimo, elegantes, llenas de detalles y sin estridencias de ningún tipo, en las que se consigue una naturalísima y fluida imbricación entre los dos instrumentos que hace que en muchos momentos carezca de importancia saber qué voz es la solista. El virtuosismo de los acompañantes está en cualquier caso fuera de toda duda: Pavlo Beznosiuk brilla por su lirismo, Rachel Brown por su apasionamiento, Frank de Bruine por su delicadeza. Para mí, referencial.


Haendel: Sonata Op.1 nº10 (versión de Roger) (Adagio - Allegro -Largo - Allegro) [8'18''] Pavlo Beznosiuk. Richard Egarr

Elegante virtuosismo

Georg Friedrich HaendeL: ORGAN CONCERTOS OP.4

Matthew Halls, órgano
Sonnerie
Directora: Monica Huggett

Monica Huggett, violín I
Emilia Benjamin, violín II
Katherine McGillivray, viola
Joseph Crouch, violonchelo
Peter McCarthy, contrabajo de 3 cuerdas
Mathhew Wadsworth, tiorba
Molly Marsh, oboe I [en HWV 289 y HWV 292]
Hannah McLaughlin, oboe II [en HWV 289 y HWV 292]
Sarah Moffat y Claire Duff, violines [en HWV 291]

1. Concierto nº4 en fa mayor HWV 292
2. Concierto nº2 en si bemol mayor HWV 290
3. Concierto nº3 en sol menor HWV 291
4. Concierto nº6 en si bemol mayor HWV 294
5. Concierto nº5 en fa mayor HWV 293
6. Concierto nº1 en sol menor HWV 289
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AVIÈ AV 2055 (Gaudisc) [72'27'']
Grabación: Julio de 2003

Monica Huggett usó una plantilla minimalista para su grabación de la Op.4, añadiendo los oboes sólo en HWV 289 y HWV 292 y dos violines de ripieno en HWV 291. La interpretación es hermosísima, de frases muy articuladas y texturas limpias y claras, acaso sin la fuerza ni el vigor en los contrastes de la Accademia Bizantina, pero el resultado es de un lirismo encantador, a la vez ágil, directo y elegante, adaptado de forma admirable al virtuosismo de un solista al que tampoco falta imaginación en cadencias y repeticiones.


Haendel: Concierto Op.4 nº5 (Larghetto - Allegro - Alla Siciliana - Presto). [8'10''] Matthew Halls. Sonnerie. Monica Huggett

Mesías

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): MESSIAH HWV 56
oratorio en tres partes con libreto de Charles Jennens

Carolyn Sampson, soprano
Daniel Taylor, alto
Benjamin Hulett, tenor
Peter Harvey, bajo
Kammerchor Stuttgart
Barockorchester Stuttgart
Director: Frieder Bernius
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2 CD CARUS 83.219 (Diverdi) [67'06'' - 72'05'']
Grabación: Diciembre de 2008

Hace ya mucho que sabíamos que por debajo de la superficie semoviente de los grandes nombres del mundo barroco (compositores e intérpretes) habitaba una realidad de una palpitante y descomunal riqueza, que esperaba simplemente a ser mostrada. Y si lo sabíamos era entre otras cosas por hombres como Frieder Bernius, un director que no tenía la prensa de Hogwood, Gardiner, Harnoncourt, Pinnock, Christie o Savall, pero que, pronto aprendimos, valía tanto como ellos. Gracias a él alcanzamos a descubrir un increíble repertorio de obras corales del siglo XVII que nadie se había preocupado de presentarnos, gracias a él supimos que los coros continentales podían ser tan buenos como los ingleses, que la expresión y el drama no estaban reñidos con la afinación ni el orden, y viceversa, gracias a él aprendimos a valorar lo infrecuente por lo que en ello pudiera haber de grandeza y no por su carácter más o menos exótico o elitista. Con el tiempo y los discos imprescindibles, a Frieder Bernius han empezado a reconocérsele sus méritos, y hoy ya es un nombre prestigioso para los buenos aficionados al Barroco. Nos alegramos (y el plural no es, aunque lo parezca, mayestático: el descubrimeinto fue compartido y quiero que su remembranza también lo sea), porque además ahora ya podemos escuchar a Bernius compitiendo con los grandes nombres en su terreno: el de las obras más populares.

De tú a tú. Porque este Mesías es excepcional. El Coro de Cámara de Stuttgart es un prodigio de empaste, equilibrio y capacidad para resaltar los matices más nimios; la orquesta tiene el sonido, la fuerza teatral, la densidad y redondez de las mejores; los solistas son excelentes. Carolyn Sampson me parece sencillamente la más grande soprano inglesa de nuestros días y la más importante que se haya dedicado nunca al Barroco en las tierras de su Graciosa Majestad; prefiero siempre una buena contralto a un contratenor, pero Daniel Taylor es un cantante extraordinario por su exquisita musicalidad y su franqueza, y luego, digan lo que quieran del color y de los graves, pero canta con una naturalidad que apabulla; no conocía a Benjamin Hulett, que me ha causado una excelente impresión, en especial en las partes más dramáticas de su cometido; Peter Harvey actúa con nobleza y da sentido a todo lo que hace. Bernius concibe la obra como un inmenso puzzle de colores, atmósferas y emociones en el que todo cabe, desde el susurro más estremecedor a la explosión más atronadora, del adorno más imaginativo y fugaz a la plegaria más adusta. Las piezas van encajando con desarmante coherencia desde una Sinfonía inicial un punto alicaída hasta un Amen final que parece que tuviera un da capo, porque dan ganas de volver inmediatamente al principio.


Haendel: "Surely - And with His stripes - All we, like sheep" de El Mesías [7'08''] Coro de Cámara de Stuttgart. Orquesta Barroca de Stuttgart. Bernius

Divas

LA DIVA. ARIAS FOR CUZZONI

Simone Kermes, soprano
Lautten Compagney Berlin (Birgit Schnurpfeil, concertino)
Director: Wolfgang Katschner

Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
1. Scoglio d'immota fronte de Scipione HWV 20
2. V'adoro pupille de Giulio Cesare in Egitto HWV 17
3. Piangerò de Giulio Cesare in Egitto HWV 17
4. Se pietà di me non senti de Giulio Cesare in Egitto HWV 17
5. No, più soffrir non voglio de Alessandro HWV 21
6. Ombre piante de Rodelinda, regina de' Langobardi HWV 19 [versión primitiva]
7. Ahi perché, giusto ciel de Rodelinda, regina de' Langobardi HWV 19 [versión primitiva]
8. Or mi perdo di speranza de Siroè, re di Persia HWV 24
9. Mi lagnerò tacendo de Siroè, re di Persia HWV 24
10. Torrente cresciuto de Siroè, re di Persia HWV 24
11. Fonti amiche de Tolomeo, re d'Egitto HWV 25
12. Amante stravagante de Flavio, re de' Langobardi HWV 16
13. Morte vieni de Riccardo primo, re d'Inghilterra HWV 23
14. Io ti bacio de Admeto, re di Tessaglia HWV 22
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BERLIN CLASSICS 0016422BC (Gaudisc) [69'48'']
Grabación: Agosto de 2008

Confluencia de divas. De Cuzzoni ya hablé al comentar el disco de Lisa Saffer en la Haendel Edition de HM. Kermes ha aparecido alguna que otra vez en el blog, aunque este es el primero de sus recitales en solitario que traigo hasta aquí. Escuché a la soprano alemana un par de veces hace unos años en Santiago de Compostela, en el marco de la 1ª edición del Festival Via Stellae, primero en una interpretación de la Andromeda Liberata, obra colectiva con participación de Vivaldi, y después en un recital en solitario que se celebró en el pequeño Teatro Principal de la capital gallega. Acompañaba en los dos casos Marcon y su VBO. Me llamaron la atención entonces sus llamativos vestidos y sus poses de diva, más propios de otros repertorios, pero además, y ya en el terreno musical, me impresionaron muy vivamente sus brillantes coloraturas y su fuerza teatral sobre la escena. Llegaron luego las noticias de su enfermedad (un cáncer de mama, del que parece se ha restablecido completamente) y algunos de sus discos (como los dedicados a Vivaldi en Archiv), que me permitieron irme haciendo una imagen algo más nítida de su estilo interpretativo, que descansa básicamente en el exceso y la teatralidad. Lo reafirmo con este disco, en el que demuestra su intensidad en la expresión, que en algún momento puede llevarla incluso a la sobreinterpretación, especialmente en los da capo, cuyos ornamentos se escribe ella misma. La cantante no es, por otro lado, un prodigio de técnica ni de delicadeza en el fraseo. La voz no es demasiado grande (hay problemas en los graves), la línea no es siempre impoluta en afinación y el color no parece demasiado homogéneo. Pero los defectos quedan suplidos por el ímpetu, la vitalidad y el carácter que imprime a cada fragmento. En las arias de bravura ("Scoglio d’immota fronte" de Scipione o "No, più soffrir non voglio" de Alessandro, por ejemplo), todo se lo lleva por delante ese torbellino vibrante y arrasador; en las más tiernas (pienso en el "Piangerò" o en "Se pietà di me non senti" de Giulio Cesare), hay sentimiento y hondura, aunque falta un poco más de refinamiento, especialmente en las medias voces. Una voz imperfecta, pero todo un temperamento. No apto para todos los gustos.


Haendel: "Or mi perdo di speranza" de Siroè. [4'11''] Simone Kermes. Lautten Compagney. Katschner.

Or mi perdo di speranza
or la speme torna in vita,
spera, o core avrai pieta!
Si mi dice la costanza,
ch'al mio petto, e si gradita,
mà non so se cangera.

Encantamientos

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): ALCINA HWV 34
ópera en tres actos con libreto anónimo a partir del de L'isola di Alcina de Riccardo Broschi, que se basaba en el Orlando furioso de Ariosto

Joyce DiDonato, soprano (Alcina)
Maite Beaumont, mezzosoprano (Ruggiero)
Sonia Prina, contralto (Bradamante)
Karina Gauvin, soprano (Morgana)
Kobie van rensburg, tenor (Oronte)
Vito Priante, bajo (Melisso)
Laura Cherici, soprano (Oberto)

Il Complesso Barocco (Elizabeth Blumenstock, concertino)
Director: Alan Curtis
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3 CD ARCHIV 477 7374 (Universal) [76'24'' - 72'16'' - 54'36'']
Grabación: Septiembre de 2007

Segunda ópera, tras Ariodante, presentada por Haendel en el nuevo teatro de Covent Garden, tercera escrita por el músico sobre el Orlando furioso, tras Orlando y la propia Ariodante, Alcina, que seguía la senda de su antecesora con la inclusión de danzas y coros, fue estrenada el 16 de abril de 1735 y saludada con entusiasmo por los cronistas de la época, muchos de los cuales compararon los encantamientos de la maga Alcina con los que era capaz de provocar la música de Haendel. La obra fue de las primeras del músico en ser recuperada en pleno siglo XX y se ha mantenido como una de las más admiradas, representadas y grabadas del compositor.

La interpretación de Alan Curtis es notable, de un tono teatral homogéneo y bien mantenido a lo largo de las tres horas y pico que dura la pieza, todo ello gracias a un equipo instrumental estupendo y a un elenco que roza lo excepcional. Falta en cualquier caso un punto de ardor, sobre todo en la acentuación de las arias de bravura y un poco de variedad en los acompañamientos, lo que crea cierta sensación de rutina que sólo se supera merced al buen hacer de los solistas, que en general trabajan con imaginación los da capo. De estas voces sólo hay que lamentar algunos chilliditos estridentes de Karina Gauvin y las irregularidades en el color y en la línea de Sonia Prina (su "Vorrei vendicarmi" es en cualquier caso magnífico). Joyce DiDonato y Maite Beaumont están en cambio extraordinarias en los dos papeles principales y los dos hombres del reparto son de lo mejor que puede reclutarse hoy para este repertorio. Pese a estas salvedades, qué quieren que les diga, es una gozada.