El tenor exultante

NESSUM DORMA - ARMILIATO SINGS PUCCINI

Fabio Armiliato, tenor
Orquesta y Coro de la Fundación Arena de Verona
Director: Marco Boemi

Giacomo Puccini (1858-1924)

1. "Orgia, chimera" de Edgar [Ferdinando Fontana]

2. "Ecco la casa - Torna ai felici dì" de Le Villi [Ferdinando Fontana]

3. "Tra voi, belle, brune e bionde" de Manon Lescaut [Oliva / Giacosa / Illica...]
4. "Donna non vidi mai" de Manon Lescaut
5. "Ah! Manon, mi tradisce" de Manon Lescaut
6. "Ah! Guai a chi la tocca! - No, pazzo son!" de Manon Lescaut

7. "Che gelida manina" de La Bohème [Luigi Illica / Giuseppe Giacosa]

8. "Recondita Armonia" de Tosca [Luigi Illica / Giuseppe Giacosa]
9. "E lucevan le stelle" de Tosca

10. "Addio, fiorito asil di letizia e d’amor!" de Madama Butterfly [Luigi Illica / Giuseppe Giacosa]

11."Avete torto - Firenze è come un albero fiorito" de Gianni Schicchi [Gioacchino Forzano]

12. "Hai ben ragione" de Il Tabarro [Giuseppe Adami]
13. "Io voglio la tua bocca - Folle di gelosia" de Il Tabarro

14. "Una parola sola - Or son sei mesi che mio padre morì" de La Fanciulla Del West [Guelfo Civinini / Carlo Zangarini]
15. "Ch’ella mi creda libero e lontano" de La Fanciulla Del West

16. "Non piangere, Liù" de Turandot [Giuseppe Adami / Renato Simoni]
17. "Nessun Dorma" de Turandot
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DECCA 4763434 (Universal) [56'17'']
Grabación: Noviembre y Diciembre de 2008

Fabio Armiliato (Génova, 1956) es sin duda uno de los tenores más comunicativos del actual planeta lírico. Su estilo arrebatado y valiente, apoyado en un cálido fraseo, de clara impronta latina, y en unos agudos que parecen incluso haber ganado con el tiempo en penetración, brillo y armónicos, sirve de forma exultante a los papeles veristas y puccinianos, como demuestra en este estupendo recital que recorre las arias para tenor del autor de Turandot, que el cantante desgrana entre acentos heroicos y febriles arrebatos de desatada pasión.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 17 de abril de 2010]


Puccini: "Nessum dorma" de Turandot. [3'19''] Fabio Armiliato. Orquesta y Coro de la Fundación Arena de Verona. Marco Boemi

Il principe ignoto
Nessun dorma! Nessun dorma!
Tu pure, o Principessa,
Nella tua fredda stanza
Guardi le stelle
Che tremano d'amore e di speranza.
Ma il mio mistero è chiuso in me,
Il nome mio nessun saprà!, no, no
Sulla tua bocca lo dirò

Quando la luce splenderà!
Ed il mio bacio scioglierà il silenzio
Che ti fa mia!...

Voci di donne
Il nome suo nessun saprà...
E noi dovremo, ahimè, morir, morir!...

Il principe ignoto
Dilegua, o notte!... Tramontate, stelle! Tramontate, stelle!...
All'alba vincerò!
vincerò! vincerò!

[El príncipe desconocido: ¡Que nadie duerma! ¡Que nadie duerma!/ ¡También tú, oh Princesa,/ en tu fría habitación/ miras las estrellas/ que tiemblan de amor y de esperanza...!/ ¡Mas, mi misterio está encerrado en mí!,/ ¡Mi nombre nadie lo sabrá!./ ¡No, no, sobre tu boca lo dire!/ Sólo cuando la luz brille./ ¡Y mi beso fulminará el silencio/ que te hace mía!// Voces de mujeres: Su nombre nadie sabrá.../ ¡Y nosotras, ay, deberemos, morir, morir!// El príncipe desconocido: ¡Disípate, oh noche! ¡Tramontad, estrellas! ¡Tramontad, estrellas!/ ¡Al alba venceré! ¡venceré! ¡venceré!]

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Escalando al trono del rey

THE VERDI TENOR

Marcelo Álvarez, tenor

Annalisa Raspagliosi, soprano (en 6)
Arturo Chacón-Cruz, tenor (en 6)

Coro y Orquesta Sinfónica de Milán Giuseppe Verdi
Director: Daniel Oren

Giuseppe Verdi (1813-1901)

1. "Se quel guerrier io fossi! - Celeste Aida" del Acto I de Aida [Antonio Ghislanzoni]
2. "Di tu se fedele" del Acto I de Un ballo in maschera [Antonio Somma]
3. "Forse la soglia attinse - Ma se m'è forza perderti" del Acto III de Un ballo in maschera
4. "Oh! fede negar potessi - Quando le sere al placido - L'ara, o l'avelo apprestami" del Acto II de Luisa Miller [Salvatore Cammarano]
5. "La vita è inferno all'infelice - O tu che in seno agli angeli" del Acto III de La forza del destino [Francesco Maria Piave]
6. "Quale d'armi fragor poc'anzi intensi? - Ah! si, ben mio - L'onda de' suoni mistici - Di quella pira" de la Parte III de Il trovatore [Salvatore Cammarano]
7. "La mia letizia infondere" del Acto II de I lombardi alla prima crociata [Temistocle Solera]
8. "Mercé, diletti amici - Come rugiada al cespite - Dell'esilio nel dolore - O tu che l'alma adora" de Ernani [Francesco Maria Piave]
9. "Io l'ho perduta - Io la vidi e il suo sorriso" del Acto I de Don Carlo [Achille de Lauzieres y Angelo Zanardini a partir de François Joseph Méry y Camille du Locle]
10. "O figli, o figli miei! - Ah, l apaterna mano" del Acto IV de Macbeth [Francesco Maria Piave y Andrea Maffei]
11. "Niun mi tema" del Acto IV de Otello [Arrigo Boito]
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DECCA 478 1442 (Universal) [64'10'']
Grabación: Agosto de 2008

Uno de los más decididos postulantes al trono que dejó libre la muerte del gran Luciano es el tenor argentino Marcelo Álvarez (Córdoba, 1962), cuyos medios de lírico puro se han ido ensanchando para abordar papeles de mayor peso vocal sin que sufran de momento ni el exquisito fraseo ni la belleza, un punto opaca, del timbre. De cualquier modo, hay pasión por toneladas y buen gusto con los matices en este CD, sobre todo en el Riccardo de Un ballo in maschera, el Rodolfo de Luisa Miller o el Manrico de Il trovatore. Espléndido acompañamiento de Oren y el conjunto milanés.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 17 de abril de 2010]


Verdi: "Quando le sere al placido" de Luisa Miller. [4'00''] Marcelo Álvarez. Orquesta Sinfónica de Milán Giuseppe Verdi. Daniel Oren

Quando le sere al placido
chiaror d’un ciel stellato
meco figgea nell’etere
lo sguardo innamorato,
e questa mano stringermi
dalla sua man sentia...
e questa mano stringermi
dalla sua man sentia...
Ah!... mi tradia!

Allor, ch’io muto, estatico
da’ labbri suoi pendea,
ed ella in suono angelico,
"Amo te sol" dicea,
tal che sembrò l’empireo
aprirsi all’alma mia!
Ah!... mi tradia!

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Un francés en el imperio del rubato

NEUJAHRSKONZERT 2010

Orquesta Filarmónica de Viena
Director: Georges Prêtre

Bailarines solistas de la Opera Garnier de París
Ballet de la Staatsoper de Viena
Coreografía: Renato Zanella
Vestuario: Valentino

1. Johann Strauss II (1825-1899): Obertura de Die Fledermaus
2. Josef Strauss (1827-1870): Frauenherz. Polka mazur Op.166

Johann Strauss II
3. Im Krapfenwald'l. Polka française Op.336
4. Stürmisch in Lieb' und Tanz. Polka schnell Op.393
5. Wein, Weib und Gesang. Walzer Op. 333
6. Perpetuum mobile. Musikalischer Scherz Op.257

8. Otto Nicolai (1810-1849): Obertura de Die lustigen Weiber von Windsor

Johann Strauss II
9. Wiener Bonbons. Walzer Op.307
10. Champagner-Polka. Musikalischer Scherz Op.211
11. Ein Herz, ein Sinn. Polka mazur Op.323

12. Johann Strauss I (1804-1849): Der Carneval in Paris. Galopp Op.100
13. Jacques Offenbach (1819-1880): Obertura de Die Rheinnixen
14. Eduard Strauss (1835-1916): Helenen-Quadrille (sobre motivos de la ópera cómica Die schöne Helena de Offenbach) Op.14
15. Johann Strauss II: Morgenblätter. Walzer Op.279
16. Hans Christian Lumbye (1810-1874): Champagner-Galopp

Johann Strauss II
17. Auf der Jagd. Polka schnell Op.373
18. An der schönen blauen Donau. Walzer Op.314

19. Johann Strauss I: Radetzky-Marsch Op.228

BONUS

Ein Herz, ein Sinn (secuencia completa de la danza)
Morgenblätter (secuencia completa de la danza)
Inside, una película de Hannes Rosacher

Directora del vídeo del concierto: Karina Fibich
Director del vídeo de las secuencias de danza: Michael Beyer
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DVD DECCA 074 3376 (Universal) [119'18" - 4'22" - 12'16" - 19'13"]
Grabación: Enero de 2010

Tras el éxito de su comparecencia en 2008, el octogenario maestro francés Georges Prêtre (Waziers, 1924) repitió en el podio de la Filarmónica de Viena en el Concierto de Año Nuevo de 2010 y lo hizo en plan absolutamente triunfal. Aplastando como en un sándwich la concepción sinfónica y un punto ríspida de Barenboim en 2009, el reino del maestro francés se confirmó asentada en el más clásico universo vienés, el de Clemens Krauss, Willi Boskovski, Lorin Maazel o Carlos Kleiber, un mundo dominado por la concepción flexible de la frase y del ritmo. En efecto, el rubato, que aparece ya generosamente empleado en la deliciosa obertura de El murciélago que abrió la sesión, se convierte en el gran protagonista de un concierto que no presenta grandes sorpresas de repertorio, iluminando muy especialmente las largas secuencias de los valses, sobre todo, unos Periódicos matutinos voluptuosos de tan sabiamente articulados y estirados, y un elegantísimo Danubio azul, que uno cree estar escuchando por primera vez.

Como suele ser habitual en los últimos años, Decca ofrece el Concierto en un doble CD y en un DVD, incluyendo en el segundo de los formatos las tradicionales coreografías que en este caso ejecutan bailarines de la Ópera de París ataviados con modelos de Valentino, que se convierte en protagonista destacado del making of anexo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de marzo de 2010]



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Puccini entre veristas

VERISMO

Renée Fleming, soprano
Coro y Orquesta Sinfónica de Milán Giuseppe Verdi
Director: Marco Armiliato

1. Giacomo Puccini (1858-1924): "Senza mamma, o bimbo, tu sei morto!" de Suor Angelica
2. Pietro Mascagni (1863-1945): "Un dì (ero piccina)" de Iris
3. Giacomo Puccini: "Denaro nient’altro che denaro! - Ore dolci e divine" de La rondine
[Saito Kaoru, soprano; Luica Mencaroni, mezzosoprano; Barbara Vignudelli, soprano]

4. Pietro Mascagni: "Ah! il suo nome! - Flammen, perdonami!" de Lodoletta
5. Alfredo Catalani (1854-1893): "Né mai dunque avrò pace?" de La Wally
6. Giacomo Puccini: "Sì, Mi chiamano Mimì" de La Bohème

Ruggiero Leoncavallo (1857-1919):
7. "Musette svaria sulla bocca viva" de La Bohème
8. "Ma vi chetare! - Mimi Pinson, la biondinetta" de La Bohème
[Paolo Cautoruccio, tenor; Marco Calabrese, barítono; Saito Kaoru, soprano; Annalisa Dessi, mezzosoprano; Carlos Gómez, barítono; Gilles Armani, barítono]
9. Giacomo Puccini: "Donde lieta uscì al tuo grido d’amore" de La Bohème

10. Ruggiero Leoncavallo: "Angioletto, il tuo nome?" de Zazà
[Emma Latis, niña actriz; Barbara Vignudelli, soprano]
11. Giacomo Puccini: "Sola, perduta, abbandonata!" de Manon Lescaut [versión manuscrita original]
12. Riccardo Zandonai (1883-1944): "Ier dalla fabbrica a Triana" de Conchita

13. Francesco Cilea (1866-1950): "O mia cuna, fiorita di sogni e di melodi" de Gloria
14. Umberto Giordano (1867-1948): "Troppo tardi! Tutto tramonta, tutto dilegua" de Fedora
[Arturo Chacón-Cruz, tenor; Emma Latis, niña soprano]
15. Giacomo Puccini: "Tanto amore segreto e inconfessato - Tu, che di gel sei cinta" de Turandot
[Arturo Chacón-Cruz, tenor; Marco calabrese, barítono; Barbara Vignudelli, soprano]

16. Umberto Giordano: "No! Se un pensier - Nel suo amore rianimata" de Siberia
17. Giacomo Puccini: "Bevo al tuo fresco sorriso" de La rondine
[Jonas Kaufmann, tenor; barbara Vignudelli, soprano; Paolo Cautoruccio, tenor]
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DECCA 478 1533 (Universal) [72'20'']
Grabación: s/d (en el Presskit que he recibido)

Aunque compartió época con los veristas, el talante artístico de Puccini era demasiado aristocrático como para ser comparado con Giordano, Leoncavallo, Cilea, Catalani, Zandonai o Mascagni. No es justo para estos honestos compositores. Renée Fleming los reúne en un disco en el que enamora sobre todo por la belleza de su timbre y sus tersos agudos, que hacen maravillas en La rondine o Turandot. Al margen de Puccini, el repertorio ofrece piezas poco frecuentadas, que la gran diva americana canta con propiedad y un punto de efectismo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de febrero de 2010]



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Dramático Kaufmann

MOZART - SCHUBERT - BEETHOVEN - WAGNER

Jonas Kaufmann, tenor
Margarete Joswig, mezzosoprano (en 9)
Michael Volle, bajo-barítono (en 4)
Valdis Jansons, bajo (en 1)

Coro del Teatro Regio de Parma (Marco Finucci, director) (en 1, 4 y 10)
Mahler Chamber Orchestra
Director: Claudio Abbado

Richard Wagner (1813-1883)
1. "In fernem Land" de Lohengrin
2. "Mein lieber Schwan!" de Lohengrin

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
3. "Dies Bildnis ist bezaubernd schön" de Die Zauberflöte K.620
4. "Die Weisheitslehre dieser Knaben - Wie stark ist nicht dein Zauberton" de Die Zauberflöte K.620

Franz Schubert (1797-1828)
5. "Was quälst du mich, O Missgeschick! - In tiefbewegter Brust" de Fierrabras D796
6. "Schon, wenn es beginnt zu tagen... Und mein Herz will ihm Nach" de Alfonso und Estrella D.732

7. Ludwig van Beethoven (1770-1827): "Gott! Welch Dunkel Hier!" de Fidelio Op.72

Richard Wagner
8. "Winterstürme wichen dem Wonnemond" de Die Walküre
9. "Amfortas! - Die Wunde!" de Parsifal
10. "Nur eine Waffe taugt" de Parsifal
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DECCA 478 1463 (Universal) [69'31'']
Grabación: s/d (en el Presskit que he recibido)

Jonas Kaufmann es hoy uno de los tenores preferidos para los papeles alemanes dramáticos. La oscuridad de su timbre y sus resonancias baritonales pesan más que la tendencia al engolamiento y el entubamiento que se aprecia en este su segundo disco en solitario para Decca en el que entra de lleno en Wagner con Lohengrin, Siegmund y Parsifal, que canta junto a Florestán, Tamino y un par de papeles schubertianos. La voz sigue siendo en cualquier caso opulenta y la línea de canto siempre muy matizada y expresiva. Acompaña Abbado.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de febrero de 2010]



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Las dos caras de un violín

BEETHOVEN - BRITTEN - VIOLIN CONCERTOS

Janine Jansen, violín
Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (en Beethoven)
Orquesta Sinfónica de Londres (en Britten)
Director: Paavo Järvi

1. Ludwig van Beethoven (1770-1827): Concierto para violín y orquesta en re mayor Op.61
2. Benjamin Britten (1913-1976): Concierto para violín y orquesta Op.15
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DECCA 478 1530 (Universal) [73'21'']
Grbación: Julio y Agosto de 2009

Espléndido programa doble el que presenta Janine Jansen, excelente violinista, como vuelve a demostrar en un ágil Beethoven que Paavo Järvi y la soberbia Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen tocan con acentos rotundos, fraseo afilado y articulaciones muy marcadas, en una visión que mira más al pasado clásico que al futuro romántico. En el Concierto de Britten, con la London Symphony de acompañante, admira tanto el vuelo lírico de la solista como la intensidad y el tornasolado ropaje tímbrico que le presta la batuta.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 30 de enero de 2010]



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Mártires del canto

Los recitales barrocos se han convertido en refugio de las multinacionales del disco clásico. Son innumerables los trabajos orientados a este sector del repertorio que las principales estrellas del canto han presentado en el último lustro, muchos de los cuales recuerdan a importantes figuras de castrati del siglo XVIII (Senesino, Farinelli, Carestini). En ellos incide también el último registro de la mezzo romana Cecilia Bartoli, que con el significativo título de Sacrificium se centra en la música de la escuela napolitana.

El repertorio escogido pivota en torno a la personalidad de Nicola Porpora (1686-1768), "primer maestro de canto del universo", como lo llamó en el siglo XIX George Sand, pues con él se formaron Farinelli, Caffarelli, Salimbeni, Appiani y Porporino, cinco de los grandes astros del canto barroco, además del famoso libretista Metastasio o dos genios de la composición como Hasse y Haydn. Son en total cinco arias de Porpora las que canta Bartoli, acompañadas de otras dos de Caldara y Carl Heinrich Graun y una de Francesco Araia, Leo y Vinci. Todas ellas (salvo "Nobil onde" de Adelaide de Porpora) se graban por primera vez. En edición limitada, Decca presenta una versión de Sacrificium con un disco de regalo anexo en el que se incluyen tres de las más famosas arias destinadas a castrati de todo el XVIII: "Son qual nave" de Artaserse de Riccardo Broschi (el hermano de Farinelli), "Ombra mai fu" de Serse de Haendel y "Sposa, non mi conosci" de Merope de Giacomelli. Esa misma edición de lujo incluye un estudio detalladísimo sobre el mundo cruel y fascinante de los castrati, que ofrece un par de artículos y una especie de enciclopedia organizada alfabéticamente sobre el tema. Grabado en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid y contando con el apoyo de la Junta de Castilla y León y de la Fundación Siglo para las Artes de la comunidad castellano-leonesa, que el CD no incluyera los textos en castellano ha parecido un agravio demasiado sangrante a la discográfica, que da la opción de descargárselos en formato PDF a través de la web de la artista (www.ceciliabartolionline.com).


Inconfundible por timbre y estilo, Bartoli no ha querido cargar las tintas sobre los aspectos más espectaculares de la música escrita para los castrados, que con su retahíla de agilidades y adornos sin cuento están presentes de forma deslumbrante, pero no apabullante, pues la mezzo romana ha escogido un buen número de arias lentas y expresivas, en las que dominan las más refinadas sutilezas del canto spianato. Son momentos, como en "Parto, ti lascio, o cara", de Germanico in Germania de Porpora o en "Profezie, di me diceste" de Sedecia de Caldara en los que Bartoli se esfuerza por transmitir, aun con cierto molesto engolamiento, los más tiernos afectos. Il Giardino Armonico, con Stefano Barneschi en lugar de Enrico Onofri de concertino, se convierte en la segunda piel de la cantante, guiándola con mimo entre la desaforada exaltación y el íntimo susurro.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 24 de octubre de 2009]


SACRIFICIUM

Cecilia Bartoli, mezzosoprano
Il Giardino Armonico (Stefano Barneschi, concertino)
Director: Giovanni Antonini

CD 1

1. Nicola Porpora (1686-1768): "Come nave in messo all'onde" de Siface
2. Antonio Caldara (c.1671-1736): "Profezie, di me diceste" de Sedecia
3. Francesco Araia (1709-1770): "Cadrò, ma qual si mira" de Berenice

Nicola Porpora
4. "Parto, ti lascio, o cara" de Germanico in Germania
5. "Usignolo sventurato" de Siface

6. Carl Heinrich Graun (c.1703-1759): "Misero pargoletto" de Demofoonte
7. Nicola Porpora: "In braccio a mille furie" de Semiramide riconosciuta
8. Leonardo Leo (1694-1744): "Qual farfalla" de Zenobia in Palmira
9. Nicola Porpora: "Nobil onda" de Adelaide
10. Carl Heinrich Graun: "Deh, tu bel Dio d'amore... Ov'è il mio bene?" de Adriano in Siria
11. Leonardo Vinci (c.1696-1730): "Chi temea Giove regnante" de Farnace
12. Antonio Caldara: "Quel buon pastor son io" de La morte d'Abel figura di quella del nostro Redentore

CD 2

1. Riccardo Broschi (c.1698-1756): "Son qual nave" de Artaserse
2. Georg Friedrich Haendel (1685-1759): "Ombra mai fu" de Serse
3. Geminiano Giacomelli (c.1692-1740): "Sposa, non mi conosci" de Merope
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2 CD DECCA 478 1521 (Universal) [78'02'' - 21'14'']
Grabación: Enero, Febrero y Marzo de 2009

Un final trágico para Arteta

Giacomo Puccini (1858-1924): LA RONDINE
commedia lirica en tres actos con libreto de A. M. Willnet, Heinz Reichnet y Giuseppe Adami

Ainhoa Arteta, soprano (Magda)
Inva Mula, soprano (Lisette)
Marcus Haddock, tenor (Ruggero)
Richard Troxell, tenor (Prunier)
William Parcher, barítono (Rambaldo)
Tony R. Dillon, bajo-barítono (Périchaud)
Chris Owens, barítono (Crébillon)
Steven Gathman (Gobin)
Angela Turner Wilson (Yvette)
Kathleen Segar (Bianca)
Edrie Means-Weekly (Suzy)
Elizabeth Whitten y Marta Kirillof (grisettes)
Michael Bicoy (un joven)
Mignon Owens (Lolette)
Raymond Aparentado, Nevin Bender, Christopher Carrico, Donald J. Carter, Jos Milton y Daniel Snyder (estudiantes)
Margaret Stricklett (voz lejana)
Tristi Ann McMaster y Peter Stark, bailarines

Coro y Orquesta de la Ópera Nacional de Washington
(Director de coro: Steven Gathman)
Director: Emmanuel Villaume

Directora de escena: Marta Domingo
Escenografía y vestuario: Michael Scott
Iluminación: Joan Sullivan-Genthe
Pelucas y maquillaje: Elsen Asocciates
Coreografía: Baayork Lee

Coproducción de la Ópera de Washington, LOs Angeles Musice Center Opera y la Oper der Stadt de Bonn

Director de vídeo: Brian Large

Subtítulos en inglés, francés, alemán, italiano, español y chino

Bonus: Introducción a La Rondine
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DVD DECCA 074 3335 (Universal) [110' - 4' (bonus)]
Grabación: Marzo de 1998

Concebida inicialmente como opereta para la ciudad de Viena y, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, reconvertida en una commedia lirica en tres actos, forma en la que fue estrenada en Montecarlo en 1917, La rondine es una de las obras menos divulgadas de Giacomo Puccini. Decca publica ahora en DVD una filmación tomada de la Ópera de Washington en 1998, una producción que Marta Ornelas-Domingo concibió para Bonn tres años antes y que incluía un aria de Ruggiero y varios dúos que Puccini no presentó el día del estreno, uno de ellos orquestado ex profeso para este trabajo. Lo más polémico es en cualquier caso el final trágico que, según la regista mexicana, Puccini trató de escribir, no demasiado contento con la conclusión agridulce que se ofreció en 1917.

Al margen de estas decisiones, la producción de Ornelas-Domingo es de líneas clásicas, limpia y elegante, sin estridencias, y musicalmente funciona francamente bien, merced a la batuta honesta de Emmanuel Villaume y a un elenco que encabeza una Ainhoa Arteta que, en plenitud vocal, hace una Magda magníficamente trabajada en lo escénico y resplandeciente, por brillo, potencia y homogeneidad, en lo canoro. Marcus Haddock es un Ruggero cálido y lírico, Richard Troxell un incisivo Prunier, William Parcher un algo cansado Rambaldo e Inva Mula una deliciosa, extraordinaria Lisette.

Del poder y del sexo

Estrenada en 1643 en el veneciano Teatro de los Santos Juan y Pablo, L’Incoronazione di Poppea es la tercera y última ópera superviviente de cuantas escribiera Monteverdi, si bien hoy es ampliamente aceptado que en los dos manuscritos en que se conservó la partitura (sólo la línea vocal y el bajo) participaron otras manos.

Apoyada en un libreto excepcional de Gian Francesco Busenello, miembro de la libertina Academia de los Incogniti, la ópera es una modernísima y amoral fábula sobre la corrupción del poder, presentada bajo la apariencia de una discusión entre la Fortuna, la Virtud y el Amor acerca de su influencia en la vida de los hombres, una disputatio que se plantea en el Prólogo y que supuestamente se resuelve a lo largo de los tres actos con el triunfo incontestable del Amor, que termina llevando a Popea al trono, una auténtica burla, pues Busenello se esfuerza en dejarnos claro que el camino del éxito político está repleto de falsedades, deslealtades, abusos, crueldad y crímenes.

Para la tercera producción de la ópera en el Festival de Glyndebourne (la anterior databa de 1984), Robert Carsen puso el acento en el deseo sexual como el auténtico motor de la depravación de los personajes. El obsesivo uso del rojo y del púrpura, la presencia recurrente de los lechos revueltos en escena, la simbólica bañera en la que se suicida Séneca por mandato de Nerón, la misma en la que el Emperador, presentado como un psicópata bisexual y lascivo, asesina a Lucano después de un escarceo erótico entre los dos (invención pura de Carsen), la misma en la que Drusila toma un sugerente baño de espuma, pero también los combates amatorios entre los personajes (Popea y Nerón, Drusilla y Otón, Valletto y Damigella), escenas en las que, aunque se elude siempre el sexo y la desnudez explícitos, sugieren una intensa actividad carnal, todo esto, digo, deja claras las intenciones del regista: ese Amor que, salido del Prólogo, sirve de hilo conductor de toda la representación, es en realidad el Dios del sexo. Por encima de una escenografía algo convencional, articulada a base de telones, y de un vestuario moderno muy visto ya, la principal fuerza de la puesta en escena está sin duda en el minucioso trabajo con los actores, que acaba dominando la sensual Popea de Danielle de Niese.


Musicalmente, el peso descansa en la dirección detallista de Emmanuelle Haïm, que se esfuerza en acentuar colores, con añadido de flautas y percusiones, y en contrastar las escenas dramáticas con las cómicas. El amplio elenco tiene poco de monteverdiano, pero cumple sin alardes: brillante en cualquier caso De Niese, algo forzado el Nerón de la mezzo Alice Coote, muy corto de casi todo el Otón del contratenor Iestyn Davies, estupendas la Octavia de Tamara Mumford y la Drusila de Marie Arnet, rocoso el Séneca de Paolo Battaglia, aunque, por encima de las insuficiencias, siempre nos quedará Dominique Visse, absolutamente genial en su rol de Nutrice.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 18 de julio de 2009]


Claudio Monteverdi (1567-1643): L'INCORONAZIONE DI POPPEA
ópera en un prólogo y tres actos con libreto de Giovanni Francesco Busenello

Danielle de Niese, soprano (Poppea)
Alice Coote, mezzosoprano (Nerone)
Iestyn Davies, contratenor (Ottone)
Wolfgang Ablinger-Sperrhacke, tenor (Arnalta)
Tamara Mumford, mezzosoprano (Ottavia)
Dominique Visse, contratenor (Nutrice)
Paolo Battaglia, bajo (Séneca)
Lucia Cirillo, mezzosoprano (Valletto)
Marie Arnet, soprano (Drusilla)
Trevor Scheunemann, barítono (Mercurio, Console)
Claire Ormshaw, soprano (Damigella)
Patrick Schramm, bajo (Littore, Console)
Amy Freston, soprano (Amore)
Sonya Yoncheva, soprano (Fortuna)
Simona Mihai, soprano (Virtù)
Andrew Tortise, tenor (Soldato I, Lucano, Tribuno)
Peter Gijsbertsen, tenor (Soldato II, Liberto, Tribuno)

The Glyndebourne Chorus (Thomas Blunt, director)
Orchestra of the Age of th Enlightenment (Kati Debretzeni, concertino)
Directora: Emmanuelle Haïm

Director de escena: Robert Carsen
Escenografía: Michael Levine
Vestuario: Constance Hoffman
Iluminación: Robert Carsen y Peter van Praet

Director del vídeo: François Rousillon

Subtítulos en inglés, francés, alemán, español y chino

BONUS: Poppea in Glyndebourne
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2 DVD DECCA 074 3339 (Universal) [193' (ópera) - 41']
Grabación: Junio de 2008

Debussy, o la Modernidad

La crisis del Romanticismo derivó a principios del siglo XX en nuevas formas de entendimiento del arte. La tonalidad y el concepto clásico del tiempo musical, que encajaban las obras en estructuras fijas, cartesianas, reconocibles, con un principio, un desarrollo sujeto a determinadas normas y un final resolutivo y preestablecido, empiezan a resquebrajarse, aunque la renovación (o la ruptura, depende de cómo se entienda) no fue en absoluto unívoca ni lineal. La opción más exitosa fue, sin duda, la que plantearon los vieneses, esto es Arnold Schoenberg y sus discípulos, que llevarían a sus últimas consecuencias la disolución de la tonalidad mediante el dodecafonismo y el serialismo, una tradición triunfante en el cáotico mundo de la segunda posguerra e impuesta luego dogmáticamente hasta casi finales del siglo; pero a principios de la centuria otras modernidades eran posibles.

Por ejemplo, la que representaba Claude Debussy (1862-1918), que liberó a los sonidos de su función dramática y emotiva, eliminando entre ellos las relaciones jerárquicas clásicas y valorando cada uno de modo individual. "Estoy cada vez más convencido de que por su naturaleza misma la música es algo que no puede ajustarse a una forma tradicional y fija. Está formada por colores y ritmos", escribió. Debussy se alejaba así de la concepción de la armonía clásica, pero no lo hacía a la manera de los vieneses, enfatizando hasta el extremo las tensiones que provocan las disonancias, sino admitiendo a éstas como una parte más del discurso sonoro. Nada más opuesto a la exasperación y el expresionismo de Schoenberg que la música de Debussy, que es de una sutileza, una levedad y un refinamiento extraordinarios. Si en los vieneses la emoción sigue siendo centro vital de las composiciones, Debussy deshumaniza las suyas: le interesa atrapar un instante, una atmósfera, un color: su obra más conocida, El mar, es, por ejemplo, sensación pura, detrás de la naturaleza no hay ojo humano que la contemple. Por ello a su música se la ha llamado "impresionista".


Aunque dejó obras orquestales soberbias, una ópera imprescindible y piezas de cámara deliciosas, es en la música pianística donde el genio de Debussy se manifiesta de forma más directa y libérrima: es aquí donde la concepción del ritmo se revoluciona, como nos muestra en este CD el brasileño Nelson Freire (Boa Esperanza, 1944). Los maravillosos doce Preludios del Libro I, la suite el Rincón de los niños, el famoso Claro de Luna de la Suite Bergamasque y una pieza aislada, D'un cahier d’esquisses, sirven como perfectos modelos para entender cómo la música, aún formalmente tonal, puede dar apariencia de lo contrario, por el tratamiento flexible de la frase y la desaparición de las expectativas ligadas a la repetición de estructuras simétricas. Freire lo ofrece con una gradación de matices, una variedad en el color y un uso del rubato que potencian tanto el sentido evocativo de los Preludios como su inspiradora modernidad.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de junio de 2009]



DEBUSSY

Nelson Freire, piano

Claude Debussy (1862-1918)

1. Libro I de Préludes
I. Danseues de Delphes
II. Voiles
III. Le Vent dans la prairie
IV. "Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir"
V. Les Collines d'Anacapri
VI. Des pas sur la neige
VII. Ce qu'a vu le vent d'Ouest
VIII. La Fille aux cheveux de lin
IX. La Sérénade interrompue
X. La Cathédrale engloutie
XI. La Danse de Puck
XII. Minstrels

2. D'un cahier d'esquisses

3. Children's Corner
I. Doctor Gradus ad Parnassum
II. Jimbo's Lullaby
III. Serenade for the Doll
IV. The Snow is Dancing
V. The Little Shepherd
VI. Golliwogg's Cake-Walk

4. Clair de lune de la Suite bergamasque
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DECCA 478 1111 (Universal) [63'17'']
Grabación: Junio de 2008


Debussy: Des pas sur la neige [3'56''] Nelson Freire

Los amores de Cecilia

Pese a que dos años antes parecía haber dado por terminada su carrera como autor lírico, en el verano de 1743, Haendel trabajó sobre un libreto operístico basado en Ovidio, Semele, que a principios del siglo había escrito William Congreve para John Eccles, quien nunca llegó a terminar la obra. El texto estaba en inglés y, tras sugerir algunos arreglos a un adaptador cuyo nombre se desconoce, Haendel compuso a partir de él y en sólo un mes y un día (el autógrafo recoge las fechas del 3 de junio y el 4 de julio como las de inicio y finalización) una especie de híbrido entre oratorio y ópera, que no fue escrito para la representación, pero que porta en su seno la esencia del teatro. La indefinición genérica no ha beneficiado a la que es sin duda una de las mayores obras de Haendel, y de hecho, fuera de Inglaterra no es fácil verla escenificada. Sin embargo, en enero de 2007 Robert Carsen presentó para la Ópera de Zúrich una nueva producción de la obra, que ahora publica Decca en DVD y cuyo principal aliciente mediático era (y es) el protagonismo de Cecilia Bartoli.

La propuesta escénicamente minimalista de Carsen traslada la acción a nuestros días. Para un drama sobre la vanidad, los celos y la venganza, el regista canadiense recrea un ambiente acomodado e iguala a los dioses y a los humanos, dejando algunos rastros de sutil humor, como en la impagable primera escena del Acto II entre Juno e Iris, en la que se burla sin reparos de las ínfulas de la diosa, o en el final del Acto I cuando, justo antes de que Semele cante su famosa aria "Endless pleasure", presenta en escena periódicos que recogen en primera página las declaraciones de la protagonista tras ser raptada por Júpiter: "Estoy en el cielo".


Musicalmente, William Christie dirige al conjunto La Scintilla y al Coro del teatro suizo una versión impetuosa y fieramente dramática, no por ello desequilibrada ni ayuna de lirismo en los numerosos instantes de quietud que Haendel dispone en un contexto dominado por las pasiones más desatadas. Bartoli conquista por el singularmente sensual timbre de su voz, aunque los graves parecen cada vez más engolados, y el absoluto dominio técnico que la hace sentirse a sus anchas en el da capo lleno de florituras de "Myself I shall adore" o en las vocalizaciones de "I’ll be pleased with no less". Charles Workman demuestra una notable química con la mezzo romana y canta con pasión y excelente línea. El resto del elenco es también muy bueno: Liliana Nikiteanu es una delicada y algo ingenua Ino, Birgit Remmert una retorcida e histriónica Juno y la valenciana Isabel Rey una divertida Iris; el veterano barítono Anton Scharinger resuelve con variedad de recursos su triple papel (Gran Sacerdote, Cadmo y Somnus) y el contratenor Thomas Michael Allen convence con su homogéneo y muy bien fraseado Atamante.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 25 de abril de 2009]


Georg Friedrich Haendel (1685-1750): SEMELE HWV 58
oratorio/ópera en tres actos con libreto anónimo basado en uno anterior de William Congreve

Anton Scharinger, barítono (Cadmus y Somnus)
Cecilia Bartoli, mezzosoprano (Semele)
Liliana Nikiteanu, soprano (Ino)
Thomas Michael Allen, contratenor (Athamas)
Charles Workman, tenor (Júpiter)
Birgit Remmert, mezzosoprano (Juno)
Isabel Rey, soprano (Iris)

Coro de la Ópera de Zúrich
La Scintilla
Director: William Christie

Director de escena: Robert Carsen
Escenografía y vestuario: Patrick Kinmonth
Iluminación: Robert Carsen y Peter van Praet
Coreografía: Philippe Giraudeau

Director de vídeo: Felix Breisach
Subtítulos en inglés, alemán, francés, español y chino
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2 DVD DECCA 073 3323 (Universal) [154']
Grabación: Enero de 2007

Trascendencia inconveniente

Johann Sebastian Bach (1685-1750): CONCERTOS

Julia Fischer, violín
Alexander Sitkovetsky, violín II [en BWV 1043]
Andrey Rubtsov, oboe [en BWV 1060]
Academy of St. Martin in the Fields

1. Concierto para dos violines, cuerdas y continuo en re menor BWV 1043
2. Concierto para violín, cuerdas y continuo en la menor BWV 1041
3. Concierto para violín, cuerdas y continuo en mi mayor BWV 1042
4. Concierto para oboe, violín, cuerdas y continuo en do menor BWV 1060
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DECCA 478 0650 (Universal) [58'53'']
Grabación: 2008

Julia Fischer (Múnich, 1983) había dejado hace unos años en Pentatone una impresionante interpretación de las Sonatas y Partitas de Bach, de una hondura impropia de su corta edad, y ahora se acerca a los Conciertos (el BWV 1043 con Alexander Sitkovetsky de 2º violín y el BWV 1060 con el oboe de Andrey Rubtsov) con el acompañamiento de un clásico de los conjuntos de cámara, dejando una sensación agridulce: su musicalidad y su técnica son excepcionales, pero se detecta una especie de gesto inamovible de trascendencia que resta ímpetu juvenil a un repertorio que lo está pidiendo a voces.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 18 de abril de 2009]

Nacionalismo vasco en ópera

Francisco Escudero (1912-2002): GERNIKA
ópera en cuatro actos con libreto de Francisco Escudero, basado en un argumento de Luis Iriondo, con letra en euskera de Carmelo Iturria y Agustín Zubikarai

Ana María Sánchez, soprano (Gernika)
Manuel Lanza, barítono (Podio)
Gustavo Peña, tenor (Gogor)
Alfonso Echevarría, bajo (Aitona)
Enrique Baquerizo, barítono (Rey)
Fernando Cobo, tenor (Publio)
Gorka Gerrikabeitia, tenor (Aitor /Honorífico 2)
Luis Mª Uriarte, bajo (Aritz)
Jesús Arranz, barítono (Arkaitz)
Imanol Nebreda, tenor (Honorífico 1)
Urko Sangroniz, tenor (Heraldo / Jefe de tropa)
Loli Hernández, soprano (Monja)

Andoni Aleman, Ane Gabarain, Kiko Jauregi, Loinaz Jauregi, Josu Mitxelena, Miren Mitxelena, actores (Andoni Aleman, director)

Sociedad Coral de Bilbao (Iñaki Moreno, director)
Orquesta Sinfónica de Euskadi
Director: José Ramón Encinar
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2 CD DECCA 0028947667957 (Universal) [77'33'' - 44'55'']
Grabación: Noviembre y Diciembre de 2007

Gernika, segunda y última ópera de Francisco Escudero (San Sebastián, 1912-2002), se estrenó en versión de concierto el 25 de abril de 1987, el día del 50 aniversario del bombardeo de Guernica, acontecimiento que se recuerda en una obra musicalmente ecléctica y que asume el ideario nacionalista vasco. Nunca se ha representado. Primera grabación mundial ésta de Encinar al frente de la Sociedad Coral de Bilbao, la Sinfónica de Euskadi y un apreciable elenco de cantantes españoles: Ana María Sánchez, Manuel Lanza, Gustavo Peña, Alfonso Echeverría, Enrique Baquerizo y Fernando Cobo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 7 de febrero de 2009]


Escudero: "Madarikatu hori", primera escena del Acto IV de Gernika [3'48''] Solistas. Sociedad Coral de Bilbao. Orquesta Sinfónica de Euskadi. José Ramón Encinar

Plaza del árbol de noche. Gernika sentada bajo el árbol, en busca de soledad.
(Podio, acompañado de un jefe de tropa y varios hombres armados, portando antorchas de luz inquietante, se acerca a Gernika sigilosamente...)
Podio: (Colocando su mirada cerca de la de Gernika. En tono insultante, ríe a carcajadas) ¡¡¡Ja, ja, ja, ja!!!
Gernika: (Se le enfrenta furiosa y hace retroceder a Podio blandiendo su puñal) Madarikatu hori! Atzetik etorri haiz, maltzurkeriaz beterik! [¡Maldito! ¡Has venido por detrás, maldad absoluta!]
Podio: Bai, hermetxe naun, heu hiltzeko asmoz! [Si, aquí estoy, dispuesto a matarte!]
Jefe de tropa: (A Podio, interponiéndose entre ambos) Guk ez dugu emakumerik hiltzen! Izugarrikeria eta zitalkeria hirea! [¡Nosotros no matamos a mujeres! ¡A ti tamaña barbaridad y canallada!] (A sus hombres) Goazen!... [¡Vamos!...](Salen)
Podio: Hire lurrean arrastaka dabiltzan guztlak hilko dizkinat: umeak, gazteak eta zaharrak, denok hilko!... [Mataré a todo aquél con éxito en tus tierras: niños, jóvenes y viejos, ¡mataré a todos!...]
Gernika: (Interrumpe las palabras de Podio con un fuerte empujón) Prest naun aurka jokatzeko! [Estoy dispuesta a hacerte frente!]
(Podio, amenazante, poco a poco se acerca a Gernika; Gernika trata de zafarse... De repente, Podio avanza y da un golpe de espada en el puñal de Gernika,logrando echarla al suelo)
Gernika: (Sorprendida al verse desarmada) Oi! Nire labana! [¡Oh! ¡Mi puñal!]
Grupo de mujeres: (Desde dentro) O... A! [Oh... ¡Ah!]
Podio: (Con rudeza) Belaunikatu! Belaunikatu! [¡Arrodíllate! ¡Arrodíllate!] (La furia de Podio es cada vez mayor, tiene totalmente sitiada a Gernika) Hilko haut! Hilko haut orain! Bizia galduko, bizia galdu! Heriotza, heriotza, heriotza! [¡Te mataré! ¡Te mataré ahora mismo! ¡Perderás la vida, morirás! ¡Muerte, muerte, muerte!] (Podio hiere a Gernika)
Gernika: (Firme y potente) Zergatik? Adorez hilko nauk! Zutik hiltzeko gertu! [¿Por qué? ¡Perderé el aliento! ¡En pie, al borde la muerte!] (Siempre tranquila) Orduan... agur! [Entonces... ¡adiós!] (Grito) A! [¡Ah!]
Grupo de mujeres: (Desde dentro) O... A! O... A! O... A! [Oh... ¡Ah! Oh... ¡Ah! Oh... ¡Ah!]
(Podio, con pose de vencedor, toma una antorcha encendida y sale)
Gernika: (Grave y ansiosa) Oi! Gogor! Bihotzeko kutuna! [¡Oh! ¡Gogor! ¡Querido mío!] (Brillo. El atardecer se convierte en rojo, y luego negro) Laister dator... ordua! Agur! Minez! Nahigabez, agur! [Mi hora llega... ¡pronto! ¡Adiós! ¡Dolida! ¡Afligida, adiós!] (Resignada) Jarraitu nire gogoan! Ai! Ai! [¡Sigue en mi recuerdo! ¡Ay! ¡Ay!] (Muere)

P. S. Sinopsis de Gernika tal y como se recoge en el álbum de Decca:

La ópera se sitúa en territorio vasco en un tiempo remoto. Comienza con la presentación de Gernika, la heroína, que simboliza a la localidad vasca del mismo nombre, una joven y bella huérfana dotada de poderes adivinatorios, conductora del pueblo vasco. La muchacha medita sobre su origen, su identidad y su porvenir. No halla respuestas. Relata que tiene un amado, Gogor, y que siente preocupación por su pueblo. Se acerca Gogor, y entre Gernika y él tiene lugar el "dúo del amor callado", que es interrumpido por el sonido de una trompeta. Los enamorados divisan gente armada al otro lado del bosque y deciden dar parte de ello a Aitona, el anciano patriarca (acto I, cuadro 1), que se encuentra presidiendo una asamblea popular junto al árbol sagrado. Dicho grupo armado, dirigido por el Rey del Norte, hace su incursión en la vida pacífica e ideal de los vascos. El monarca les anuncia que el Rey del Sur pretende conquistar los pueblos del mundo entero y les ofrece su protección a cambio de que se conviertan en sus súbditos. Aconsejados por Gernika, los vascos suscriben un pacto de igualdad con el Rey del Norte mediante el cual éste es nombrado Señor –se argumenta que no pueden reconocerlo como monarca porque el rey de los vascos es el pueblo– a cambio del solemne juramento de respetar la libertad, la personalidad, las costumbres y las viejas leyes del pueblo (acto I, cuadro 2).

En el segundo acto, Podio, el jefe de las milicias reales, que se ha quedado prendado de la belleza de Gernika, trata de poseerla. Gernika lo rechaza y éste, furioso, profiere amenazas contra ella y contra el pueblo vasco, al que jura destruir. Gernika se queda sola y tiene una visión premonitoria de dicha destrucción –presagia el bombardeo de la villa de Gernika [sic] de 1937– (acto II, cuadro 1). En la siguiente escena, Podio, en nombre del Rey, otorga distinciones honoríficas a los tres vascos que se han destacado en hacer prosperar el pacto de igualdad, y anuncia al pueblo que se ha de ayudar al monarca con hombres y dinero, ya que éste se halla apurado por las noticias que le llegan desde el extranjero. Los vascos responden a Podio que son un pueblo libre, que no les corresponde cooperar con el monarca y que la petición va en contra de lo pactado. Un grupo de disidentes, no obstante, opina que es justo ofrecer hombres al Rey. Se pide el parecer a Gernika, quien dictamina que la petición de Podio hiere al pueblo debido a que atenta contra sus costumbres pacíficas y quebranta la palabra dada por el Rey. Siguiendo su opinión, los vascos toman la decisión de no entregar ni hombres ni dinero al monarca. Podio los insulta, jura de nuevo destruirlos y se marcha. Se desata una controversia. Los "honoríficos" y los "disidentes" están de acuerdo con Podio en que hay que formar un ejército fuerte que intimide al enemigo, y el resto de vascos considera que Podio los haría esclavos de sus caprichos, y que, obrando así, perderían su libertad y, por tanto, su identidad, por lo que dejarían de ser pueblo. Los "honoríficos" y los "disidentes" resuelven unirse a Podio. Aitona sufre por la desavenencia: "Lloro, sufro, por mi pueblo [...]", dice. Gernika pide a Ortzi, ser supremo, que los ilumine. "Curar al pueblo de su enfermedad, reinstaurar nuestra unidad fraternal [...]", manifiestan Gernika y Aitona. Junto con el grupo de mujeres, proclaman la libertad y la unión entre los vascos (acto II, cuadro 2).

En el tercer acto, el malvado y ambicioso Podio trata fallidamente de matar al Rey del Norte, que descansa en "un caserío" vigilado por un centinela (acto III, cuadro 1). Gernika presagia de nuevo la devastación de su pueblo, al que ve destruido (acto III, cuadro 2). Seguidamente, visiona con detalle el bombardeo de la villa vizcaína de Gernika [sic].. La acción se traslada a esta localidad y se sitúa el 26 de abril de 1937 a las cuatro y media de la tarde. Se representa el histórico bombardeo al que la ópera rinde homenaje (acto III, cuadro 3).

En el cuarto acto, Podio acecha de noche a Gernika. Ésta saca una daga para defenderse. Podio se dispone a matarla. "¡Estoy dispuesta a hacerte frente!", le dice la heroína. Éste la desarma, le ordena que se arrodille y la hiere de muerte. Gernika le replica: "¡En pie, al borde la muerte!". Fallece recordando a su amado Gogor. Podio la quema en una pira. Seguidamente, llegan los vascos, prisioneros, y ven a Gernika muerta, ardiendo. Podio acusa a Gogor del asesinato y de la quema de Gernika. Sin embargo, uno de los jefes de tropa descubre a Podio y lo inculpa. Llega el rey del Norte, quien relata que este último ha intentado matarlo. Gogor se dirige a Podio: "Has mancillado mi nombre y me has agraviado con mentiras. ¿Por qué has querido manchar mi nombre?" "Recuerdo a Gernika, mi amada... Quería a Gernika, como a una madre. ¡Me he quedado huérfano de repente, sin madre, sin pueblo, sin Gernika!". Se dispone a acabar con él, pero Aitona lo detiene: no merece la pena manchar la espada con sangre envenenada. El Rey se ocupará de castigar a Podio. Aitona exclama en nombre de los vascos: "El dolor nos invade [...] Sin embargo, nuestra semilla revivirá, se reproducirá generación tras generación y el mundo gritará cuando vuelva a tener noticias de nosotros [...]". El Rey reconoce a los vascos como pueblo. "¡Honrad a los muertos por nosotros!", "¡Rindamos tributo a Gernika!", gritan todos. La ópera concluye con una asamblea similar a la que ha tenido lugar en el primer cuadro del primer acto, antes de la llegada del grupo armado. Se advierte la ausencia de quienes han fallecido en la guerra. La vida del pueblo vasco continúa. Gernika permanece en la memoria colectiva: "Gernika ha caído, pero no se ha perdido; ¡ha caído, pero NO se ha perdido!".