El virtuoso sereno

ROSS

17º Programa de abono de la Temporada 2009-10. Solista: Ludmil Angelov, piano. Director: Michal Nesterowicz. Programa: Gerok de Isabel Urrutia; Concierto para piano y orquesta nº1 en mi menor Op.11 de Frédéric Chopin; Sinfonía nº1 en do mayor Op.21 de Ludwig van Beethoven. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 20 de mayo. Aforo: Dos tercios.

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EL VIRTUOSO SERENO Y UN POLACO DEL CONO SUR

Como complemento al ciclo chopiniano que viene ofreciendo en la Sala Manuel García del Maestranza, el pianista búlgaro afincado en España Ludmil Angelov ofreció con la ROSS el primer concierto del gran maestro polaco, y lo hizo aplicando el mismo estilo sereno, claro, elegante, apoyado en el legato y en un uso comedido pero muy expresivo del rubato que viene mostrando en la sala pequeña del coliseo del Paseo Colón. Virtuosismo distinguido, sin alardes ni fuegos artificiales, sin contrastes extremos de dinámicas ni colores exuberantes, aplicándose en la nitidez de la línea y en la precisión rítmica y con un tratamiento más bien sobrio de la ornamentación.

El polaco Michal Nesterowicz (1974), un ganador del prestigioso Concurso de Cadaqués, que es actualmente director artístico de la Sinfónica de Chile, acompañó desde ese mismo comedimiento, con una mirada muy clásica, que en el Larghetto central pudo parecer incluso fría. Antes había ofrecido una lectura un tanto adusta de Gerok de la vizcaína Isabel Urrutia (Algorta, 1967), obra que en su tratamiento por grupos orquestales (por momentos, me hizo pensar en una especie de concerto grosso) parecía ofrecer unas posibilidades de penetración y variedad tímbrica que se quedaron en promesa, sin que haya podido dilucidar si se trató de un efecto de la obra, de la interpretación o de mi oído.

Por edad, Nesterowicz ha crecido sin duda con la referencia de los modernos criterios interpretativos aplicados al Clasicismo, y eso se notó en un Beethoven claro y brioso, de tempi rápidos, vibrato muy reducido, fraseo corto y apreciable equilibrio, y ello a pesar del empleo de un contingente de cuerdas (10/8/8/6/4) que es aún algo mayor del que los conjuntos más audaces aplican ya en la interpretación de esta 1ª sinfonía, que bebe de las claras y refinadas fuentes haydnianas y mozartianas.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 21 de mayo de 2010]

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Color y humor

ROSS

16º Programa de abono. Solistas: Henriette Bonde-Hansen, soprano; Piotr Szymyslik, clarinete. Programa: Concierto en fa de Philippe Gaubert; Valses nobles y sentimentales de Maurice Ravel; Primera rapsodia para clarinete y orquesta de Claude Debussy; Correspondances de Henri Dutilleux; Sinfonietta de Francis Poulenc. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 13 de mayo. Aforo: Menos de media entrada.

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COLOR Y HUMOR

Marc Soustrot (Lyon, 1949) se ha convertido en un habitual de la ROSS, básicamente con programas dedicados a la música francesa (y con Wagner), como el de ayer, que recorría el último siglo de composición en el país vecino. Con su habitual gesto vehemente, pero claro, Soustrot fue presentando hasta cinco obras de cinco compositores diferentes, escritas entre 1911 y 2004, que venían a mostrar la peculiar vía a la modernidad que siguieron los maestros galos enfrentados a la crisis de la tonalidad, un camino bien diferente al de los vieneses.

La importancia del timbre, del color, del ritmo, la inclusión de la disonancia como una parte más del discurso musical, evitando el énfasis expresionista, son características todas ligadas a un modo de entender el arte de los sonidos del que Soustrot parece un eslabón más.

Supo así dotar a la orquesta raveliana de su tornasolada variedad de colores, de su riqueza rítmica y su sensualidad tímbrica en uno de los momentos más felices de la noche. Algo más desajustado pareció su acompañamiento al muy virtuoso Piotr Szymyslik, solista de la orquesta, en la bella Rapsodia de Debussy, que sonó más intensa que sutil. Sin embargo, con el sugerente ciclo de canciones Correspondances de Dutilleux, obra escrita en 2003, pero que conserva toda la esencia de la música francesa, la bellísima voz lírica de la soprano danesa Henriette Boden-Hansen se vio arropada con calidez y delicadeza.

Punto y aparte merece Poulenc, que al color y el lirismo característicos de sus compatriotas unió la claridad diatónica de los neoclásicos y un sentido del humor que Soustrot supo remarcar en los tiempos rápidos. El concierto lo abrió una obra más bien insustancial de Philippe Gaubert.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 14 de mayo de 2010]

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Lecciones alucinógenas

TALLER SONORO

Ciclo de Música Contemporánea. Componentes: Jesús Sánchez, flauta; Camilo Irizo, clarinete; Andrés Martínez, trompeta; Guillermo Martínez, saxofón y dirección; Baldomero Lloréns, percusión; Ignacio Torner, piano; Antonio Duro, guitarra eléctrica; Estanislao Waflar, bajo eléctrico; Xavier Gil, violín; Manuel Ascanio, viola; María del Carmen Coronado, violonchelo; Javier Campaña, electrónica; Antonio Valiente, iluminación. Programa: Fondamenta de Olga Neuwirth; Professor Bad Trip: Lessons I, II y III de Fausto Romitelli. Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 12 de mayo. Aforo: Tres cuartos de entrada.

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LECCIONES ALUCINÓGENAS

Taller Sonoro amplió su habitual formación de septeto para ofrecer la segunda audición española (la primera tuvo lugar ayer, en Granada) de una obra más que singular, Professor Bad Trip de Fausto Romitelli, un compositor italiano fallecido en 2004 con apenas 40 años y que ha sido uno de los músicos que más en serio se ha tomado la integración de procedimientos del rock (no su estructura armónica ni melódica, sino "el tratamiento electroacústico y el gesto instrumental") en la creación académica de vanguardia.

Inspiradas en lecturas de las obras escritas por Henri Michaux bajo los efectos de la mescalina y en trípticos de Francis Bacon, las tres Lecciones de Professor Bad Trip buscan la conmoción del oyente mediante un intento de provocar experiencias de percepción cercanas a las de los estados alucinatorios, para lo cual Romitelli recurre a la electrónica, a la distorsión instrumental y al tratamiento tres veces repetido de un material que se transforma y se reinventa permanentemente a sí mismo entre convulsiones, estallidos y silencios, en el intento de crear un ritual hipnótico, pero que en absoluto es dejado al albur de la inspiración, pues el exquisito detalle en la escritura revela una clara intención de controlar todos los parámetros del sonido. Obra posmoderna, pero de notabilísima complejidad, que nos desveló a un Taller Sonoro atentísimo a cada matiz y a cada gesto. Como introducción a la experiencia inefable de Romitelli, la breve Fondamenta de Olga Neuwirth resultó sugerente en su continuo coqueteo con el silencio.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 13 de mayo de 2010]



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Clásicos modernos

ZAHIR ENSEMBLE

Ciclo de Música Contemporánea. Solistas: Marie-Annick Béliveau, mezzosoprano; Javier Trigos, clarinete. Director: Juan García Rodríguez. Programa: Le marteau sans maître de Pierre Boulez; Inscriptio de José María Sánchez Verdú; Ballet mécanique de George Antheil. Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 5 de mayo. Aforo: Casi lleno.

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CLÁSICOS MODERNOS

Jornada histórica en el Teatro Central con la interpretación por primera vez en Sevilla de dos grandes clásicos del siglo XX. Poco importa que hayan pasado 83 años desde la concepción original de El ballet mecánico y 53 desde que Boulez concluyera su ciclo El martillo sin dueño; la sensación en la sala (por una vez en este ciclo casi llena) era de que la modernidad nos alcanzaba.

La sesión tenía el valor añadido de que la obra de George Antheil se ofreciera conjuntamente con la proyección de la película para la que fue originalmente concebida, obra dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con fotografía de Man Ray. Interpretación musical muy singular, con dos pianos y ocho percusionistas, además de una cinta pregrabada donde se incluían las sirenas y las hélices previstas en el original junto a diferentes secuencias instrumentales. No deja de resultar sorprendente el impacto que llegan a causar aún hoy las imágenes futuristas de Murphy y Léger revestidas por el sentido de ritual mecanicista que sostiene la música de Antheil, verdadero enfant terrible del París de los años 20.

No menos extraordinaria resultó la primera audición sevillana de una de las obras fundamentales de la vanguardia de los 50. Pasado medio siglo, El martillo sin dueño sigue apreciándose como un faro de nuestro tiempo en el que acaso haya envejecido la insistencia en la recreación del gamelán balinés (recurso al vibráfono), pero la levedad y ligereza que transmite el conjunto gracias a la ausencia absoluta de énfasis expresivo, la variedad y refinamiento del trabajo textural y tímbrico y ese puntillismo tan bouleziano siguen provocando la sensación del descubrimiento. Béliveau hizo un impecable trabajo con su voz, estupendamente secundada por un conjunto que desafió con éxito al tiempo y a la rutina. Como broche, Javier Trigos puso Inscriptio de Sánchez Verdú como un gozne espectacular entre las dos partes de un concierto inolvidable.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 6 de mayo de 2010]

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Superficialidad y embeleso

ROSS

14º Programa de abono de la Temporada 2009-10. Solista: Akiko Suwanai, violín. Director: Pedro Halffter. Programa: Passacaglia y fuga en do menor BWV 582 de J. S. Bach en transcripción de Leopold Stokowski; Concierto para violín nº1 en sol menor Op.26 de Max Bruch; Finlandia Op.26 y Sinfonía nº7 en do mayor Op.105 de Jean Sibelius. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 29 de abril. Aforo: Media entrada

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ENTRE LO SUPERFICIAL Y EL EMBELESO SONORO

El trabajo de Stokowski sobre Bach es un ejercicio de suntuosidad orquestal que Halffter leyó de modo más bien superficial, sin pasar del nivel de la brillantez sonora, sin penetrar en el sustrato de ese fastuoso colorido, que sostiene una de las más grandes obras organísticas jamás escritas.

El ardor resultó en cambio muy atractivo en el acompañamiento a la japonesa Akiko Suwanai (1972), que puso su espectacular Stradivarius al servicio de un Concierto de Bruch de encendido romanticismo, que la violinista, muy elegante en gestos y musicalidad, supo equilibrar con un sonido más afilado que carnoso y un depurado lirismo en el tiempo lento.

Para la segunda parte, Halftter se dejó principio y fin de la obra orquestal de Sibelius: todo un mundo separa la épica nacionalista de Finlandia de la concentración esencialista de la 7ª Sinfonía. Pero aquí el maestro madrileño se mueve de manera excepcional. En Finlandia calibró de forma extraordinaria intensidades y volúmenes, logrando el tono heroico que exige la pieza, merced a una respuesta de exquisita precisión del conjunto.

Su lectura de la 7ª se volcó del lado de cierto hedonismo de corte decadentista. Fue una visión filtrada por el tardorromanticismo alemán, sin esos perfiles agrestes y cortantes, más modernos, que también contiene la obra, pero lo cierto es que Halffter logró un sonido de una belleza por completo extasiadora: el equilibrio entre secciones, el peso exacto de la cuerda, la claridad de las maderas, la forma de empastar los metales, la resonancia cuasi religiosa de los trombones en el final causaron auténtico embeleso.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 30 de abril de 2010]

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El corazón del sonido

ZAHIR ENSEMBLE

Ciclo de Música Contemporánea de Zahir Ensemble. La música francesa del siglo XX. Solistas: Javier Trigos, clarinete; Dieter Nel, violonchelo; Antonio Flores, electrónica. Director: Juan García Rodríguez. Programa: Dérive 1 y Dialogue de l’ombre double de Pierre Boulez; Donc y Espace brisé de Jorge Fernández Guerra. Lugar: Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol. Fecha: Miércoles 27 de abril. Aforo: Dos tercios.

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ECOS DESDE EL CORAZÓN DEL SONIDO

Las breves introducciones que hasta ahora habían abierto los conciertos de este espléndido ciclo de Zahir Ensemble en torno a la música francesa del siglo XX, se extendieron ayer más de lo normal, pero la excepcionalidad valió la pena, pues Jorge Fernández Guerra (Madrid, 1952) argumentó con admirable y didáctica claridad la causa de la crisis de las vanguardias de posguerra, vinculándola a la experimentación con el espectro sonoro, que llevó a las nuevas generaciones de compositores a penetrar en el corazón del sonido para desmontar los dogmáticos planteamientos racionalistas de sus mayores.

El tema no era baladí, pues se programaban dos obras de uno de los santones del serialismo integral de los 50, Pierre Boulez (Montbrison, 1925), cuya música también se vio conmovida por las formas más comunicativas, expresivas y sensuales que empezaron a florecer en los años 80. Tanto en Dérives 1 (1984) como, sobre todo, en la formidable Dialogue de l’ombre double (1985) obra en la que un clarinete solista dialoga (se enfrenta) a una banda magnética grabada previamente por el propio clarinetista que se expande a través de seis altavoces distribuidos por la sala, el timbre y el juego con la espacialidad y las resonancias adquieren una importancia decisiva. Como en algún otro tour de force con este mismo grupo (recuerdo su impresionante Clair de Donatoni), Javier Trigos fue un prodigio de concentración, claridad, flexibilidad y capacidad de matización, dejando el que será sin duda uno de los momentos más memorables de este ciclo.

Del propio Fernández Guerra se escucharon Donc, para violonchelo solista (impecable Dieter Nel en su contrastadísimo trabajo), obra recién estrenada en París y que hacía su presentación española; y Espace brisé (1994), un cuarteto que se sumerge justo en la dialéctica promovida por el cambio de paradigma de las vanguardias finiseculares.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 28 de abril de 2010]

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Detalle sin sustancia

ROSS

13º de abono de la Temporada 2009-10. Solista: Nathalie Stutzmann, contralto. Director: Paul Goodwin. Programa: Obertura de las Hébridas de Mendelssohn; Noches de estío de Berlioz; En un jardín de verano de Delius y El pájaro de fuego (Suite de 1919) de Stravinski. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 15 de abril. Aforo: Media entrada.

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DETALLE SIN SUSTANCIA

La contralto francesa Nathalie Stutzmann se está convirtiendo en una habitual de los escenarios sevillanos. No hay año que no la tengamos una o dos veces con nosotros. Ayer volvió a colaborar con la ROSS con uno de esos ciclos que hacen las delicias de cualquier cantante, las Nuits d'été de Berlioz. Paul Goodwin redujo considerablemente la orquesta conocedor de que la voz de la cantante no es grande (en alguna visita anterior sufrió demasiado en el Maestranza por esta razón) y Stutzmann recompensó con una interpretación muy matizada y expresiva (especialmente en los pasajes más sombríos) y de graves por completo espectaculares, aunque acaso algo monocroma. La orquesta fue capaz de crear, de cualquier forma, la tornasolada atmósfera que exigen las canciones, aunque con una sonoridad más camerística que sinfónica.

Goodwin, un gran oboísta crecido en el mundo del Barroco, había ofrecido antes un Mendelssohn de amplio aliento y, tras la pausa, un Delius bien equilibrado entre las atmósferas impresionistas y el preciosismo melódico que va pasando de unas secciones a otras de la orquesta.

Algo más discutible resultó su Stravinski, hecho con una atención al detalle que le hizo perder la visión de conjunto. La "Ronda de las princesas" resultó demasiado blanda en acentos, con algunas intervenciones solistas más bien desangeladas (violonchelo) y, aunque puede entenderse todo ello como algo premeditado para enfatizar el contraste con el acorde en fortissimo del principio de la "Danza infernal de Katstchei", el edificio se resintió. Aunque hubo finura en las formas, faltó tensión en demasiados pasajes (otra vez en la "Berceuse") y en el "Final" el maestro británico trató de ser demasiado original con unos cortantes acordes en staccato que no resultaron muy lucidos y luego con un estrepitosamente fallido piano subito antes del crescendo definitivo, que apenas sirvió como liberador de toda la tensión (mal) acumulada.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 16 de abril de 2010]

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Nocturnal levedad

ENSEMBLE NEOARS

Ciclo de Música Contemporánea. Componentes: Juan Carlos Chornet, flauta; Carlos Gil, clarinete; Eugenio Pérez, trompa; Antonio Jesús Cruz, piano; Marc Paquin, violín; Kathleen Balfe, violonchelo. Programa: Discordia de Mari Carmen Sánchez Barrionuevo; Popol Vuh de Enrique Busto; Sonata para clarinete de David del Puerto; Mirrors de Kaija Saariaho; Eclipse de Miguel Gálvez; Horizontes de silencio de Iluminada Pérez Frutos; Oasis de Marisa Manchado; De cuanto pude escucharme de Francisco José Martín Quintero; Traces III de Martín Matalón; Episodios de Jesús Torres. Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 14 de abril. Aforo: Media entrada.

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ESTRENOS DE NOCTURNAL LEVEDAD

El programa presentado por el espléndido Ensemble neoArs demostró la importancia que ha adquirido el timbre en la música actual, hasta el punto de que prácticamente en todas las obras escuchadas alcanza la categoría de estructural (si acaso puede exceptuarse el muy sólido quinteto del zaragozano Jesús Torres). Una preocupación por el timbre (y la textura) que se hizo muy especial en los cuatro estrenos de la noche, primero los de dos alumnos de la Cátedra Manuel de Falla de 2009 (Mari Carmen Sánchez Barionuevo, Enrique Busto), que aunque desvelaron de forma evidente el influjo del estilo del algecireño Sánchez Verdú, en el caso de la jovencísima linarense filtrado por su maestro Cruz Guevara, dejaron notas de sugerente buen hacer; después, el de la extremeña Iluminada Pérez Frutos, que mostró un trabajo de extrema exquisitez, con dinámicas finamente cinceladas en torno al silencio y una atmósfera general de nocturna levedad que jugó parte importante también en la poética de la pieza presentada por la madrileña Marisa Manchado, de singular puesta en escena.

Con el punto de humor que puso David del Puerto y su microsonata clarinetística y el subyugante juego de ecos de la obra para trompa y electrónica del argentino Martín Matalón, fue esta obsesión por la búsqueda explícita de sonoridades nuevas, combinando ortodoxia y deconstrucción, y el coqueteo con las dinámicas más tenues hasta su disolución en el silencio las notas que caracterizaron un concierto que sirvió para mostrar la buena salud de la actual música española.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 15 de abril de 2010]

P. D. Restituyo aquí el "Nocturnal" del titular, que en la mesa de cierre transmutó en "Nocturna", lo que, incluso dejando de lado la pérdida del guiño al gran Edgar Varèse, no es lo mismo...

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Hipnótico

AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ

Ciclo de Música Contemporánea. Componentes: Pau Ballester, Jesús Salvador Chapi y Ángel García. Invitados: Carles Salvador, José Luis Carreres, percusión; Daniel Flors, bajo eléctrico. Programa: Okho de Iannis Xenakis, Tierkreis de Karlheinz Stockhausen y Suite Zappa, arreglos de Jesús Salvador Chapi sobre obras de Frank Zappa (Black Page, Inca Roads, Echidna's Art (Of You)). Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 7 de abril. Aforo: Media entrada.

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HIPNÓTICO PASEO POR EL RITMO DE LAS VANGUARDIAS

Recién cumplidos sus 20 años de existencia, el valenciano Grupo de Percusión Amores se mueve con admirable soltura en un terreno de la música actual que va sin remilgos del minimalismo al rock, sin olvidarse de las vanguardias históricas. Lo mostró en el Central con una actuación de deslumbrante vitalidad y gran sentido del espectáculo, que en su segunda parte estuvo dedicada al inclasificable Frank Zappa, del que Jesús Salvador ha arreglado en forma de suite tres de sus canciones de los años 70, atrapadas admirablemente en interpretaciones que mostraron tanto su extraordinaria riqueza rítmica como la fantasía con la que han sido concebidos unos arreglos de arrollador potencial hipnótico.

Otro tipo de hipnosis causó Tierkreis de Stockhausen, obra que deja gran libertad al intérprete, se mueve en un terreno no alejado de la música repetitiva y se asienta en una simplicidad naïve y mecánica que se reforzó tanto con el uso de cajas de música y un teclado de plástico como con un final sorprendente, con los intérpretes fuera de una escena a oscuras, mientras una caja de música se va apagando con lentitud. El concierto se había iniciado con Okho, una obra acaso menor de Xenakis, pero con su habitual potencia expresiva de carácter telúrico.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 8 de abril de 2010]

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Incisivo lirismo expresionista

CUARTETO PACIFICA

Ciclo de Música Contemporánea. Componentes: Sinin Ganatra, violín I; Sigurbjörn Bernhardsson, violín II; Masumi Per Rostad, viola; Brandon Vamos, violonchelo. Programa: Cuartetos de cuerdas nos 1 y 5 de Elliott Carter. Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 24 de marzo. Aforo: Un tercio de entrada.

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INCISIVO LIRISMO EXPRESIONISTA

El ciclo de contemporánea del Central rindió homenaje al decano de los compositores actuales, el norteamericano Elliott Carter (Nueva York, 1908), auténtica memoria viva de la música del último siglo, y lo hizo ante un público escaso, pero de manera extraordinaria, pues, llegado desde la patria del compositor, el Cuarteto Pacifica mostró las razones de su prestigio ofreciendo el alfa y el omega de la dedicación cuartetística del músico, un corpus de cinco obras que el conjunto ha trabajado directamente con su autor y ha registrado, con unánimes elogios de la crítica internacional, para el sello Naxos.

El Pacifica ofreció dos obras separadas por más de 40 años, pero que mantienen algunas constantes de las preocupaciones estéticas de Carter, especialmente el sentido expresionista y la obsesión por el ritmo, que resulta de una fascinante variedad y, al tiempo, de una endemoniada dificultad para los intérpretes.

El Cuarteto nº1 (1951) es una obra soberbia, anclada aún en la gran tradición del género y que, desde la titubeante cadencia inicial expuesta por el violonchelo hasta el delicadísimo morendo final del primer violín, está atravesada por infinidad de acontecimientos sonoros, que alcanzan naturaleza plenamente dramática cuando en el Adagio Carter opone el carácter contemplativo de la melodía que tocan los dos violines con sordina al crispado y violento recitativo que exponen la viola y el violonchelo. La intensidad de las Variaciones finales abundan en la misma línea expresionista, que quedó admirablemente retratada en una interpretación de una energía, una claridad, un equilibrio, un refinamiento y un lirismo demoledores.

El Cuarteto nº5 (1995) es pieza mucho más breve, también más fragmentada, pero igual de densa, expresiva y exigente con unos intérpretes que mostraron toda la vitalidad que alentaba entonces en un hombre de 87 años. El hermoso final en pizzicato fue luego puesto en valor al contrastarse con la interpretación fuera de programa del Allegretto pizzicato del Cuarteto nº4 de Béla Bartók.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 25 de marzo de 2010]

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La vía francesa a la modernidad

ZAHIR ENSEMBLE

I Ciclo de Música Contemporánea Zahir Ensemble. Solistas: Joan Espina, violín; Francisco Bernier, guitarra. Director: Juan García Rodríguez. Programa: Obras de López López, Honegger, Poulenc y Milhaud. Lugar: Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol. Fecha: Martes 23 de marzo. Aforo: Dos tercios.

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LA VÍA FRANCESA A LA MODERNIDAD

Liderado por Jean Cocteau, el grupo francés de Los Seis entendía la modernidad musical de modo bien diferente a como lo hacían Schoenberg y sus seguidores. Cercanos al neoclasicismo stravinskiano, Les Six optaban por un discurso claro, diáfano, que se pretendía cercano al habitante medio de las ciudades, con ribetes de humor e ironía y recurso indisimulado al jazz. Así se configura por ejemplo el ballet La creación del mundo de Milhaud, que cerró el concierto en una versión muy atenta al ritmo y al color, si acaso con contrastes algo secos y ocasionales pérdidas de la claridad.

El Sexteto para piano e instrumentos de viento de Poulenc resultó vivaz y elegante, mientras que la Sonata para violín de Honegger contradice el estilo de la escuela, pues se trata de una pieza dramática, de carácter casi expresionista, que logró transmitir a la perfección Joan Espina con su versión de ataques afilados y cierto tono de crispación.

Como compañero de viaje de los Seis, dos obras del madrileño López López, la magistral Viento de otoño, obra de 1998 para una auténtica orquesta sinfónica en miniatura (todos los instrumentos están representados) y que se caracteriza por un trabajo exquisito con las texturas, que determina un auténtico estudio del color y las atmósferas; y Black Ink (1997), para la guitarra sola, que bordó Bernier.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 24 de marzo de 2010]

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Danzas de Versalles en el Alcázar

THE HARP CONSORT

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla. Componentes: Steven Player, danza y guitarra; Mercedes Hernández, soprano; Nancy Hadden, flauta travesera y flautas dulces; Clare Salaman, violín y zanfoña; David Hatcher, viola da gamba; Andrew Lawrence-King, arpa triple. Director: Andrew Lawrence-King. Programa: Choréographie: música para los maestros de danza de Luis XIV. Lugar: Salón de los Tapices del Real Alcázar. Fecha: Sábado, 20 de marzo. Aforo: Casi lleno.

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DANZAS DE VERSALLES EN EL ALCÁZAR

La música escénica de la Francia de Luis XIV estuvo profundamente marcada por la danza, que el propio rey practicaba de manera cotidiana. Andrew Lawrence-King estructuró inteligentemente el programa en cinco entradas y Steve Player mostró con desparpajo y elegancia cómo se bailaban chaconas, pavanas, correntas o bourrées en la corte versallesca del Rey Sol. El multiinstrumentista y bailarín americano conserva una forma espléndida, a pesar de que los años pasan y ya no es aquel joven atrevido que los buenos aficionados recordarán de hace quince años en Utrera.

La soprano gallega Mercedes Hernández fue otra de las sorpresas agradables de la noche, por su hermoso centro y su buen gusto en el fraseo, que compensó de sobra pequeñas tiranteces en los agudos y unos graves sin proyección suficiente. Fue la parte instrumental la menos convincente del espectáculo. Claro que Lawrence-King es un maestro del arpa, y sus preludios fueron pequeñas gemas engarzadas en la sonoridad global del grupo, que resultó un tanto alicaída en las piezas más tiernas (esa entrada de los españoles de La Europa Galante) y falta de una mayor fluidez en los instrumentos superiores (flautas y violín), cortos de fantasía y variedad ornamental.

[Publicado en Diario de Sevilla el domingo 21 de marzo de 2010]

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Hay muchos mundos en Bach

PIERRE HANTAÏ

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla (Femás'10). Pierre Hantaï, clave. Programa: Obras de Johann Sebastian y Wilhelm Friedemann Bach. Lugar: Casa de la Provincia. Fecha: Viernes 19 de marzo. Aforo: Casi lleno.

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HAY MUCHOS MUNDOS EN EL MUNDO DE LOS BACH

El traslado del inicialmente previsto Salón de los Tapices del Alcázar al pequeño patio de la Casa de la Provincia acabó resultando beneficioso para el concierto ofrecido por Pierre Hantaï (París, 1964), pues el escaso público tuvo la posibilidad de estar mucho más cerca del intérprete, disfrutar de asientos más confortables y de una mejor acústica.

Con el mismo instrumento que ya utilizara la semana pasada Trevor Pinnock para su recital de la Sala Joaquín Turina de Cajasol (una excelente copia de un Lablache de fines del siglo XVII que es propiedad del sevillano Alejandro Casal), Hantaï lució lo mejor de su estilo, que se asienta en una flexibilidad y una fluidez de fraseo de naturaleza poética que trasciende por completo el indudable virtuosismo del intérprete. Si en Pinnock la agilidad manual se colocaba en primer plano de la atención del espectador, aquí su papel resulta secundario, pues el oyente se ve inmerso en todo un universo plagado de pequeños matices que le exigen su participación. Con un tratamiento variadísimo de la articulación (legato y staccato combinados de mil formas), un uso notablemente sobrio de los diferentes registros del instrumento y una ornamentación de exquisita sutileza, el gran maestro francés confrontó a Bach con su primogénito Wilhelm Friedemann, alumno aventajadísimo.

Se juntaron en realidad varios mundos en el concierto de anoche: por un lado, el del contrapunto del Clave bien temperado (Libro II) y sus retazos didácticos del Clavierbüchlein que el gran Sebastian elaboró para la formación del hijo; por otro, el de la danza cortesana, que representó la Suite inglesa nº4; finalmente, el de la fantasía un poco fuera de su tiempo, con atisbos de sensibilidad prerromántica de las obras de Friedemann, cuyo homenaje (en 2010 se cumplen 300 años de su nacimiento) no habría podido dejar el festival sevillano en más elegantes y fértiles manos.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 19 de marzo de 2010]

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Deslumbrante vitalidad

ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla. Solistas: Monica Piccinini, soprano; Carlos Mena, contratenor. Concertino-Director: Enrico Onofri. Programa: L'Italia, i suoi linguaggi: Concerto grosso en re mayor Op.6 nº1 de Arcangelo Corelli; Concierto nº3 en sol menor para cuerdas y continuo de Giovanni Battista Sammartini; Concierto en re mayor para violín, cuerdas y continuo RV 208 Il grosso Mogul de Antonio Vivaldi; Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi. Lugar: Iglesia de San Marcos. Fecha: 18 de marzo. Aforo: Lleno.

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DESLUMBRANTE DEMOSTRACIÓN DE VITALIDAD ARTÍSTICA

La Orquesta Barroca de Sevilla vive los más brillantes momentos artísticos de su ya de por sí brillantísima trayectoria. Esto es, por supuesto, una apreciación personal, pero que comparten prácticamente todos aquellos a los que he podido consultar y que siguen el día a día de las peripecias del conjunto. Quería empezar haciendo esta declaración por si en las próximas semanas les llega el ruido inconfundible de su virtual demolición. Será una ignominia. Siendo imprescindibles y de altísimo nivel los proyectos del Maestranza y de la ROSS, el de la OBS es aún más competitivo dentro del ámbito en el que se desenvuelve. Comparen ustedes costos y beneficios, miren en qué se van sus impuestos y saquen sus conclusiones.

El categórico juicio con el que inicio esta reseña parece más fácil de defender después del prodigioso concierto de ayer en San Marcos. No contento con deslumbrar el domingo con una de las más portentosas actuaciones musicales que se recuerden en la ciudad, Enrico Onofri hizo vibrar al conjunto sevillano con un programa puramente italiano que fue desgranado con una pasión y una intensidad sólo comparables a la delicadeza de los contrastes, el refinamiento del fraseo y la variedad de recursos que el gran maestro italiano obtuvo del grupo.

Desde el primer Largo del Op.6 nº1 de Corelli, absolutamente embriagador, hasta el delirante Amén del Stabat Mater de Pergolesi, Onofri aplicó su concepto básico para este repertorio: dramatismo. Hay quien se queda en la superficie, atónito ante los contrastes de dinámica o tempi impulsados desde su violín, pero eso no es lo esencial: lo importante es cómo el fraseo, los acentos, los ataques, los matices de todo tipo están dirigidos a un único fin: transmitir en toda su pureza y su hondura una música de una luz, una sensualidad y una viveza arrasadoras. Piccinini y Mena se plegaron sin mácula a la idea.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 19 de marzo de 2010]

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Una fantasía mestiza en el convento

MÚSICA PRIMA

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla (Femás'10). Componentes: Francisco Orozco, canto, guitarra renacentista, vihuelas de péñola y de mano y laúdes; José Manuel Vaquero, organetto, zanfoña y tambor; Vicente Parrilla, flautas; Johanne Rose, violas da gamba soprano y bajo; Rami Alqhai, viola da gamba bajo y colascione. Programa: Música mestiza: Europa-Sudamérica. Lugar: Iglesia del Convento de Santa Ana. Fecha: Miércoles 17 de marzo. Aforo: Lleno.

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UNA FANTASÍA MESTIZA EN EL CONVENTO

Por más que la ausencia por lesión de Álvaro Garrido, percusionista del grupo, se notara de forma muy especial en un programa como éste, en el que el ritmo y el color juegan un papel esencial, Música Prima puso la nota de ambiente popular en el Femás. Su concierto se dirigió al patrimonio nacido por el cruce de influencias que generó la llegada a América de los europeos. Desde una invocación siux al sol a las tonadas de indudable color andino recogidas por el prelado navarro Martínez Compañón en el Códice Trujillo, todo fue un paseo por el filo cortante del mestizaje, un espacio en el que hay que hilar muy fino para no caer en la frivolidad o en el sermón del buen salvaje.

El conjunto liderado por Francisco Orozco lleva años moviéndose en ese terreno resbaladizo, y lo hace poniendo el acento en lo popular, una perspectiva muy respetable y hasta razonable, que permite a Orozco moverse con comodidad por sus diferentes registros vocales, aunque en ocasiones se acerque demasiado a sus propios límites, y a todo el grupo explotar las ricas posibilidades de las combinaciones tímbricas y hasta el juego improvisatorio. Todo resultó en una fantasía colorista y festiva, teñida esta vez de cierta melancolía por el peso siempre lesivo de las ausencias.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 18 de marzo de 2010]

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Creciendo con la polifonía inglesa

NOVA LUX ENSEMBLE

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla. Componentes: Rocío de Frutos y Abenaguara Graffigna, sopranos; Beatriz Aguirre y Sergi Moreno-Lasalle, altos; Jorge Juan Morata y Víctor Sordo, tenores; José Antonio Hoyos, barítono; Pau Bordas, bajo. Director: David van Asch. Programa: Joyas del siglo de oro británico (obras de Tallis, Byrd, Philips, Weelkes, Tomkins, Gibbons y anónimas). Lugar: Iglesia del Convento de Santa Ana. Fecha: Martes 16 de marzo. Aforo: Casi lleno.

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CRECIENDO CON LA POLIFONÍA INGLESA

Creado a partir de la Coral de Cámara de Pamplona en 2006, el Nova Lux Ensemble es un conjunto todavía muy joven para el terreno artístico en el que se mueve, pero sus resultados en el campo de la polifonía renacentista empiezan a ser ya más que dignos.

Para afrontar un programa de la gran tradición inglesa de los siglos XVI y XVII, el conjunto navarro ha trabajado con David van Asch, fundador del cuarteto vocal The Scholars, con el que hizo durante décadas conciertos por medio mundo (incluido el Festival sevillano). Van Asch no se dejó llevar por la tendencia de los grupos corales ingleses a potenciar la brillantez del sonido mediante el recurso a desequilibrar el conjunto favoreciendo a las sopranos, y el Nova Lux sonó muy equilibrado en todo momento, aunque le queda aún un importante trabajo que hacer en materia de redondez y empaste, que se resintieron especialmente en las obras de Thomas Tallis y en las piezas latinas de William Byrd.

Con una irregular calidad de las voces solistas, bien perfilado por los bajos (imponente por potencia y robustez Pau Bordas) y las sopranos (dos voces cálidas y bien colocadas), con alguna indecisión ocasional en las entradas, el conjunto fue creciendo en la segunda parte del concierto, en la que con obras próximas a las nuevas formas barrocas (uso de la policoralidad, secciones homofónicas, puntuales recursos a los madrigalismos) impuso un estilo intenso y aguerrido (impresionante el Ecce vicit Leo a doble coro de Peter Philips) que tuvo su contrapunto en un uso muy limitado de los reguladores, con tendencia a cantar casi todo en forte y cierta pérdida de prestancia cuando se bajaba del mezzopiano.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 17 de marzo de 2010]

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Las tierras de España

KATIA Y MARIELLE LABÈQUE

Ciclo de pianistas. Katia y Marielle Labèque, pianos. Kalakan (Thierry Biscar y Paxkal Indo) y Fred Chambon, percusiones. Programa: Siete piezas de Iberia de Isaac Albéniz (arreglos para dos pianos de Abel Decaux, Joan Albert Amargós y Enrique Granados); "Nuages" y "Fêtes" de Nocturnes de Claude Debussy (arreglo para dos pianos de Maurice Ravel); Bolero de Maurice Ravel (versión para dos pianos con percusión vasca en arreglo de Katia y Marielle Labèque). Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Domingo, 14 de marzo. Aforo: Dos tercios de entrada.

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LAS TIERRAS DE ESPAÑA

En 1927, la bailarina Ida Rubinstein encargó a Ravel un "ballet de carácter español". El compositor pensó en principio en orquestar con el título de Fandango varias piezas de la Iberia de Albéniz, pero al descubrir que los derechos de orquestación de la obra los poseía Fernández Arbós, cambió su proyecto (y ello a pesar de que Arbós se los cedió generosamente), concibiendo una de las obras sinfónicas más geniales del siglo XX. No le pareció conveniente mantener para ella el ritmo del fandango, prefiriendo el del bolero, una danza igualmente andaluza.

Maurice Ravel nació en Ciboure; Katia y Marielle Labèque, en Bayona; los tres, por tanto en el País Vasco francés. Las hermanas Labèque dicen ahora que realmente Ravel pensaba en la música vasca cuando escribió la obra y por eso el añadido a base de chalaparta y otros instrumentos percutivos de la región les parece un hallazgo. Si convenimos en que el valor del Bolero se encuentra más que en el crescendo sobre un tempo invariable en la riqueza de la orquestación, hay que decir que este arreglo, resultando originalmente exótico, empobrece el colorido del original. A la interpretación, le faltó también un más regular tratamiento del crescendo, pues los cambios de dinámicas verdaderamente perceptibles se concentraron prácticamente en el último minuto de la pieza.

Antes, las hermanas Labèque habían afrontado siete páginas de la Iberia de Albéniz en diversos arreglos , algunos encargados por ellas mismas, en el fondo todos ellos innecesarios, pues la obra del compositor catalán se basta a sí misma para fascinar por su poder evocativo y su increíble diversidad melódica, rítmica, armónica y colorística. Lentísima iniciaron su actuación las Labèque con una "Evocación" ayuna por completa de poesía y en un arrebato de sonido percutivo la cerraron con "Albaicín". Hubo momentos más cálidos y elegantes ("Málaga") y otros de barullo ("Triana", "Corpus Christi en Sevilla").

Fuera de programa, el dúo Kalakan (Indo y Biscary) demostró que sabe cómo manejar al público, del que sacó un bordón vocal como base de una canción en vascuence antes de brindar una última demostración de las posibilidades musicales de la chalaparta.

[Publicado en Diario de Sevilla el lunes 15 de marzo de 2010]

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Dos concepciones del laúd barroco

POTTER / ABRAMOVICH
BARTO

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla. John Potter, tenor; Ariel Abramovich, laúd. Programa: A Musicall Banquet de Robert Dowland. Robert Barto, laúd. Programa: Obras de Weiss y Bach. Lugar: Salón de los Tapices del Real Alcázar. Fecha: Sábado 13 de marzo. Aforo: Media entrada.

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DOS CONCEPCIONES DEL LAÚD BARROCO

Intenso programa doble en torno al laúd con dos partes bastante bien diferenciadas. En el primer turno, John Potter ofreció un amplio repaso por el Banquete musical publicado por Robert Dowland hace justo 400 años, y lo hizo con su voz natural, su buen gusto en el fraseo y su peculiar forma de proyectar el sonido, más hacia dentro que hacia fuera, lo que incrementó el sentido intimista de unas piezas a las que faltó variedad en la expresión, en las dinámicas y en el color. El acompañamiento de Abramovich no ayudó demasiado a superar la sensación de monotonía.

Muy diferente la (breve) actuación del californiano Robert Barto, que debutaba en Sevilla. La Suite de Weiss con la que abrió su recital marcó ya las distancias por la potencia y prestancia del sonido y la variedad en el tratamiento de las danzas, con una honda Allemande, una alígera Courante y una chisposa Bourrée antes de que convirtiera a la Sarabande en el centro emocional de la composición y cerrara con un elegantísimo Minuet y una liviana y torrencial Gigue.

Hay algo en las maneras interpretativas de Barto que hacen sus versiones especialmente cálidas y sentidas. Con la cara casi pegada al instrumento, reconcentrado y discreto, su postura y sus gestos transmiten ya una búsqueda de esencias que en la superficie queda perfectamente compensada por la claridad articulatoria y la transparencia polifónica, como demostró la espléndida Fuga bachiana y su fluido Presto.

[Publicado en Diario de Sevilla el domingo 14 de marzo de 2010]

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Lo culto y lo popular

[Pedro Estevan y Xavier Díaz-Latorre (© Juan Carlos Muñoz)]

DÍAZ-LATORRE / ESTEVAN

XXVII Festival de Música Antigua de Sevilla. Xavier Díaz-Latorre, guitarra barroca; Pedro Estevan, percusión. Programa: Sones de Palacio y danzas de rasgueado: obras de Francisco Gueraru, Gaspar Sanz y Santiago de Murzia. Lugar: Casa de la Provincia. Fecha: Miércoles 10 de marzo. Aforo: Dos tercios de entrada.

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LO CULTO Y LO POPULAR SE HERMANAN EN LA GUITARRA

Aunque sus antecedentes se pierden en la antigüedad, la guitarra no alcanzó a convertirse en un instrumento popular hasta el siglo XVII, cuando fue desplazando progresivamente a la vihuela del gusto general. Tardó en cualquier caso el instrumento, añadido ya un quinto orden a las cuatro con los que cruzó el Renacimiento, en quitarse de encima el complejo de no poseer la nobleza de su prima hermana, y tal vez por ello Guerau le dedicó un libro fundamentalmente contrapuntístico, en el que la guitarra dejaba de lado sus típicos rasgueos para acogerse en exclusiva al estilo del punteado. Los otros dos grandes maestros de la guitarra barroca española (Sanz y Murzia) combinaron en cambio ambas técnicas, extrayendo el sujeto de su inspiración básicamente de las danzas populares.

Admirable la combinación que Xavier Díaz-Latorre planteó de estos tres nombres esenciales de la música española, expandiendo el carácter rítmico de las danzas con el apoyo de las darbokas, los panderos, las panderetas y las castañuelas (inevitables en las Xácaras) del siempre genial Pedro Estevan.

Con un instrumento de un sonido tan bello como poderoso, perceptible incluso en los más sutiles rasgueos y arpegios en pianissimo, el arte de Díaz-Latorre descansa en una técnica imponente, un fraseo siempre delicado y cuajado de matices y una notable capacidad para la fantasía, que mostró de sobra con las improvisaciones sobre algunos modelos armónicos presentados por Sanz en su libro (tarantelas, zarabanda, paradetas). El virtuosismo del intérprete brilló en los Pasacalles, piezas de gran complejidad polifónica, que tocó, en solitario, con extrema claridad y un sentido muy flexible de la frase. El color de la percusión otorgó a las danzas rápidas un gozoso sentido de sensual hedonismo.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 11 de marzo de 2010]

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Pinnock luce virtuosismo

[Trevor Pinnock (© Peer Lind)]

TREVOR PINNOCK

Ciclo de Música de Cámara de la Fundación Cajasol. Trevor Pinnock, clave. Programa: Obras de Froberger, Bach, Couperin y Rameau. Lugar: Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol. Fecha: Lunes 8 de marzo. Aforo: Tres cuartos de entrada.

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PINNOCK LUCE VIRTUOSISMO Y SONORIDADES PERCUTIVAS

Después de dejar la dirección de The English Concert en 2003, Trevor Pinnock (Canterbury, 1946) retomó con renovado ímpetu su actividad clavecinística, de la que ya se había tenido noticia en el ciclo de Cajasol en noviembre de 2002, cuando ofreció un variado programa de música inglesa, alemana e italiana.

Más coherente pareció su apuesta esta vez, con un repertorio dedicado a maestros alemanes y franceses, que además tocó en un precioso instrumento, de bella, redonda y equilibrada sonoridad, copia de un Claude Labrèche de finales del XVII que se conserva en un museo de Stuttgart y combina características germanas y francesas.

Pinnock aprovechó las posibilidades de la diversidad de registros del instrumento para buscar una variedad en el color que fue, junto a la agilidad de manos, uno de los elementos más atractivos de su actuación. Algo seco resultó el fraseo y poco variada la articulación en las dos obras de Froberger, afectadas por un frío mecanicismo que en la Partita nº4 de Bach fue superado, preservada en todo momento la claridad polifónica, gracias al contraste de colores y a una mayor flexibilidad en el tratamiento de la frase, muy especialmente en Allemande, Aria (que tocó en un hermoso registro de laúd) y Sarabande, que sonó muy estilizada merced a las retenciones de tempo y al empleo de los silencios.

Esta flexibilidad en el ritmo y la precisión en la ornamentación son exigencias de la música francesa, que Pinnock transitó con irregularidad. Impecable en su carácter solemne sonó el Passacaille de Couperin, muy contrastado con la ligera La Morinète. En Rameau, y al margen de un pequeño lapsus de memoria en la Fanfarinette y del problema con una tecla en el inicio de la Gavotte, Pinnock lució sobre todo virtuosismo (Les trois mains, las doubles de la Gavotte), pero la sonoridad se hizo a menudo percutiva y carente de poesía.

[Publicado en Diario de Sevilla el martes 9 de marzo de 2010]

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