La sagrada música (9)

LAMENTATIONS & TENEBRAE

Tiburtio Masaino (c.1550-c.1609)
Musica super Threnos Ieremiae prophete in maiori hebdomada decantadas à 5
Feria V. In coena Domini
1. Lectio Prima
2. Lectio Secunda
3. Lectio Tertia

Orlando de Lasso (1532-1594)
Lamentationes Hieremiae
Feria sexta in Parasceve à 5
4. Lamentatio Prima
5. Lamentatio Secunda
6. Lamentatio Tertia
[Huelgas Ensemble. Director: Paul Van Nevel]

7. Marc-Antoine Charpentier (1643-1704): Leçons de Ténèbres du Mercredy Sainct. Seconde Leçon : VAU - Et egressus est a filia Sion

8. François Couperin (1668-1733): Leçons de Ténèbres. Troisième Leçon
[Concerto Vocale. Director: René Jacobs]

9. Ernst Krenek (1900-1991): Hieremie prophetae Lamentationes. Lectio secunda
[RIAS Kammerchor. Director: Marcus Creed]
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HARMONIA MUNDI HMX 2908311 [CD 8] [77'31'']
Grabaciones: Mayo de 1982 (7), Octubre de 1983 (8), 1992 (9) y Abril de 1997 (1-6)

Las Lamentaciones de Jeremías fueron escritas tras la caída el reino de Judá y de Jerusalén en manos de Nabucodonosor II en el 587 a. C. Aunque atribuidas al profeta, hoy parece fuera de toda duda que, por estilo, ideología e intención, Jeremías no participó en su escritura. Las Lamentaciones se dividen en cinco cantos, con estructuras idénticas en I, II y IV: cada uno de ellos se compone de 22 versículos (con tres frases en cada versículo de I y II y sólo dos en IV), lo que corresponde al número de letras del alfabeto hebreo. Esta vinculación ha sido preservada en la edición bíblica de la Vulgata al mantener las letras hebraicas como principio de cada versículo (Aleph, Beth, Gimell, etc.). La Lamentación III se compone de 66 versículos, cada uno de una frase, agrupados de tres en tres, de modo que dentro de cada grupo los versículos van precedidos de la misma letra. La Lamentación V es más breve: sus 22 versículos no van precedidos de las letras hebraicas y cada uno se compone de una sola frase con dos secciones.

Con su retórica cargada de imágenes de la destrucción y la desesperación, las Lamentaciones de Jeremías se consideraron muy apropiadas para el tiempo pentitencial, por lo que desde la Edad Media se hizo costumbre recitar algunos de sus pasajes en los maitines de Semana Santa. Los maitines se dividían en tres nocturnos, cada uno de los cuales estaba compuesto de tres salmos y tres lecciones sucesivos. Tres Lamentaciones pasaron a formar parte de cada uno de los primeros nocturnos de maitines de Jueves, Viernes y Sábado Santo. Cada Lamentación terminaba con un versículo que no procede de la Biblia: "Jerusalem, Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum".

Sin duda, las Lamentaciones musicales más conocidas son las que escribieron los compositores franceses del Barroco, cuando las iglesias y los monasterios competían por captar a los mejores maestros y los más distinguidos cantantes para un momento tan especial, el del Oficio de Tinieblas, que fue trasladados a la tarde y se desarrollaba en medio de un ritual por completo absorbente, para el que los músicos desarrollaron un estilo muy original, que mezclaba penitencia y exuberancia, logrando una música de una extraordinaria morbidez. Charpentier es posiblemente el máximo representante de esta forma, aunque en este disco se presenta también una de las tres únicas lecciones de tinieblas de Couperin que han sobrevivio (se sabe que compuso un juego completo de nueve). Las versiones provienen de antiguas grabaciones de René Jacobs, que se conservan aceptablemente bien, aunque hoy día hay ya opciones preferibles.

Sin embargo, antes y después del Barroco, las Lamentaciones han conocido también puestas en escena musicales de considerable valor, como dejó claro Paul van Nevel con su disco dedicado al género durante el Renacimiento, que incluye obras de un casi desconocido Tiburtio Massaino, muy agudas en materia pictórica por sus disonancias y gestos retóricos, y las de un Orlando de Lasso, escritas en sus años finales, esos que estuvieron cargados de arrepentimiento y penitencia (las impactantes Lágrimas de San Pedro, nacidas en la misma época, lo reafirman). Las luces de la Ilustración no resultaron buenas compañeras para los Oficios de Tinieblas, pero durante el Romanticismo y, sobre todo, con el neorreligioso siglo XX la música sacra conoció un impulso que abarcó también la recuperación de escribir Lamentaciones, como muestra la obra de un Ernst Krenek, que las escribió en años de dura tribulación (1941).


Massaino: Lección III [6'53''] Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel

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Pinnock luce virtuosismo

[Trevor Pinnock (© Peer Lind)]

TREVOR PINNOCK

Ciclo de Música de Cámara de la Fundación Cajasol. Trevor Pinnock, clave. Programa: Obras de Froberger, Bach, Couperin y Rameau. Lugar: Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol. Fecha: Lunes 8 de marzo. Aforo: Tres cuartos de entrada.

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PINNOCK LUCE VIRTUOSISMO Y SONORIDADES PERCUTIVAS

Después de dejar la dirección de The English Concert en 2003, Trevor Pinnock (Canterbury, 1946) retomó con renovado ímpetu su actividad clavecinística, de la que ya se había tenido noticia en el ciclo de Cajasol en noviembre de 2002, cuando ofreció un variado programa de música inglesa, alemana e italiana.

Más coherente pareció su apuesta esta vez, con un repertorio dedicado a maestros alemanes y franceses, que además tocó en un precioso instrumento, de bella, redonda y equilibrada sonoridad, copia de un Claude Labrèche de finales del XVII que se conserva en un museo de Stuttgart y combina características germanas y francesas.

Pinnock aprovechó las posibilidades de la diversidad de registros del instrumento para buscar una variedad en el color que fue, junto a la agilidad de manos, uno de los elementos más atractivos de su actuación. Algo seco resultó el fraseo y poco variada la articulación en las dos obras de Froberger, afectadas por un frío mecanicismo que en la Partita nº4 de Bach fue superado, preservada en todo momento la claridad polifónica, gracias al contraste de colores y a una mayor flexibilidad en el tratamiento de la frase, muy especialmente en Allemande, Aria (que tocó en un hermoso registro de laúd) y Sarabande, que sonó muy estilizada merced a las retenciones de tempo y al empleo de los silencios.

Esta flexibilidad en el ritmo y la precisión en la ornamentación son exigencias de la música francesa, que Pinnock transitó con irregularidad. Impecable en su carácter solemne sonó el Passacaille de Couperin, muy contrastado con la ligera La Morinète. En Rameau, y al margen de un pequeño lapsus de memoria en la Fanfarinette y del problema con una tecla en el inicio de la Gavotte, Pinnock lució sobre todo virtuosismo (Les trois mains, las doubles de la Gavotte), pero la sonoridad se hizo a menudo percutiva y carente de poesía.

[Publicado en Diario de Sevilla el martes 9 de marzo de 2010]

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Las letras y las notas (5): Tolstói

LEV TOLSTÓI (1828-1910)
Prólogo de José María Guelbenzu
Ensayo de Víctor Gallego

CD

1. Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893): Andantino in modo di canzone de la Sinfonía nº 4 en fa menor, Op. 36
Orquesta Sinfónica de Bamberg. Director: José Serebrier [BIS. 2001]

2. Anónimo (tradicional. de Ucrania): Tarareando en el robledal
Vasyl Nechepa, solista [Naïve. Archivo de la Radiodifusión de Rivne]

3. Modest Petrovich Mussorgski (1839-1881): Byldo – Paseo de Cuadros de una exposición (orquestación de Maurice Ravel)
Orquesta Filarmónica Checa. Director: Karel Ancerl [Supraphon. 1968]

4. Frédéric Chopin (1810-1849): Mazurca en si bemol mayor, Op.7 nº1
Patrick Cohen, piano. [Glossa. 1997]

5. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): Là ci darem la mano de Don Giovanni KV 527
Nicolai Ghiaurov, bajo; Oliviera Miljakovic, soprano. Orquesta Sinfónica de la RAI
Director: Carlo Maria Giulini [Dynamic. 1970]

6. Lev Tolstói (1828-1908): Vals en fa mayor
Lera Auerbach, piano. [BIS. 2004]

7. Richard Wagner (1813-1883): Dir Unweisen ruf’ ich ins Ohr de Sigfrido
Juha Uusitalo, bajo-barítono. Orquesta Filarmónica de Helsinki. Director: Leif Segerstam. [Ondine. 2007]

8. François Couperin (1668-1733): Le Point du Jour. Allemande
Mitzi Meyerson, clave. [Glossa. 2004]

9. Nicolai Rimski-Kórsakov (1844-1908): Largo e maestoso de Sheherezade
Orquesta Filarmónica Checa. Director: Vladimir Válek. [Supraphon. 1997]

10. Anónimo (tradicional de Ucrania): Sopla el viento
Valentyn Pyvovarov, solista. Coro Bandura Estatal de Ucrania.[Naïve. Archivo de la Radiodifusión de Rivne]

11. Ludwig van Beethoven (1770-1828): Andante sostenuto. Presto de la Sonata para violín y piano nº9 Op.47, A Kreutzer
Kalina Macuta, violín; Daniel Blanch, piano. [Columna Música. 2008]
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EDICIONES SINGULARES ES 1006 (Diverdi) [90 páginas; 64'50'']
Edición: Septiembre de 2009

Después de su estadía en la aldea y en el estado de ánimo grave en el que se encontraba Natasha, el espectáculo le pareció salvaje e insólito. No pudo seguir la marcha de la ópera, ni siquiera escuchar la música. Tan sólo veía unos cartones pintados y hombres y mujeres vestidos de un modo extraño, los cuales removían, hablaban y cantaban bajo esa viva luz. Natasha sabía lo que debía representar aquello, pero era tan falso, tan poco natural, que tan pronto se avergonzaba por los actores como le parecían ridículos. Se volvía a su alrededor, mirando a los espectadores y buscando en ellos el mismo sentimiento de burla y extrañeza que la embargaba, pero todos los rostros estaban atentos a lo que sucedía en el escenario y, según le parecía, expresaban un entusiasmo fingido.
[Lev Tolstói, Guerra y Paz (Octava parte, capítulo IX)]

El prejuicio sobre la ópera que refleja este pasaje de Guerra y Paz es sólo un aspecto, puede que significativo pero parcial, de la complejísima y contradictoria relación que Tolstói mantuvo toda su vida con la música, que en su ideario pasó de ser fuente de alegría y placer a causa de todos los males sociales (por ejemplo, en su Sonata a Kreutzer llega a escribir: "Nadie ignora que la mayor parte de los adulterios que se cometen en nuestro círculo se deben a los pasatiempos y, sobre todo, a la música"), una influencia maléfica que se producía por efecto de su poder subyugante capaz de provocar transformaciones bruscas del ánimo, sentimientos que, fuera del tiempo y el lugar en el que fueron concebidos por el compositor, "no pueden manifestarse", luego resultan perjudiciales. En esa obra, escrita a finales de los años 80, aparece ya el Tolstói convertido en gurú y profeta intolerante y algo ridículo de sus últimas décadas de vida, el sacrosanto patriarca de luengas barbas que disfrutaba contraponiendo el podrido orden burgués que sostenía la producción musical clásica con la prístina belleza natural y sencilla que atrapaban las melodías populares, especialmente las ucranianas. Casi de modo paralelo a la novela, Tolstói da forma también a su ensayo Qué es el arte, donde arremete de forma despiadada contra los oscuros excesos de los románticos y muy especialmente contra Wagner (la descripción de su paso por un teatro de ópera con motivo de una función de Sigfrido resulta ácida hasta lo desternillante). En cualquier caso, ese rechazo del artificio, ese gusto por la simplicidad artística no era producto sólo de su trascendente y atrabiliaria conversión al ascetismo, sino que había sido una constante de su trayectoria vital y artística. Por eso se sabe, que pianista y hasta compositor aficionado él mismo, disfrutaba mucho de la música de Mozart o de Chopin y cuando descubrió a los clavecinistas barrocos quedó absolutamente entusiasmado por la sencillez y concisión de sus obras breves, que contraponía a las interminables peroratas de los músicos supuestamente vanguardistas de su tiempo. Diferente, contradictoria casi hasta lo esquizofrénico, fue su relación con la obra de Beethoven, que amó y rechazó a partes iguales. Siempre fue consciente del genial temperamento artístico del compositor y de su grandeza como arquitecto de la forma, pero siempre le reprochó (a él, a Beethoven) que sus imitadores sólo hubieran acertado a captar lo que en su música invitaba a la grandilocuencia y el efectismo. Víctor Gallego plantea todos estos temas en su muy interesante ensayo, con un apartado central dedicado a anécdotas y curiosidades en torno a la relación entre el escritor ruso y la música, y una parte final en la que rastrea la presencia del arte de los sonidos en sus obras.


Tolstói: Vals en fa mayor. [1'38''] Lera Auerbach

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Cuatro sevillanos en la corte francesa

L'ESPAGNOLE

XI Ciclo de Música Antigua para Jóvenes Intérpretes de Cajasol. Componentes: Rafael Ruibérriz de Torres, traverso barroco; Rami Alqhai, pardessus y bajo de viola; Irene Gómez, bajo de viola; Miguel Rincón, tiorba. Programa: Deux jours sans vous voir: obras de Jacques-Martin Hotteterre, Jean-Marie Leclair, Marin Marais, Joseph Bodin de Boismortier y François Couperin. Lugar: Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol. Fecha: Viernes 15 de enero. Aforo: Casi lleno.

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CUATRO SEVILLANOS EN LA CORTE FRANCESA

Desde hace unos años, el violagambista Rami Alqhai y el guitarrista Miguel Rincón vienen trabajando juntos con frecuencia en el repertorio del Barroco francés, de modo que alguna noticia de su actividad se ha ofrecido ya desde estas páginas. En este nuevo proyecto han sumado a otros dos sevillanos para seguir profundizando en la música cortesana del tiempo de los Luises.

La presencia de un flautista ha condicionado esta vez la elección del repertorio, con obras de Hotteterre y Boismortier, compositores que dedicaron buena parte de su producción a los instrumentos de viento, pero también la instrumentación de las sonatas en trío de Leclair y Couperin ("L’Espagnole" de la colección Les Nations, que da nombre al grupo). Especialmente apreciable resultó la interpretación de esta última obra, en la que el empleo de un pardessus de viola favoreció la expansión del color y los juegos contrastantes entre los instrumentos.

Ruibérriz tiene un sonido dulce, ligero y limpio, muy de la escuela de su profesor, el insigne Wilbert Hazelzet, aunque su proyección no resulta siempre ideal, en especial en el registro grave, en el que por momentos se hace inaudible, lo que sin duda afectó a la elección de unas dinámicas algo chatas. En las piezas de Marais, sin la flauta, Alqhai lució por fin su poderoso sonido y dio rienda suelta al concepto vehemente y apasionado que tiene de esta música. Si su Plainte resultó desgarrado y lírico a un tiempo, lo mejor llegó con las Folías de España, en las que alternó la voz principal con Irene Gómez, quien demostró buena línea y refinada musicalidad. Exquisito y elegante, como siempre, Rincón.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 16 de enero de 2010]

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El arte de tocar Couperin

FRANÇOIS COUPERIN - PIÈCES DE CLAVECIN DES LIVRES I & II

Frédérick Haas, clave (Jean-Henry Hemsch, 1751)

François Couperin (1668-1733)

CD 1

1. Trosième Prélude [L'Art de toucher le clavecin, 1716]

2. Premier Ordre [Premier Livre, 1713]
I. Allemande l'Auguste
II. Première Courante
III. Seconde Courante
IV. Sarabande la Majestüeuse
V. Gavotte
VI. La Milordine, Gigue
VII. Menuet, Double du Menuet précédent
VIII. Les Silvains
IX. Les Abeilles
X. La Nanète
XI. Les Sentimnes, Sarabande
XII. La Pastorèlle
XIII. Les Nonètes: Les Blondes, première partie; Les Brunes, seconde partie
XIV. La Bourbonnoise, Gavotte
XV. la Manon
XVI. L'Enchanteresse
XVII. La Fleuries, ou la tendre Nanètte
XVIII. Les Plaisirs de Saint Germain en Laÿe

3. Cinquième Prélude [L'Art de toucher le clavecin]

4. Cinquième Ordre [Premier Livre]
I. La Logivière, Allemande
II. Courante
III. Seconde Courante
IV. Sarabande la Dangereuse
V. Gigue
VI. La Tendre Fanchon
VII. la Badine
VIII. la Bandoline
IX. La Flore
X. L'Angélique
XI. La Villiers.
XII. Les Vendangeuses
XIII. Les Agrémens
XIV. Les Ondes

CD 2

1. Septième Prélude [L'Art de toucher le clavecin]

2. Sixième Ordre [Deuxième Livre, 1717]
I. Les Moissonneurs
II. Les Langueurs-Tendres
III. La Gazoüillement
IV. La Bersan
V. Les Baricades Mistérieuses
VI. Les Bergeries
VII. La Commère
VIII. Le Moucheron

3. Septième Ordre [Deuxième Livre]
I. La Ménetou
Les Petits âges:
II. La Muse Naissante
III. L'Enfantine
IV. L'Adolescente
V. Les Délices
VI. La Basque
VII. La Chazé
VIII. Les Amusements

4. Sixième Prélude [L'Art de toucher le clavecin]

5. Huitième Ordre [Deuxième Livre]
I. La Raphaèle
II. Allemande l'Ausoniène
III. Première Courante
IV. Seconde Courante
V. Sarabande l'Unique
VI. Gavotte
VII. Rondeau
VIII. Gigue
IX. Passacaille
X. La Morinète
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2 CD ALPHA 136 (Diverdi) [79'48'' - 77'54'']
Grabación: Agosto de 2007

El belga Frédérick Haas ofrece un extraordinario recorrido por la música clavecinística de François Couperin, reuniendo los órdenes 1 y 5, pertenecientes al Libro I (1713), y los órdenes 6, 7 y 8, del Libro II (1717), que completa con cuatro preludios de El arte de tocar el clave. La flexibilidad con que plantea el fraseo, el sentido del color y la imaginación en el tratamiento de las ornamentaciones hacen de Haas uno de los mejores intérpretes posibles para esta música. El instrumento utilizado, un Hemsch fabricado en 1751 de esplendoroso sonido, ayuda también lo suyo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 12 de septiembre de 2009]


Couperin: La Raphaèle. [5'42''] Frédérick Haas

Esplendor de Versalles (6)

CD 6: LE TRIOMPHE DE LA PIÉTÉ BAROQUE

1. François Couperin (1668-1733): Troisème Leçon du Ténèbres pour le Mercredi Saint, à deux voix
Patricia Petibon y Sophie Daneman, dessus
Les Arts Florissants
Director: Wiliam Christie

Marc-Antoine Charpentier (1643-1704):
2. Litanies de la Vierge H.83
3. Miserere H.193
Ensemble Jacques Moderne
Director: Joel Suhubiette

Edwige Parat y Anne Magouët, dessus
Sabine Garrone, bas-dessus
François-Nicolas Geslot, haute-contre
Hervé Lamy, taille
Jean-Claude Sarragosse, basse-taille

Sophie Gevers-Demoures y Bernadette Charbonnier, violines
Marion Middenway, violonchelo
Manuel de Grande, tiorba
Joseph Rassam, órgano
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MBF/CHATEAU DE VERSAILLES (Diverdi) [53'10'']
Grabaciones: Octubre de 1996 (Couperin, sello Erato) / 2007 (en vivo, en la Real Capilla)

Los Oficios de Tinieblas eran auténticos acontecimientos musicales en el París barroco. Las iglesias competían entre ellas por conseguir a los mejores compositores para una música en la que el sentido penitencial solía quedar envuelto en una escritura que sin dejar de incluir amplios pasajes en declamación permitía instantes de gran brillantez para las voces, sobre todo en los melismas sobra las iniciales hebreas de cada Lamentación. Las únicas tres Lecciones de Tinieblas que han sobrevivido de Couperin, las de Miércoles Santo, son un magnífico ejemplo de este estilo: las dos primeras están escritas para soprano y la tercera para dos sopranos. La colección versallesca tira aquí de una de las muchas versiones existentes ya en el mercado, la que en el 96 grabaron Patricia Petibon y Sophie Daneman, entonces desconocidas, con William Christie para el sello Erato. El grueso del disco sale en cualquier caso de una actuación del conjunto de Joël Suhubiette en las Grandes Journées de 2007 con dos obras religiosas de Charpentier. De las Letanías de la Virgen, Christie había dejado también una versión casi insuperable en HM, mientras que del Miserere catalogado por Hugh Willey Hitchcock con el número 193 había una versión muy intensa de Jean Tubéry en Virgin, curiosamente con Sarragosse también como bajo, aunque esta del Ensemble Jacques Moderne no se le queda atrás ni en vigor ni en fuerza expresiva.


Charpentier: "Miserere mei" del Miserere H 193. Ensemble Jacques Moderne. Joël Suhubiette

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Esplendor de Versalles (5)

CD 5: CONCERTS ET SYMPHONIES POUR LE ROI

François Couperin(1668-1733):
1. Premier Concert royal
I. Prélude
II. Allemande
III. Sarabande
IV. Gavotte
V. Gigue
VI. Menuet
2. Deuxième Concert Royal
I. Prélude
II. Allemande fuguée
III. Air tendre
IV. Air contre-fugué
V. Échos
Les Folies françoises
Director: Patrick Cohën-Akenine

Patrick Cohën-Akenine, violín
Jocelyn Daubigney, flauta
Philippe Miqueu, fagot
Christine Plubeau, viola da gamba
Béatrice Martin, clave

3. Michel-Richard de Lalande (1657-1726): Symphonies pour les Soupers du Roi [fragmentos de Le Ballet de la Jeunesse - Les folies de Cardenio - Les Fontaines de Versailles]
I. Ouverture
II. Prélude
III. Marche des Candiots
IV. Air ds Candiots
V. Air des Combattants (Vivement)
VI. Chaconne
VII. Air d'Ancelade

4. Jean-Baptiste de Lully fils (1665-1743): Concert donné au souper du Roy
I. Ouverture
II. Sarabande
III. Bourrée
IV. Quatrième Air en suite
V. Loure
VI. Premier et Deuxi`wmw Rigaudon
VII. Grand Air en suite
VIII. Rondeau en suite
IX. Gran Air en fanfare
X. Passacaille
Musica Florea
Director: Marek Stryncl
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MBF/CHATEAU DE VERSAILLES (Diverdi) [60'17'']
Grabaciones: 2007 (en vivo, en el Salón de Marte (Couperin) y en en la armería de los Grandes Establos)

Música para el divertimento del rey, de los Conciertos de Couperin hay interpretaciones más vigorosas y rectilíneas que ésta de Cohën-Akenine y su grupo, que presenta esa tendencia a lo feble y alicaído que tanto daño ha hecho a la música barroca francesa, como si los ritmos con puntillo derivaran inevitablemente en ese alargamiento amanerado y sentimentaloide de los compases. Stryncl es más directo y descarnado, aunque cuenta también con un conjunto más nutrido, y además ofrece una curiosidad, una obra del segundo hijo de Lully, el que se llamó igual que el padre, pues para el primogénito el inteligente compositor florentino reservó el nombre de Dios, esto es, del Rey Sol.


Jean-Baptiste de Lully le fils: Ouverture. Musica Florea. Marek Stryncl

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