Color y humor

ROSS

16º Programa de abono. Solistas: Henriette Bonde-Hansen, soprano; Piotr Szymyslik, clarinete. Programa: Concierto en fa de Philippe Gaubert; Valses nobles y sentimentales de Maurice Ravel; Primera rapsodia para clarinete y orquesta de Claude Debussy; Correspondances de Henri Dutilleux; Sinfonietta de Francis Poulenc. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 13 de mayo. Aforo: Menos de media entrada.

* * *

COLOR Y HUMOR

Marc Soustrot (Lyon, 1949) se ha convertido en un habitual de la ROSS, básicamente con programas dedicados a la música francesa (y con Wagner), como el de ayer, que recorría el último siglo de composición en el país vecino. Con su habitual gesto vehemente, pero claro, Soustrot fue presentando hasta cinco obras de cinco compositores diferentes, escritas entre 1911 y 2004, que venían a mostrar la peculiar vía a la modernidad que siguieron los maestros galos enfrentados a la crisis de la tonalidad, un camino bien diferente al de los vieneses.

La importancia del timbre, del color, del ritmo, la inclusión de la disonancia como una parte más del discurso musical, evitando el énfasis expresionista, son características todas ligadas a un modo de entender el arte de los sonidos del que Soustrot parece un eslabón más.

Supo así dotar a la orquesta raveliana de su tornasolada variedad de colores, de su riqueza rítmica y su sensualidad tímbrica en uno de los momentos más felices de la noche. Algo más desajustado pareció su acompañamiento al muy virtuoso Piotr Szymyslik, solista de la orquesta, en la bella Rapsodia de Debussy, que sonó más intensa que sutil. Sin embargo, con el sugerente ciclo de canciones Correspondances de Dutilleux, obra escrita en 2003, pero que conserva toda la esencia de la música francesa, la bellísima voz lírica de la soprano danesa Henriette Boden-Hansen se vio arropada con calidez y delicadeza.

Punto y aparte merece Poulenc, que al color y el lirismo característicos de sus compatriotas unió la claridad diatónica de los neoclásicos y un sentido del humor que Soustrot supo remarcar en los tiempos rápidos. El concierto lo abrió una obra más bien insustancial de Philippe Gaubert.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 14 de mayo de 2010]

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Una fantástica algo gaseosa

BERLIOZ - SYMPHONIE FANTASTIQUE

Anima Eterna Brugge
Director: Jos van Immerseel

Hector Berlioz (1803-1869):

1. Symphonie fantastique Op.14
2. Le Carnaval romain, ouverture caractéristique Op.9
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ZIG ZAG TERRITOIRES ZZT100101 (Harmonia Mundi) [64'52'']
Grabación: Mayo de 2008

Jos van Immerseel desembarca en la Sinfonía fantástica de Berlioz, una de las primeras obras románticas en ser afrontadas por los historicistas, con aquella entonces polémica (1989) grabación de Sir Roger Norrington, y lo hace respetando al detalle las condiciones del estreno en tamaño, composición (¡dos pianos por las campanas al final!) y organización de la orquesta, y profundizando en el entorno interpretativo de Berlioz. Anima Eterna sigue siendo un conjunto prodigioso, pero la Sinfonía suena demasiado rígida, y es mucho menos excitante que los logros obtenidos con Beethoven, Liszt o Ravel.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de mayo de 2010]


Berlioz: "Songe d'une nuit de Sabbat", quinto movimiento de la Sinfonía fantástica. [10'29''] Anima Eterna. Jos van Immerseel

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Las tierras de España

KATIA Y MARIELLE LABÈQUE

Ciclo de pianistas. Katia y Marielle Labèque, pianos. Kalakan (Thierry Biscar y Paxkal Indo) y Fred Chambon, percusiones. Programa: Siete piezas de Iberia de Isaac Albéniz (arreglos para dos pianos de Abel Decaux, Joan Albert Amargós y Enrique Granados); "Nuages" y "Fêtes" de Nocturnes de Claude Debussy (arreglo para dos pianos de Maurice Ravel); Bolero de Maurice Ravel (versión para dos pianos con percusión vasca en arreglo de Katia y Marielle Labèque). Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Domingo, 14 de marzo. Aforo: Dos tercios de entrada.

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LAS TIERRAS DE ESPAÑA

En 1927, la bailarina Ida Rubinstein encargó a Ravel un "ballet de carácter español". El compositor pensó en principio en orquestar con el título de Fandango varias piezas de la Iberia de Albéniz, pero al descubrir que los derechos de orquestación de la obra los poseía Fernández Arbós, cambió su proyecto (y ello a pesar de que Arbós se los cedió generosamente), concibiendo una de las obras sinfónicas más geniales del siglo XX. No le pareció conveniente mantener para ella el ritmo del fandango, prefiriendo el del bolero, una danza igualmente andaluza.

Maurice Ravel nació en Ciboure; Katia y Marielle Labèque, en Bayona; los tres, por tanto en el País Vasco francés. Las hermanas Labèque dicen ahora que realmente Ravel pensaba en la música vasca cuando escribió la obra y por eso el añadido a base de chalaparta y otros instrumentos percutivos de la región les parece un hallazgo. Si convenimos en que el valor del Bolero se encuentra más que en el crescendo sobre un tempo invariable en la riqueza de la orquestación, hay que decir que este arreglo, resultando originalmente exótico, empobrece el colorido del original. A la interpretación, le faltó también un más regular tratamiento del crescendo, pues los cambios de dinámicas verdaderamente perceptibles se concentraron prácticamente en el último minuto de la pieza.

Antes, las hermanas Labèque habían afrontado siete páginas de la Iberia de Albéniz en diversos arreglos , algunos encargados por ellas mismas, en el fondo todos ellos innecesarios, pues la obra del compositor catalán se basta a sí misma para fascinar por su poder evocativo y su increíble diversidad melódica, rítmica, armónica y colorística. Lentísima iniciaron su actuación las Labèque con una "Evocación" ayuna por completa de poesía y en un arrebato de sonido percutivo la cerraron con "Albaicín". Hubo momentos más cálidos y elegantes ("Málaga") y otros de barullo ("Triana", "Corpus Christi en Sevilla").

Fuera de programa, el dúo Kalakan (Indo y Biscary) demostró que sabe cómo manejar al público, del que sacó un bordón vocal como base de una canción en vascuence antes de brindar una última demostración de las posibilidades musicales de la chalaparta.

[Publicado en Diario de Sevilla el lunes 15 de marzo de 2010]

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Las letras y las notas (6): Proust

MARCEL PROUST (1871-1922)
Prólogo de Antonio Muñoz Molina
Ensayo de Blas Matamoro

CD

Reynaldo Hahn (1875-1947):
1. L’enamourée [Théodore de Banville]
2. Le rossignol des lilas [Léopold Dauphin]
Hélène Guilmette, soprano; Delphine Bardin, piano. [Naïve. 2004]

Richard Wagner (1813-1883):
3. Preludio del Acto I de Die Meistersinger von Nürnberg
4. Danza de los aprendices y entrada de los maestros cantores del Acto III de Die Meistersinger von Nürnberg [Richard Wagner]
Gerhard Unger, tenor. Orquesta Filarmónica de Berlín. Director: Rudolf Kempe. [Testament. 1956]

5. Claude Debussy (1862-1918): La plus que lente
Noriko Ogawa, piano. [BIS. 2002]
6. César Franck (1822-1890): Poco lento - Allegro del Cuarteto en re mayor
Cuarteto Spiegel (Elisa Kawaguti, violín I; Stefan Willema, violín II; Leo De Neve, viola; Jan Sciffer, cello). [MDG. 2005]
7. Maurice Ravel (1875-1937): Pavane pour une Infante défunte
Orquesta Sinfónica de Londres. Director: Arpád Jóo. [Arts. 1983]
8. Ludwig van Beethoven (1770-1827): Adagio ma non troppo e molto cantabile del Cuarteto nº 12 en mi bemol mayor, op. 127.
Cuarteto Smetana (Jirí Novák, violín I; Lubomir Kostecky, violín II; Milan Skampa, viola; Antonín Kohout, cello). [Supraphon. 1961]

9. Gabriel Fauré (1845-1924): Le papillon et la fleur [Victor Hugo]
10. Reynaldo Hahn: Si mes vers avaient des ailes [Victor Hugo]
Marie Devellereau, soprano; Philippe Cassard, piano. [Naïve. 2002]

11. Camille Saint-Saëns (1835-1921): Adagio de la Sonata para violín y piano nº 1 en re menor, op. 75.
Ulf Wallin, violín; Roland Pöntinen, piano. [CPO. 2002]
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EDICIONES SINGULARES ES 1001 (Diverdi) [93 páginas; 74'23'']
Edición: Diciembre de 2008

Allí donde cualquier músico presumiría de que pinta a un escudero o a un caballero y les hace cantar la misma música, Wagner introduce una realidad diferente y cada vez que aparece su escudero es una figura particular, a la vez compleja y sencilla, la cual, merced a un trenzado de líneas alegre y feudal, se adentra en la inmensidad sonora. De allí, la plenitud de una música llena de otras tantas músicas, cada una de ellas con su propio ser. Un ser o la impresión que produce una aparición momentánea de la naturaleza. Hasta lo que en ella menos tiene que ver con el sentimiento que nos hace experimentar, conserva su realidad exterior, enteramente definida; el canto de un pájaro, el sonido del cuerno de un cazador, la canción que toca un pastor en su caramillo, recortan sobre el horizonte su silueta sonora. Ciertamente, Wagner se le ha acercado, apoderado de ella, introducido en la orquesta, sometido a las más elevadas ideas musicales, pero siempre respetando su originalidad, como un tallista hace con las fibras que son la esencia peculiar de la madera que esculpe.
[Marcel Proust, À la recherche du temps perdu; III]

Más que un acercamiento al entorno musical que conoció Proust y a la presencia de la música en su obra, que también, este ensayo de Blas Matamoro resulta ser, pese a su brevedad, un magnífico estudio sobre la situación cultural y social de la Francia (y con ella de Europa) del penúltimo cambio de siglo. Entre el wagnerismo de Proust, sus relaciones con Reynaldo Hahn, los ballets de Diaghilev o los salones aristocráticos de París, lo que se filtran son todas las tensiones nacionalistas de la época, los conflictos y las grandes discusiones intelectuales de un tiempo decisivo para las trascendentales transformaciones estéticas de las que Proust participó de forma muy particular. Matamoro hace una muy breve referencia al encuentro que Proust tuvo con Joyce, un tema sobre el que me ocupé hace algún tiempo. Yo he sido desde hace mucho un lector casi compulsivo del irlandés, pero dejé macerar al francés hasta hace unos pocos meses. Espero saldar mi deuda en breve, aunque por lo que llevo leído creo muy posible que los lazos se establezcan entre los dos en el ámbito que define a la perfección Muñoz Molina en su prólogo, es decir que me instalaré en Proust, porque, como ya me pasó con Joyce, Borges, Cortázar o Kafka, una lectura no es suficiente.


Hahn: L'enamourée. [3'00''] Hélène Guilmette, Delphine Bardin

Ils se disent, ma colombe,
Que tu rêves, morte encore,
Sous la pierre d'une tombe:
Mais pour l'âme qui t'adore
Tu t'éveilles ranimée,
Ô pensive bien-aimée !

Par les blanches nuits d'étoiles,
Dans la brise qui murmure,
Je caresse tes longs voiles,
Ta mouvante chevelure,
Et tes ailes demi-closes
Qui voltigent sur les roses.

Ô délices ! je respire
Tes divines tresses blondes;
Ta voix pure, cette lyre,
Suit la vague sur les ondes,
Et, suave, les effleure,
Comme un cygne qui se pleure !

1 - 2 - 3 - 4 - 5

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Los cuadros transparentes

MUSORGSKY - PICTURES AT AN EXHIBITION

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam
Director: Mariss Jansons

Modest Mussorgsky (1839-1881): Cuadros de una exposición (orquestación de Maurice Ravel)
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RCO LIVE RCO 09004 (Diverdi) [33'02'']
Grabación: Mayo y Agosto de 2008

La genial orquestación que Ravel hizo de los Cuadros de una exposición de Mussorgsky luce espléndidamente en esta interpretación de la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, elaborada a partir de diversas tomas extraídas de su temporada de conciertos durante el año 2008. Con un impulso rítmico y una energía formidables, Jansons consigue una claridad prodigiosa, un detallismo tímbrico extraordinario y lleva la obra a tempi de gran rapidez, lo que hace que el disco dure apenas 33 minutos y repercute en un precio reducido.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 30 de enero de 2010]


Mussorgsky/Ravel: "Bydlo" de Cuadros de una exposición. [2'46''] Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam. Mariss Jansons

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El incomprendido

A VUELAPLUMA

Antes de dejar listo para el partido de homenaje al Steinway del Maestranza, Ivo Pogorelich fulminó con la mirada a uno que pasaba por allí y declaró abolido el legato chopiniano, lo cual causó crisis cardíacas agudas en algunos defensores del templo. El gori gori por el instrumento lo entonamos todos con Sibelius, mientras que con la sección central del Vals Mephisto de Liszt y con Le gibet de Ravel el yugoslavo logró algo insólito: nos hizo sentir cómo el musguito crecía bajo nuestros pies. Luego, con Scarbo se demostró que este tío no es en realidad de nuestro mundo. Los marcianos que lo dejaron sobre la superficie terrestre se equivocaron de fecha. Pogorelich es un pianista del siglo XXV.

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Albéniz y el jazz

KARIN LECHNER / FEDERICO LECHNER

Noches en los Jardines del Real Alcázar. Karin Lechner y Federico Lechner, piano. Programa: Isaac Albéniz y su época. Lugar: Jardines del Alcázar. Fecha: Martes 11 de agosto. Aforo: Lleno.

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ALBÉNIZ Y EL JAZZ

Los hermanos bonaerenses Karin y Federico Lechner ofrecieron un espectáculo singular y muy entretenido en el que combinaron la música de Albéniz con la de algunos de sus más eximios contemporáneos (Debussy, Ravel, Falla), el recital académico con la sesión de jazz. Karin Lechner, pianista de larga trayectoria, comenzó ofreciendo tres piezas de Iberia en las que convenció más por la forma que por el fondo. Admirable del todo punto fue Evocación, que destiló pura esencia impresionista, pero El Puerto y, sobre todo, Triana, no estuvieron a su altura. Por supuesto, sí en la técnica, intachable, y en la musicalidad, que corre de manera indudable por las venas de la pianista argentina, pero faltó ese toque hondo que necesita una obra como la de Albéniz, ese mirar detrás de las notas, el matiz justo en el color, el entendimiento profundo del ritmo capaces de crear la atmósfera de encantamiento que han logrado los más grandes. Algo bruscos los contrastes, bien matizados en cualquier caso, en El Puerto; demasiado seca Triana, sin que ese "Gracioso y suave" que escribe el compositor al principio de la partitura se materializara en la noche sevillana.

Después Karin ofreció una versión intensa, nerviosa y muy apasionada de La danza del fuego de Falla. Eso fue justo después de que los dos hermanos tocaran a cuatro manos una peculiarísima versión de un número de Ma mère l'oye de Ravel, con la línea melódica no siempre en primer plano y unos graves en clave jazzística. Federico, pianista de jazz, había dado muestras ya de lo que podía hacer a partir de un par de preludios de Debussy: fueron unos Pasos sobre la nieve y unos Fuegos artificiales, en los que de repente se cruzó la Muchacha de los cabellos de lino, que transformó haciendo suyos el ritmo y los jirones de la melodía más que la esencia sutil y leve del músico francés. Febril resultó su Albéniz final, con aromas de tango rioplatense y una Malagueña que nos golpeó con un obsesivo ostinato en la mano izquierda y un despliegue de virtuosísticas y alucinadas variaciones en la derecha.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 13 de agosto de 2009]

La Sinfónica pone una pica en Viena

LA SINFÓNICA PONE UNA PICA EN VIENA

Viena recibió ayer a la ROSS con un amago de nevada y un lleno absoluto para el segundo concierto de una gira que empezó el lunes en Stuttgart con un éxito clamoroso: dos propinas y veinte minutos de aplauso, que a la postre se quedarían cortos ante el entusiasmo que el público vienés demostró ante la oferta del conjunto hispalense, casi tres horas de concierto typical spanish, pues al programa escogido (Falla, Moreno Torroba, Rodrigo, Rapsodia española y Bolero de Ravel) hay que unir las generosas propinas, hasta tres: Boda de Luis Alonso de Giménez, Batalla imperial de Cristóbal Halffter y Farandole de La Arlesiana de Bizet.

Para Pedro Halffter el programa es el normal de un conjunto español en una gira de estas características. "Cuando viene una orquesta rusa les piden Chaikovski y Shostakovich. De momento podemos decir que se han agotado las entradas para los 12 conciertos de la gira", comenta sin poder ocultar su orgullo, "lo cual es impresionante y una muestra de que la marca Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y la marca Halffter tienen un peso indudable en todo Centroeuropa".

La presencia en Viena tiene desde luego una alta significación, pues la capital austriaca sigue siendo considerada centro neurálgico de la producción musical en el mundo. "Aquí cantan hasta los ángeles de piedra esculpidos encima de las puertas", escribió en su diario el viajero e historiador del siglo XVIII Charles Burney cuando llegó por primera vez a la ciudad. Más de dos siglos después, tres teatros de ópera con actividad casi diaria, dos grandes orquestas sinfónicas, cada una de ellas residenciada en una sala de conciertos de las más prestigiosas de Europa, junto a decenas de otros espacios y centenares de conjuntos traman en efecto una de las redes musicales más densas del mundo.La ROSS tocó ayer en la Wiener Konzerthaus, actual sede de la Sinfónica de Viena, pero a la misma hora, la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam ofrecía un concierto en el mítico Musikverein, residencia de la Filarmónica y del popular Concierto de Año Nuevo, en la Staatsoper se representaba Stiffelio de Verdi y en la Volksoper había ballet.

Todo ello da más valor al entusiasmo que mostró anoche el público que llenaba la Gran Sala del Konzerthaus. Para Halffter era su debut como director en la sala. "En los siete años que estuve estudiando en Viena toqué y dirigí varias veces, pero no en la sala grande", comenta. "Recuerdo perfectamente la primera vez que vine de espectador: la Orquesta de la Radio daba un homenaje a mi padre por su 60 cumpleaños. Era 1990. Luego vine mucho."

El cuarteto de guitarras Los Romeros son en cambio habituales de este espacio. "En el último año habremos tocado aquí 4 ó 5 veces." El grupo se muestra entusiasmado con esta gira, con la que celebran el 50 aniversario de su fundación. "La música de España gusta en todas partes porque, hasta en la pieza romántica más triste, hay en ella siempre un hálito de esperanza", defiende Pepe de Los Romeros. Y así pareció entenderlo el respetuoso público vienés con su calurosísima respuesta, que se hizo extensible a toda la orquesta tras tres horas de agotadora actuación. "Están muy ilusionados", comenta Pedro Halffter. "La gira del verano a China les hizo mucho bien. Y esta gira es también muy importante y está sirviendo como estupendo escaparate turístico para la ciudad." Al menos 1.800 amigos sí que han hecho en la capital de la música...

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 11 de febrero de 2009]

P. S. Una crónica de urgencia cortada y ajustada luego en la redacción, pero lleva mi firma.

Galería de imágenes.

Un España-Francia con flamenco

PICASSO LES MUSIQUES

CD 1
1. Isaac Albéniz (1860-1909): Asturias
Rafael Orozco, piano
[Auvidis © 1992]

2. Bulería
Enrique Morente, canto; Pedro Cortés, Montoyita, guitarras; Antonia Carbonell, El Negrí, palmas, coro y percusión
[Auvidis © 1988]

Erik Satie (1866-1925)
3. Gnosienne 1
4. Gnosienne 3
Klara Körmendi, piano
[Naxos © 2001]

5. Manuel de Falla (1876-1946): Selección de El sombrero de tres picos:
I. Introducción
II. Mediodía
III. Danza de la molinera (Fandango)
Maria Lluisa Muntada, soprano. Joven Orquesta Nacional de España. Edmon Colomer, director.
[Auvidis © 1991]

6. Vieja Letanía: Introducción
El Chino, canto; José Antonio Rodríguez, guitarra; Manolo Soler, palmas y percusión
[Auvidis © 1996]

7. Federico Mompou (1893-1987): Canción y Danza nº6
Rafael Orozco, piano
[Auvidis © 1994]

8. Igor Stravinski (1882-1971): Selección de Pulcinella:
I. Ouverture
II. Serenata: Mentre l'erbetta
III. Scherzino
IV. Allegro
V. Andantino
VI. Allegro
Ian Bostridge, tenor. Bornemouth Sinfonietta. Stefan Sanderling, director
[Naxos © 1995]

Enrique Granados (1867-1916)
9. Intermezzo de Goyescas (transcripción de Gaspar Cassado)
Lluís Claret, violonchelo; Seon-Hee Myong, piano
[Auvidis © 1996]

10. Danza española Op.37 nº5 Andaluza
Rafael Orozco, piano
[Auvidis © 1994]

11. Vamonos pa Sevilla
Fernando de la Morena, canto; Moraíto, guitarra; Chicharito, Rafael Moreno Junquera, palmas y jaleos
[Auvidis © 1994]

12. Maurice Ravel (1875-1937): Concierto para piano para la mano izquierda
Alfred Cortot, piano. Orquesta de la Sociedad de Conservatorios de París. Charles Munch, director
[Naxos © 2000; Grabación de HMV el 12 de mayo de 1939]

13. Bulería de la raza vieja
Fernando de la Morena, canto; Moraíto, guitarra; Chicharito, Rafael Moreno Junquera, palmas y jaleos
[Auvidis © 1994]

CD 2
1. Enrique Granados: "El Fandango" de Goyescas
María Bayo, soprano; Ramón Vargas, tenor. Orfeón Donostiarra. Orquesta Sinfónica de Madrid. Antoni Ros Marbà, director
[Auvidis © 1996]

Erik Satie
2. Mercure. Poses plastiques en trois tableaux
Orquesta Sinfónica y Lírica de Nancy. Jérôme Kaltenbach, director
[Naxos © 1999]

3. Gymnopédie 1
4. Gymnopédie 2
5. Gymnopédie 3
Klara Körmendi, piano
[Naxos © 1989]

6. Parade, ballet reáliste en un tableau
Orquesta Sinfónica y Lírica de Nancy. Jérôme Kaltenbach, director
[Naxos © 1999]

7. Igor Stravinski : Tres danzas de Historia del soldado
I. Tango
II. Valse
III. Ragtime
Pascal Moragues, clarinete; Sergio Azzolini, fagot; Marc Bauer, corneta; Daniel Breszynski, trombón; Vincet Pasquier, contrabajo; Michel Cerutti, percusiones; Shlomo Mintz, violín
[Auvidis © 1997]

8. Soleá por bulería
Inés Bacán, canto; Pedro Bacán, guitarra
[Auvidis © 1995]
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2 CD NAÏVE V 5162 (Diverdi) [78'25'' - 50'41'']
Grabaciones: 1939-1999

Curioso álbum dedicado a Picasso que recopila grabaciones del sello Naïve de obras vinculadas de un modo u otro al pintor malagueño. Por aquí se pasean Falla, Albéniz, Mompou, Stravinski, Satie, Granados y Ravel, todo aderezado con pequeñas muestras de flamenco, que se escucha en la voz de Morente, Inés Bacán o El Chino, en las guitarras de Moraíto o Pedro Bacán.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 31 de enero de 2009]


Soléa por bulería. [4'34''] Inés y Pedro Bacán

P.S. Uno de esos álbumes recopilatorios que no suelen pasar del interés medio para los no muy aficionados, si no fuera porque, pese a la incomprensible cantidad de errores de la edición del libreto y al exceso de comodidad que revela el haber hecho las selecciones de Pulcinella y El sombrero de tres picos con los primeros números de cada obra, se incluyen no sólo fragmentos de flamenco (extraídos de la antigua colección de Auvidis Flamenco Vivo), que de otro modo es difícil que escuchen los melómanos del clásico, sino algunas obras muy poco frecuentadas, como los ballets de Satie (Mercure principalmente, porque Parade se programa algo más) y el Concierto de Ravel en la interpetación de Cortot, que fue reeditado en la serie histórica de Naxos. Y no deja de llamar la atención que Naïve haya recurrido al sello de Klaus Heyman para un buen número de cortes de este doble CD.

Dos gigantes entre vascos

ROSS

9º Programa de abono de la XIX Temporada. Solista: Truls Mørk, violonchelo. Director: Pedro Halffter. Programa: Isladak de Iñaki Estrada; Concierto para violonchelo nº1 en mi bemol mayor Op.107 de Dmitri Shostakóvich; Rapsodia española y Bolero de Maurice Ravel. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 8 de enero. Aforo: Tres cuartos.

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DOS GIGANTES ENTRE VASCOS PARA CELEBRAR EL AÑO NUEVO

El primer programa del año de la ROSS nos trajo al violonchelista noruego Truls Mørk, un gigante en el más amplio sentido de la palabra, por su extraordinaria corpulencia y por un talento musical que se desbordó en la interpretación del maravilloso Concierto nº1 de otro gigante de la música, el ruso Dmitri Shostakóvich.

No es que el sonido que Mørk obtiene de su Montagnana sea espectacularmente voluminoso, pero resulta de una redondez, una calidez y una riqueza en armónicos que provoca auténtico embeleso. Los graves son siempre nobles, los sobreagudos se adelgazan perfectamente afinados hasta la incorporeidad, todo ello en un laberinto de escalas, saltos, dobles y triples cuerdas resuelto con una intensidad y un vigor en la acentuación, una fuerza expresiva y un lirismo cuando la ocasión lo requirió (Moderato) verdaderamente excepcional. La soberbia cadencia escrita por Shostakóvich fue un prodigio de matización, respiración interior de la música y transparencia expositiva. Halffter acompañó con grandeza, modelando un sonido punzante al principio, curvilíneo en el Moderato, enérgico al final. De lo mejor escuchado esta temporada en el teatro.

Shostakóvich sonó entre dos compositores vascos: uno, el joven Iñaki Estrada (San Sebastián, 1977) estrenaba Isladak, una interesante creación que juega con las texturas y las relaciones entre estatismo y movimiento; otro, tan genial como el ruso, Maurice Ravel, del que Halffter ofreció una depurada Rapsodia española y un Bolero bien medido, pero lastrado por algunas imprecisiones de los vientos.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 9 de enero de 2009]

Exhibición de virtuosismo

JOSÉ ENRIQUE BAGARÍA

Ciclo de Jóvenes Intérpretes. José Enrique Bagaría, piano. Programa: Sonata para piano nº62 Hob.XVI:52 en mi bemol mayor de Franz Joseph Haydn; A Franz Schubert de Jordi Cervelló; Preludios Op.23 nº5 en sol menor, Op.32 nº5 en sol mayor, Op.32 nº12 en sol sostenido menor y Op.23 nº2 en si bemol mayor de Sergei Rachmaninov; Pavana para una infanta difunta de Maurice Ravel; Fantasía Bética de Manuel de Falla; Reminiscencias de Don Juan S. 656 de Franz Liszt. Lugar: Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza. Fecha: Domingo 14 de diciembre. Aforo: Un tercio de entrada.

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EXHIBICIÓN DE VIRTUOSISMO

No termina de estar muy definido entre nosotros el concepto de "intérprete joven", pues José Enrique Bagaría (Barcelona, 1978) no sólo es un hombre que ha cumplido ya 30 años, sino que como pianista tiene una trayectoria más que reconocible, que incluye premios internacionales y grabaciones. En cualquier caso, a él le tocó abrir este ciclo del Maestranza, y el escaso público asistente bien que agradeció encontrarse con un artista de indudable solidez.

Con un programa de extraordinario compromiso técnico y musical, su actuación convenció más por el lado del virtuosismo que de la hondura. La última Sonata de Haydn está pendiente de un hilo entre épocas y Bagaría la miró sin complejos desde el lado romántico, con sonido algo grueso y mucho uso del pedal de resonancia. En el Adagio era fácil adivinar ya la sombra de Schubert, por lo que no extrañó la inclusión de la piececita del ecléctico Cervelló.

Pese a unas dinámicas algo chatas, los Preludios de Rachmaninov resultaron intensos y muy expresivos (fogoso el muy conocido Op.23 nº5, con una sección central de discreto lirismo; cantábile, claro, ligero, hermosísimo el Op.32 nº5; más enérgico que majestuoso el Op.23 nº2). El punto más bajo del recital llegó con una Pavana de Ravel desangelada, entrecortada a fuerza de aplicar un análisis riguroso a su articulación, sin atmósfera, misterio ni sensualidad. Portentoso sin embargo el alarde virtuosístico en Falla y Liszt. En la Fantasía Bética, Bagaría acertó además con el color y logró una versión muy contrastada, chisposa, con relieve y gracia. Deslumbrante la muy rubateada exhibición lisztiana.

[Publicado en Diario de Sevilla el lunes 15 de diciembre de 2008]

El triángulo de Ravel

Stéphane (Daniel Auteuil) trabaja como violero en el taller de Maxime (André Dussollier), con quien mantiene una relación de cordial distancia, que tal vez un día fuera amistad. Maxime es un hombre maduro y acostumbrado al éxito, un seductor; Stéphane, un ermitaño algo más joven, cínico y huraño, herido íntimamente nadie sabe dónde ni por qué, pero capaz de crear en su torno un aura de fascinación, por la mezcla de frialdad y misterio que desprende. En esa aura cae prendida Camille (guapísima Emmanuelle Béart), joven violinista que acaba de iniciar una relación sentimental con Maxime, quien ha abandonado a su esposa por ella. Un corazón en invierno presenta una mirada amarga, en absoluto complaciente ni convencional, pero realista y honda sobre las relaciones adultas, que avanza al ritmo de la música de Ravel. Sus Sonatas para violín y piano y para violín y violonchelo y, sobre todo, su Trío (símbolo evidente de la trama sentimental) envuelven la película en una atmósfera de sensual melancolía. Los hilos musicales que se mueven en el film están considerablemente bien atados, incluso Emmanuelle Béart resulta bastante convincente como violinista (o había estudiado ya violín o tuvo un excelente instructor), aunque es Jean-Jacques Kantorow, el que fuera director titular de la Orquesta Ciudad de Granada, quien en realidad pone la banda sonora a la película: le acompañan el pianista Howard Shelley y el violonchelista Keith Harvey. (El sello Erato publicó luego un disco con referencia a la película en el que Kantorow tocaba junto a otros compañeros.)

FICHA TÉCNICA

Título original: Un coeur en hiver (Un corazón en invierno)
Año de producción: 1991
Duración: 105 minutos

Director: Claude Sautet
Guión: Claude Sautet y Jacques Fieschi
Productores: Phillippe Carcassonne y Jean-Louis Livi
Fotografía: Yves Angelo
Música: Maurice Ravel

Reparto:
Daniel Auteuil (Stéphane)
Emmanuelle Béart (Camille)
André Dussollier (Maxime)
Elizabeth Bourgine (Hélène)
Brigitte Catillon (Régine)
Maurice Garrel (Lachaume)
Myriam Boyer (Madame Amet)
Stanislas Carré de Malberg (Brice)
Jean-Luc Bideau (Ostende)
Jean-Claude Bouillaud (El dueño de la brasserie)
Jacques Fieschi (Un cliente de la librería)

[En Wikipedia. Trailer en youtube. En IMDb. En Shooting Down Pictures (incluye estupenda recopilación de críticas mundiales). En Filmreference. En Senses of Cinema. Bea la vio antes. Claude Sautet en Wikipedia.]

La guerra de las galaxias

PROKOFIEV: PIANO CONCERTO Nº2 / RAVEL: PIANO CONCERTO IN G MAJOR
Yundi Li, piano
Berliner Philharmoniker
Director: Seiji Ozawa

1. Sergei Prokofiev (1891-1953): Concierto para piano nº2 en sol menor Op.16
2. Maurice Ravel (1875-1937): Concierto para piano en sol mayor
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DEUTSCHE GRAMMOPHON 477 6593 (Universal) [51'15'']
Grabación: Mayo de 2007

A Yundi Li le preguntan: "¿Puede llegarse hasta los jóvenes con una obra como el Concierto para piano nº2 de Prokofiev?", y responde: "¿Por qué no va a gustarles este concierto a los jóvenes? Su orquestación es increíble y evoca de cierta forma la banda sonora original de La guerra de las galaxias". Y lo cierto es que esta obra, escrita por un Prokofiev de 22 años, y con la que evoca el suicidio de su amigo Max Schmidthof, también pianista, tiene algo de ese sinfonismo tarodorromántico, virtuoso y excesivo, adoptado por los compositores del Hollywood clásico, obvio referente de John Williams. El Concierto es uno de los más exigentes técnicamente de todo el repertorio y parece que sirve para medir a la perfección a esa inmensa ola de pianistas orientales que amenazan al mundo con, según el tópico, asombrosa habilidad técnica y nula capacidad expresiva. Claro que la segunda parte de ese tópico queda desmentida por los dos mayores talentos que encabezan esta generación de veinteañeros pianistas asiáticos desde China (donde se dice que hay ¡20 millones de niños estudiado piano!), Lang Lang y este Yundi Li, al que pude oír en directo hace un par de años, cuando me causó una estupenda impresión, no sólo por una destreza atlética que está más allá de cualquier duda, sino por su musicalidad y su versatilidad con el estilo. Una buena prueba para comprobar esto último es sin duda este disco, pues el Concierto de Ravel está en las antípodas del de Prokofiev: todo es aquí ligereza, refinamiento, claridad, elegancia. Pues bien, no tengo más remedio que reconocer que Li ni cumple con mis expectativas ni responde a mis recuerdos al cien por cien, pues si es cierto que en el segundo movimiento el canto de su piano roza por momentos lo extático, falta mucho más juego con el color, más sensualidad y un fraseo más sutil y curvilíneo, especialmente en el Allegramente de inicio. Ozawa, impecable en Prokofiev, tampoco ayuda demasiado, con una dirección en exceso cortante y rectilínea, como si en vez de batuta manejara la espada de Darth Vader.

Un siglo de estremecimientos

UN FRISSON FRANÇAIS: A CENTURY OF FRENCH SONG
Susan Graham, mezzosoprano
Malcolm Martineau, piano

1. Georges Bizet (1838-1875): Chanson d'avril [Louis -Hyacinthe Bouilhet] (1866)
2. César Franck (1822-1890): Nocturne [Louis de Fourcaud] (1884)
3. Édouard Lalo (1823-1892): Guitare [Victor Hugo] (1856)
4. Charles Gounod (1818-1893): Au rossignol [Alphonse Marie Louis de Lamartine] (1867)
5. Camille Saint-Saëns (1835-1921): Danse macabre Op.40 [Jean Lahor] (1872)

6. Emmanuel Chabrier (1841-1894): Les Cigales [Rosemonde Gerard] (1889)
7. Émile Paladilhe (1844-1926): Psyché [Pierre Corneille] (1916)
8. Ernest Chausson (1855-1899): Les Papillons [Téophile Gautier] (1880)
9. Alfred Bachelet (1864-1944): Chère nuit [Eugène Adenis] (c.1910)
10. Henri Duparc (1848-1933): Au pays où se fait la guerre [Téophile Gautier] (1869-70?)

11. Maurice Ravel (1875-1937): Le Paon [Jules Renard] (1906)
12. André Caplet (1878-1925): Le Corbeau et la Renard [Jean de la Fontaine] (1919)
13. Albert Roussel (1869-1937): Réponse d'une épouse sage [Henri Pierre Roché / Herbert Giles] (1927)
14. Olivier Messiaen (1908-1992): La Fiancée perdue [Olivier Messiaen] (1930)
15. Claude Debussy (1862-1918): Colloque sentimental [Paul Verlaine] (1904)

16. Gabriel Fauré (1845-1924): Vocalise (1906)
17. Reynaldo Hahn (1874-1947): À Chloris [Téophile de Viau] (1916)
18. Erik Satie (1866-1925): Le Chapelier [René Chalupt] (1916)
19. Arthur Honegger (1892-1955): Trois chansons de la Petite Sirène [René Morax] (1926)
I. Chanson des sirènes
II. Berceuse de la Sirène
III. Chanson de la poire
20. Joseph Canteloube (1879-1957): Brezairola [Anónimo] (1927)
21. Manuel Rosenthal (1904-2003): La Souris d'Angleterre [Nino, aka Michel Verber] (1934)

22. Francis Poulenc (1899-1963): La Dame de Monte-Carlo [Jean Cocteau] (1961)
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ONYX 4030 (Harmonia Mundi) [77'34'']
Grabación: Marzo de 2008

Un siglo de canción francesa, entre la Guitare de Lalo y La Dame de Monte-Carlo de Poulenc, ofrece este delicioso disco, el último de la gran mezzo americana Susan Graham, que pasa nada menos que por 22 compositores diferentes para dejar impronta inolvidable en un repertorio que borda. Su dominio de la prosodia francesa, la flexibilidad y el color de su voz, la capacidad para matizar expresivamente cada palabra, para marcar cada giro, cada acento hacen de este disco un gozoso encadenamiento de bellezas, fulgores y estremecimientos.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de noviembre de 2008]


Hahn: À Chloris [3'20''] Susan Graham. Malcolm Martineau

S'il est vrai, Chloris, que tu m'aimes,
(Mais j'entends, que tu m'aimes bien)
Je ne crois point que les rois mêmes
Aient un bonheur pareil au mien.

Que la mort serait importune
A venir changer ma fortune
Pour la felicité des cieux!

Tout ce qu'on dit de l'ambroisie
Ne touche point ma fantaisie
Au prix des grâces de tes yeux.

[Si es verdad, Cloris, que me amas/ (y pienso que te gusto mucho),/ no creo que ni los propios reyes/ tengan una felicidad como la mía.// ¡Qué inoportuna sería la muerte/ si viniera a cambiar mi fortuna/ por la felicidad del cielo!// Todo lo que se dice de la ambrosía/ no impresiona a mi fantasía/ como el favor de tus ojos.]

P. S. À Chloris, una de mis canciones preferidas de toda la historia de la música (la pondría seguramente en una hipotética lista de las diez mejores canciones de siempre, que es mucho decir), en una interpretación casi insuperable, que aprovecho para pedir disculpas al sello Onyx y a Harmonia Mundi, editor y distribuidor del CD, que por error no aparecieron en la página del diario.

¿Parodia, homenaje o plagio?

Considero a Brian de Palma un director irregular, tirando a efectista, pero con algún título de interés (Carlito's Way, por ejemplo, que en España se tituló estúpidamente Atrapado por su pasado) y muchos pestiños sonados, entre los que incluyo un thriller de supuesta carga erótica que rodó en 2002 y se tituló Femme fatale. En él trataba un tema que le es muy querido, como es el de las segundas oportunidades, que envolvió en una trama que seguramente pretendió misteriosa y onírica, pero que le quedó insípida a la par que inverosímil (que ya tiene mérito). Todo empieza con el rocambolesco robo de una joya en una sesión del, por tantas razones deleznable, Festival de Cannes (odio el ridículo y vomitivo glamour de los festivales de cine; perdón si algún fanático de la cosa se siente ofendido) y sigue por vericuetos que dan para muchas risas. Pero no es eso lo que me interesa, sino, lógicamente, su música, que se confió a un compositor muy interesante, Ryuichi Sakamoto, quien para sugestionar al espectador con la necesaria carga de suspense, que en ningún caso logran transmitir las imágenes, durante la larga escena del robo, compuso una música fuertemente inspirada en el Bolero de Ravel (que se repite al final, sobre los títulos de créditos). Y ya que últimamente ando interesado por la línea que separa a la parodia del plagio, me pregunto: ¿qué es esto, parodia, homenaje o plagio? ¿Ustedes que piensan?

Por último, para los interesados en la cosa erótica: la única escena con auténtica química entre los protagonistas y una atmósfera mínimamente morbosa, capaz de crear tensión sexual, es la del principio, la de las dos chicas, que se ve (no completa) en este vídeo; las otras, en las que figura (nunca mejor dicho) Antonio Banderas, resultan sencillamente patéticas.




FICHA TÉCNICA

Título original: Femme fatale
Año de producción: 2002
Duración: 112 minutos

Director: Brian de Palma
Guión: Brian de Palma
Productores: Mark Lombardo y Chris Soldo
Fotografía: Thierry Arbogast
Música: Ryuichi Sakamoto

Reparto:
Rebecca Romijn-Stamos (Laure / Lily)
Antonio Banderas (Nicolás Bardo)
Peter Coyote (Watts)
Eriq Ebouaney (Ladrón negro)
Edouard Montoute (Racine)
Rie Rasmussen (Veronica)
Thierry Frémont (Serra)
Gregg Henry (Shiff)
Fiona Curzon (Stanfield Phillips)
Eva Darlan (Irma)
Jo Prestia (Napoleon)
Regis Wargnier (él mismo)

[En Aloha Criticón. En Canal Cine. En IMDb. En Metacritic. Brian de Palma en Wikipedia. Ryuichi Sakamoto en Wikipedia.]