Música de los extremos

RAMON LAZKANO

Ernesto Molinari, clarinete (2)
Cello Octet Amsterdam (1)
Orquesta Sinfónica de Euskadi
Director: Johannes Kalitzke

Ramón Lazkano (1968)

1. Hauskor, para ocho violonchelos y orquesta (2006)
2. Ortzi Isilak, para clarinete y orquesta (2005)
3. Ilunkor, para orquesta (2000-01)
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KAIROS 0012992KAI (Diverdi) [54'53'']
Grabación: Septiembre de 2009

El arte orquestal de Ramón Lazkano (San Sebastián, 1968) no se apoya sólo en un bruitismo de obvia inspiración en Lachenmann, sino también, como afirma Martin Kaltenecker, en un recurso a la pulverización del material temático y en un énfasis sobre los extremos (de dinámicas, duraciones o frecuencias) que acaban por tramar una música de extraordinaria potencia expresiva, de sorprendente y violenta fisicidad. Ilunkor (2001), Ortzi Isilak (2005) y Hauskor (2006) son buena muestra de un estilo tan radical como atractivo.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de febrero de 2010]


Lazkano: Hauskor. [16'23''] Cello Octet Amsterdam. Orquesta Sinfónica de Euskadi. Johannes Kalitzke

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Nada sino la luz

JESÚS TORRES - MANANTIAL DE LUZ

Trío Arbós
Juan Carlos Garvayo, piano (solista en 4)
Miguel Borrego, violín
José Miguel Gómez, violonchelo

Cécile Daroux, flauta (1)
José Luis Estellés, clarinete (1, 2)
Paul Cortese, viola (1)
Juanjo Guillem, percusión (1)

Jesús Torres (1965)

1. Manantial de luz (2007)
I. Onírico
II. Inmaterial, suspendido
III. Torrencial, inundado de luz
IV. Íntimo, con dulzura
V. Vivo, con absoluta precisión
VI. Intensamente dramático

2. Poética (2007)
I. Dedicatoria (sobre un poema de Novalis)
II. Visión (sobre un poema de Friedrich Hölderlin)
III. Los amantes (sobre un poema de Rainer Maria Rilke)
IV. Canto nocturno (sobre un poema de Georg Trakl)
V. Fuga de la muerte (sobre un poema de Paul Celan)

3. Trío (2001)

4. Presencias (2002)
I. Liturgia
II. J. C.
III. Perspectivas
IV. Yakarta

5. Decem (2006)
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KAIROS 0013012KAI (Diverdi) [66'18'']
Grabación: Julio de 2008 (2) y Julio de 2009

El lenguaje de Jesús Torres (Zaragoza, 1965) está movido por la claridad, la transparencia, esa luz que aparece en muchos títulos de sus obras y hasta en el principio de la que da título a este CD en forma de poema de Octavio Paz: "No hay nada / sino la luz contra la luz". Obra diáfana, escrita para piano solista, flauta, clarinete, percusión, violín, viola y cello, marca el sentido de todo un disco que luego se afianza con Poética para trío y clarinete, el Trío de 2001, Presencias, para piano solo, y Decem, homenaje al Trio Arbós en su décimo año.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de febrero de 2010]


Torres: Trío. [11'59''] Trío Arbós

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Hidalgo hacia Beethoven

MANUEL HIDALGO

Orquesta Sinfónica de la Radio de Colonia (1)
Director: Lothar Zagrosek (1)
Ensemble Resonanz (2-5)

1. Ludwig van Beethoven (1770-1827) / Manuel Hidalgo (1956): Groβe Fuge Op.133, para orquesta (1825/1992)

Manuel Hidalgo:
2. Cuarteto de cuerdas nº2 (1993-1994)
[Gregor Dierck, violín I; Swantje Tessmann, violín II; Tim-Erik Winzer, viola; saskia Ogilvie, violonchelo]
3. Hacia, cuarteto de cuerdas nº1 (1980)
[Juditha Haeberlin, violín I; Benjamin Spillner, violín II; Tim-Erik Winzer, viola; Saerom Park, violonchelo]
4. Einfache Musik, para orquesta de cuerdas (1989)
[Barbara Bultmann, concertino]

5. Ludwig van Beethoven / Manuel Hidalgo: Sechs Bagatelle Op.126 - Ciclus von Klenigkeiten, para orquesta de cuerdas (1823-24/2009)
[Juditha Haeberlin, violín solista y concertino]
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KAIROS 0012982KAI (Diverdi) [66'55'']
Grabación: Marzo de 2006 (1), Junio de 2009 (2, 4, 5) y Julio de 2009 (3)

Instalado en Stuttgart desde 1981, Manuel Hidalgo (Antequera, 1956) mostraba ya en 1980 su interés por la música de Lachenmann. Es en su Cuarteto nº1, Hacia, donde se aprecia el gusto por el bruitismo. En el nº2 (1993-94) aparecen retazos de motivos melódicos casi tradicionales, pero fragmentados, sin conducir a parte alguna, como en Einfache Musik (1989) para orquesta de cuerdas, de gran limpieza y depuración tímbricas. Soberbios los arreglos sobre Beethoven: la Gran Fuga y las Bagatelas Op.126, reconocibles pero nuevos.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 13 de febrero de 2010]


Hidalgo: Hacia. [7'20''] Ensemble Resonanz

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La Comedia de Sciarrino

En 1987, la RAI encargó a Salvatore Sciarrino (Palermo, 1947) música para una serie televisiva que contendría la lectura en 104 capítulos de la Divina Comedia de Dante, un empeño titánico que alcanzaría las 15 horas de duración y que el compositor afrontó con muchas reservas, como posteriormente reconoció. Pese a que en casi toda la producción del maestro italiano es perfectamente rastreable una intensa pulsión dramática, para su Comedia, Sciarrino renunció desde el principio a la representación de los acontecimientos y, por supuesto, a su descripción. La obra no tendría tampoco nada que pudiera entenderse como un seguimiento del original literario, palabra por palabra, nada parecido a una ópera, sino "una estructura compleja que se articulase en torno al poema, un proyecto unitario. Pensé en un sólo trazo musical, de proporciones gigantescas, pero perfectas".

A partir de aquel ciclópeo trabajo, que el músico articuló en torno a una primera estructura de poco más de media hora que se repetía cíclicamente, Sciarrino extrajo una obra sinfónica, Sui poemi concentrici, que dividió en tres bloques de aproximadamente igual duración, en origen unos 33’, lo que sumados hacen un centenar, en buena correspondencia pues con las tres partes (Infierno, Purgatorio, Paraíso) y los cien cantos de la Comedia, una relación que también se refleja en el título, pues, como se sabe, los reinos de Dante se disponen en círculos concéntricos.

El compositor siciliano incluye en su obra instrumentos solistas sin una explícita voluntad concertante (violonchelo para el Infierno, flauta, clarinete y violonchelo para el Purgatorio y flauta, violín y viola d'amore para el Paraíso), aunque no sea del todo extravagante la evocación de un gran concerto grosso en un compositor que recurre con frecuencia a la gran tradición musical de Occidente. Los instrumentos solistas pueden entenderse además como representativos de los acompañantes del poeta en su tránsito de la oscuridad (el violonchelo, que haría de Virgilio) hacia la luz (una Beatriz a la que daría voz la viola d'amore), mientras que los otros solistas representarían al resto de acompañantes que el poeta va encontrando en su viaje.

[Peter Rundel (© Henrik Jordan)]

El carácter de cada etapa condiciona por supuesto el de la música, nocturnal al principio, luminoso al final (nadie puede abstraerse a esos filados etéreos del violín), pero toda la obra está construida con una coherencia asombrosa, de forma tal que los cambios de atmósfera se trazan con una sutileza admirable, sin violentar en ningún momento ni la forma escogida ni la esencia del estilo del compositor. Y es que la poética del silencio, del susurro, de la levedad, del estatismo, tan característica de Sciarrino, impregna en todo momento esta compleja página orquestal que en esta versión, espléndidamente servida por solistas del Ensemble Recherche y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín dirigida por Peter Rundel, crece por encima de las dos horas, un tiempo que no pesará en absoluto a los buenos degustadores de los ocultos tesoros de la contemporaneidad.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 16 de enero de 2010]


Salvatore Sciarrino (1947) SUI POEMI CONCENTRICI I, II, III

Ensemble Recherche
Martin Fahlenbock, flauta
Shizuyo Oka, clarinete
Melise Mellinger, violín
Barbara Maurer, viola d'amore
Lucas Fels, violonchelo
Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín
Director: Peter Rundel

CD 1

Sui poemi concentrici I

CD 2

Sui poemi concentrici II

CD 3

Sui poemi concentrici III
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3 CD KAIROS 0012812KAI (Diverdi) [47'40'' - 49' 38'' - 45'29'']
Grabación: Enero de 2004


Sciarrino: Sui poemi concentrici III (fragmento). [4'53''] Ensemble Recherche. Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín. Peter Rundel

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Rihm concertante

WOLFGANG RIHM

Arditti String Quartet
Nicolas Hodges, piano
Orquesta Sinfónica de Lucerna
Directores: Jonathan Nott (en 1), John Axelrod

Wolfgang Rihm (1952)

1. "Concerto" Dithyrambe, para cuarteto de cuerdas y orquesta
2. Sotto Voce - Notturno, para piano y pequeña orquesta
3. Sotto Voce 2 - Capriccio, para piano y pequeña orquesta
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KAIROS 0012952KAI (Diverdi) [54'31'']
Grabación: Marzo de 2007 (1) y Marzo de 2008

Del inagotable Wolfgang Rihm (Karlsruhe, 1952) presenta Kairos un CD con tres obras concertantes de naturaleza muy diversa. El Concerto Dithyrambe (2000), para cuarteto de cuerdas y orquesta, es una turbulenta y brillante sucesión de espasmos y estallidos que se adapta admirablemente a la fogosa intensidad del Cuarteto Arditti. En Sotto voce y Sotto voce 2 (1999 y 2007), para piano y pequeña orquesta, dominan en cambio los sutiles cambios de textura que se prestan bien a los diálogos camerísticos entre Nicolas Hodges y los solistas de la Sinfónica de Lucerna.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 31 de octubre de 2009]


Rihm: Sotto Voce 2 [11'01''] Nicolas Hodges. Orquesta Sinfónica de Lucerna. John Axelrod

Liturgia del cuarteto

ALBERTO POSADAS - LITURGIA FRACTAL

Cuarteto Diotima

Yun-Peng Zhao, violín I
Naaman Sluchin, violín II
Franck Chevalier, viola
Pierre Morlet, violonchelo

Alberto Posadas (1967): Liturgia fractal

1. Ondulado tiempo sonoro...
2. Modulaciones
3. Órbitas
4. Arborescencias
5. Bifurcaciones
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KAIROS 0012932KAI (Diverdi) [52'12'']
Grabación: Enero de 2009

Siguiendo con su serie dedicada a la música española que produce la Fundación Caja Madrid, Kairos publica Liturgia fractal de Alberto Posadas (Valladolid, 1967), un ciclo de cinco cuartetos de cuerdas compuesto entre 2003 y 2007 en los que se recurre a modelos fractales, lo que lo conecta con Francisco Guerrero, el malogrado compositor linarense que fue maestro de Posadas. Música de intrincada concepción, pero atractiva al oído, por su fuerza expresiva y sus delirantes juegos tímbricos en los que se recrea con entusiasmo el Cuarteto Diotima.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 10 de octubre de 2009]


Posadas: Arborescencias, cuarteto nº4 de Liturgia fractal. [11'30''] Cuarteto Diotima

Una historia de fantasmas

Entre los compositores vivos, pocos como el húngaro György Kurtág (Lugoj, Rumanía, 1926) han sido capaces de establecer un diálogo tan fructífero entre tradición y modernidad. Kurtág, el intimista, el aforista, ha sabido en efecto asumir el riquísimo legado de la cultura occidental (no sólo musical, pues su detallado conocimiento de las historias de la literatura y del arte ha influido también en su trabajo como creador) para reproducirlo después de forma sumamente original, nunca explícita, como reflejos sonoros de una compleja realidad filtrada, y por tanto distorsionada, por la fina percepción de su talante de artista de nuestro tiempo.

Es eso lo que ha sabido ver y plantear de forma admirable el milanés Marino Formenti en este doble álbum magistral. Los fantasmas de Kurtág no son otros que los del propio pianista italiano, los mismos que pueden alentar en el espíritu de cualquier melómano. Y por eso, Formenti los reúne en una especie de gran suite en dos partes que funciona como una auténtica Historia de la música condensada a través de su mirada y del espíritu inquieto del gran maestro húngaro.



De los Játékok (Juegos), miniaturas escritas para niños que Kurtág viene publicando desde los años 70 (hasta ahora, van siete cuadernos) salen buena parte de las cuarenta piezas del húngaro que articulan el recorrido concebido por Formenti, y entrelazados con ellas figuran otras 30 piezas (o fragmentos) de 17 compositores diferentes: Machaut, Stockhausen, Messiaen, Boulez, Mussorgsky, Scarlatti, Bach, Haydn, Schubert, Ligeti, Bartók, Beethoven, Purcell, Janácek, Chopin, Schumann y Liszt por orden de aparición, algunos de ellos repetidos en distintos lugares de la serie, pero muchos otros nombres resuenan y aparecen acá y allá (John Dowland, Farkas Ferenc, Emil Petrovics, Edison Denisov...) en una riquísima red de referencias cruzadas.

Puede llamar la atención el uso de estas piezas de iniciación, aunque como comenta Formenti en revelador diálogo con Peter Oswald, los Juegos de Kurtág deben entenderse en realidad como la música que un niño destinaría a un adulto, y no al revés. Si en toda la obra de Kurtág se encuentran referencias a otros compositores, es en Játékok donde se hacen explícitos los homenajes (en los títulos, que no en el material), pero en la sucesión de músicas que Formenti ha dispuesto sin solución de continuidad hay relaciones mucho más sutiles, como las que traman los nombres de Kurtág con los de Stockhausen, Messiaen y Boulez, en los que el pianista milanés ha querido ver el contraste entre abstracción y contenido extramusical, el seguimiento de un intervalo descendente que empieza en Mussorgsky, el color y el sentido de la música húngara, que pasa por Schubert, Ligeti, Bartók y ¡una Bagatela de Beethoven!, o la idea de la muerte, que subyace en los homenajes de Ligeti a Bartók, de Liszt a Wagner, en los múltiples In memoriam del propio Kurtág. Un álbum original y fascinante.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 25 de julio de 2009]


KURTÁG'S GHOSTS

Marino Formenti, piano

CD 1

1. Guillaume de Machaut (c.1300-1377): Loyauté, que point de delay
2. György Kurtág (1926): Hommage à Farkas Ferenc (2) (scraps of a colinda melody-faintly recollected) [1975-79]
3. Guillaume de Machaut: Tres douce dame

György Kurtág:
4. Hommage à Farkas Ferenc (4) (Liebe im Herzen, bittere Schmerzenj) [1975-79]
5. Hommage à Stockhausen [1978]

6. Karlheinz Stockhausen (1928-2007): Klavierstück nº2 [1952]
7. Olivier Messiaen (1908-1992): Île de feu 1 [1950]

György Kurtág:
8. ...humble regard sur Olivier Messiaen... [1993]
9. Hommage à Pierre Boulez [2000]

Pierre Boulez (1925):
10. Notation 10 [1945]
11. Notation 12 [1945]

12. Modest Mussorgsky (1839-1881): Catacombae (Sepulcrum romanum) [Cuadros de una exposición, 1874]
13. György Kurtág: Hommage à Muszorgszkij [1975-79]
14. Modest Mussorgsky: The First Punishment [Recollections of my Childhood, 1865]

György Kurtág:
15. Hommage à J. S. B. [1975-79]
16. Hommage à Domenico Scarlatti [1975-79]
17. Hommage à Farkas Ferenc (3) (evocation of Petrushka) [1975-79]

18. Domenico Scarlatti (1685-1757): Sonata en mi menor K 394 [1754]

György Kurtág:
19. Hempergös [1975-79]
20. Five-Finger Quarrel [1975-79]

21. Johann Sebastian Bach (1685-1750): Praeludium en re menor BWV 875 [Das Wohltemperierte Klavier II, 1723]

György Kurtág:
22. Versetto: Temptavit Deus Abraham... [1990]
23. Versetto: Consurrexit Cain adversus fratrem suum... [1990]

24. Franz Joseph Haydn (1732-1809): Il Terremoto [Die Sieben Letzte Worte, 1785]
25. György Kurtág: Sirens of the Deluge [1990]
26. Domenico Scarlatti: Sonata en si menor K 197 [1752]

György Kurtág:
27. Fugitive Thoughts about the Alberti Bass [1995]
28. All'ongherese (Hommage à Gosta Neuwirth) [1996]

29. Franz Schubert (1797-1828): Ungarische Melodie D817 [1824]
30. György Ligeti (1923-2006): Musica Ricercata nº8 [1951-53]
31. Béla Bartók (1881-1945): Canción campesina húngara Op.20 nº2 [1920]
32. György Kurtág: Orosz Tánc - Danza rusa [1975-79]
33. Béla Bartók: Canción campesina húngara Op.20 nº5 [1920]
34. Ludwig van Beethoven (1770-1827): Bagatela Op.119 nº10 [1822]
35. Béla Bartók: Danza popular rumana nº6: Maruntel [1917]
36. György Kurtág: Do-Mi D'arab [1982/1991]

CD 2

1. Henry Purcell (1659-1695): Rondó de Abdelazer ZT 684

György Kurtág:
2. Tears [1998]
3. Les Adieux (in Janáčeks Manier) [1992]

4. Leoš Janáček (1854-1928): Po zarostlém chodničku [On an Overgrown Path, II, 2, 1901-08]
5. György Kurtág: Doina [1992]
6. Franz Schubert: Vals D 365 nº22 [1821]

György Kurtág:
7. Hommage à Schubert [1975-79]
8. Keringö (Vals) [1975-79]

9. Frédéric Chopin (1810-1849): Mazurka Op.41 nº2 [1938]

György Kurtág:
10. Hommage à Petrovics [1978]
11. Hommage à Zenon (Achilles and the tortoise, or overlake your other hand) [1975-79]

12. Robert Schumann (1810-1856): Fürchtenmachen [Kinderszenen Op.15, 1838]

György Kurtág:
13. ...and once again: Shadow-play [1995]
14. Agitato [1975-79]

15. Robert Schumann: Hasche-Mann [Kinderszenen Op.15, 1838]

György Kurtág:
16. (...and round and round it goes)
17. Face to Face [1993]

Robert Schumann:
18. Davidsbündlertänze Op.6 nº8 [1837]
19. Davidsbündlertänze Op.6 nº9 [1837]

20. György Kurtág: Nyuszicsököny [1975-79]
21. Robert Schumann: Davidsbündlertänze Op.6 nº4 [1837]

22. György Kurtág: In memoriam Edison Denisov [1996]
23. György Ligeti: Musica Ricercata nº9 (Béla Bartók in memoriam) [1951-53]
24. György Kurtág: In memoriam András Mihály [1993]
25. Franz Liszt (1811-1886): La Lugubre Gondola nº1 [1882]

György Kurtág:
26. For Marianne Teöke [1995]
27. In memoriam Lajos Vass [1992]

28. Franz Liszt: En la tumba de Richard Wagner [1883]

György Kurtág:
29. Szunyogh István in memoriam [1995]
30. Marina Tsvetayeva: It's Time [1991]

31. Robert Schumann: Der Dichter spricht [Kinderszenen Op.15, 1838]

György Kurtág:
32. ...de már elfelejtettem... [1997]
33. Lendval Ernö in memoriam [1993]
34. In memoriam Pál Járdányi [1991]
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2 CD KAIROS 0012902KAI (Diverdi) [47'39'' - 56'36'']
Grabación: [Sin datos]


Machaut/Kurtág/Machaut/Kurtág. [7'17''] Marino Formenti

Una sevillana desde Berlín

ELENA MENDOZA (1973)

1. Díptico, para clarinete, saxofón, violonchelo, piano y percusión (2004)

[Ensemble Recherche]

2. Breviario de espejismos, referencia al Capricho nº6 Nadie se conoce de Francisco de Goya, para guitarra sola (2005)

[Jürgen Ruck]

3. Akt Zeichtung, para barítono, clarinete contrabajo, trompeta, trombón, violín, violonchelo y piano (con amplificación electrónica) (2005) [Textos de Julio Cortázar]

[Guillermo Anzorena, barítono. Ensemble Mosaik. Enno Poppe, director]

4. Contra-dicción, para dos violas (2001)

I. No hay

II. Caminos, hay

III. Que caminar

[Konrad von Coelln y Christoph Rabbels]

5. Lo que nunca dijo nadie, para violín y guitarra (2004) [Textos de Ángel González]

[Duo 10]

6. Nebelsplitter, para piano, violín, viola y violonchelo (2008)

[Aperto Piano Quartet]

Ensemble Recherche

Shizuyo Oya, clarinete

Marcus Weiss (invitado), saxofón

Åsa Åkerberg, violocnhelo

Klaus Steffes-Holländer, piano

Christian Dierstein, percusión

Ensemble Mosaik

Christian Vogel, clarinete contrabajo

Nathan Plante, trompeta

Matthias Jann, trombón

Chatschatur Kanajan, violín

Mathis Mayr, violonchelo

Ernst Surberg, piano

Duo 10

Susanne Zapf, violín

Hubert Steiner, guitarra

Aperto Piano Quartet

Frank-Immo Zichner, piano

Gernot Süβmuth, violín

Stefan Fehlandt, viola

Hans-Jakob Eschenburg, violonchelo

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KAIROS 0012882KAI (Diverdi) [62'08'']

Grabaciones: Junio y Septiembre de 2008

El cuarto CD que Kairos dedica a la actual música española recoge seis obras de Elena Mendoza (Sevilla, 1973), compositora radicada en Berlín, donde desarrolla una carrera que está siendo vista con interés en toda Europa. Piezas para distintas asociaciones instrumentales, con uso de textos (Cortázar, Ángel González), tratados de modo singular, que revelan el interés de la autora por el teatro musical y la dramaturgia. Otros comentaristas han hablado de Nono, Sciarrino o Lachenmann como referencias a una obra que desvela en cualquier caso un sugerente mundo personal.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 7 de febrero de 2009]

Mendoza: Breviario de espejismos. [8'10''] Jürgen Ruck.

España en marcha (y 4)

Héctor Parra (1976): WORTSCHATTEN
Ensemble Recherche

Martin Fahlenbock, flautas
Jaime González, oboe
Melisse Mellinger, violín
Barbara Maurer, viola
Åsa Åkerberg, violonchelo
Jean-Pierre Collot, piano
Klaus Steffes-Hollander, piano (en 5)
Eric Daubresse (invitado), electrónica (en 4)
Héctor Parra (invitado), electrónica (en 6)

1. Trío con piano nº2 Knotted Fields (2007)
2. Impromptu, para piano (2005)
3. Trío con piano nº1 Wortschatten (2004)
4. L'Aube assaille, para violonchelo y electrónica (2005)
5. Abîme - Antigone IV, para flauta - piccolo, oboe, violín, viola, violonchelo y piano (2002)
6. Trío de cuerdas con electrónica (2006)
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KAIROS 0012822KAI (Diverdi) [66'31'']
Grabación: Mayo y Junio de 2008

No conocía en absoluto a Héctor Parra hasta este disco. Y lo que me ha sorprendido sobre todo es encontrar a un músico que maneja un lenguaje de una solidez formal (asentada sin duda en un extraordinario conocimiento de la tradición) que uno no suele relacionar con alguien en el entorno de los 30 años. Música densa, incisiva y enérgica, no lejana a las corrientes expresionistas que de uno u otro modo han estado presentes en los creadores centroeuropeos desde hace al menos un siglo.

La extrema plasticidad sonora del trío de cuerdas, la herencia histórica ligada a la variación y a una cierta libertad estructural, así como una clara tendencia polifónica (fricción constante de los flujos sonoros de los tres instrumentos) me han inspirado una música cuya organización interna se basa en los distintos tipos de energías que esta formación nos puede hacer sentir. String Trio (2006) intenta romper las fronteras que existen entre el gesto instrumental y la expresividad interior, entre el espacio acústico y el tiempo percibido por el oyente. Pero la fuente de inspiración más directa que me ha ayudado a forjar las energías sonoras de este trío la he encontrado en el trabajo de Lisa Randall, Catedrática de Física Fundamental en la Universidad de Harvard y experta en física de partículas, cosmología y teoría de cuerdas. Su modelo del universo a cinco dimensiones (según sus hipótesis existe una cuarta dimensión espacial infinita, fuertemente deformada pero que se resiste a ser captada por nuestros sentidos e instrumentos de medición) me ha sugerido la posibilidad de una música que abra al público una nueva dimensión del espacio psicoacústico. El tratamiento y espacialización mediante la electrónica del sonido procedente de los tres instrumentos nos sumerge en estados de "altas energías" sonoras, donde la comprensión del espacio-tiempo en que nos encontramos en el momento del concierto se verá a la vez cuestionada y enriquecida. Ráfagas de sonidos metalizados, extraídas de los rápidos glissandos de armónicos de la cuerda, viajan en el espacio y se funden con sonidos contrapuestos, granulares y percusivos. Mientras unos se acercan otros se alejan, deformando nuestras sensaciones de distancia y de tiempo.

[De las notas escritas por Héctor Parra para el CD de Kairos]

Parra: Trío de cuerdas. [10'14''] Ensemble Recherche. Héctor Parra.

1 - 2 - 3

España en marcha (3)

José María Sánchez Verdú (1968): ORCHESTRAL WORKS

1. Alqibla (1998)
Junge Deutsche Philharmonie
Director: Lothar Zagrosek

2. La rosa y el ruiseñor, para soprano, barítono, tres violas da gamba y orquesta (2005)
Claudia Barainsky, soprano
Gabriel Suovanen, barítono
Banchetto musicale
Orquesta de la Suisse Romande
Director: Marek Janowski

3. Elogio del horizonte, para clarinete y orquesta (2005-07)
Joan-Enric Lluna, clarinete
Orquesta Nacional de España
Director: Miguel Harth-Bedoya

4. Ahmar-aswad (2000-01)
hr-Sinfonieorchester
Director: Pascal Rophé

5. Paisajes del placer y de la culpa (2003):
I. Jardín de vidrio
II. Jardín de seda
III. Jardín de oro
hr-Sinfonieorchester
Director: Peter Rundel
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KAIROS 0012782KAI (Diverdi) [70'03'']
Grabaciones: Agosto de 2000 (1), Diciembre de 2003 (5), Marzo de 2005 (4), Febrero de 2006 (2) y Junio de 2007 (3)

He comentado ya muchas veces la fascinación que me producen casi todas las obras de Sánchez Verdú, en especial las orquestales, que es donde el músico puede jugar a sus anchas con amplios espectros tímbricos, combinar en toda su extensión las más diversas formas imaginables de producción del sonido y conseguir texturas originales y de extraordinaria sensualidad, trabajadas con una exquisitez y a un nivel de detalle asombrosos: todo parece en ellas perfectamente previsto y controlado por la mente del artista, pero la sensación nunca es de rigidez ni de academicismo, sino de libertad y sorpresa. Paisajes del placer y de la culpa me parece, sin más, una de las mayores obras sinfónicas escritas en lo que llevamos de siglo. Frente a esa idea tan romántica del artista que sufre mientras crea, yo imagino a Sánchez Verdú gozando mientras juega con los armónicos de la cuerda y el clarinete hasta obtener con exactitud el efecto deseado, igual que debió gozar Cortázar mientras amalaba el capítulo 68 de Rayuela o Paul Klee mientras ideaba nuevas combinaciones de colores. Sin embargo, ni Elogio del horizonte ni La rosa y el ruiseñor, las dos obras que no conocía de este disco, me han causado la sensación de regocijo y asombro que me provocaron las primeras audiciones de Alqibla, Taqsim o Paisajes, aunque supongo que ello se debe a mi progresiva familiarización con el lengujae del autor. Son obras por otro lado magníficas en su estructura, en sus permanentes referencias cruzadas (en Sánchez Verdú es fácil hallar siempre una dialéctica entre lo antiguo y lo moderno, lo oriental y lo occidental, lo intelectual y lo sensual) y en su explotación puramente física de los recursos sonoros manejados, pero por momentos he sentido la sensación de cierto estancamiento o, por decirlo de otro modo, de un acomodamiento en una fórmula exitosa, lo cual tampoco resultaría censurable, si no fuera porque me parece que va contra el mismo carácter de Sánchez Verdú, por lo que lo conozco, espíritu inquieto e indagador por naturaleza.


Sánchez Verdú: Ahmar-aswad. [8'40''] hr-Sinfonierochester. Pascal Rophé.

1 - 2

España en marcha (2): Sotelo

Mauricio Sotelo (1961): WALL OF LIGHT - MUSIC FOR SEAN SCULLY

Trilok Gurtu, tabla y percusión (en 1)
Juan Manuel Cañizares, guitarra flamenca
Marcus Weiss, saxofón
Miquel Bernat, percusión (en 4)
musikFabrik
Directores: Stefan Asbury (en 1), Brad Lubman (en 3) y Mauricio Sotelo (en 4)

1. Chalan, para percusión y ensemble (2003)
2. Como llora el agua, para guitarra flamenca (2008)
3. Wall of light black - for Sean Scully, para saxofón y ensemble (2005-06)
4. Night, para percusión y ensemble (2007)
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KAIROS 0012832KAI (Diverdi) [60'59'']
Grabaciones: Diciembre de 2003 (1), Febrero de 2006 (3), Febrero de 2007 (4) y Mayo de 2008 (2)

Mauricio Sotelo: Me interesa particularmente esta claridad de la experiencia formal, que te permite penetrar en capas expresivas complejas, adentrarte en un sonido abierto a lo posible. No me interesa la narración figurativa, sino la posibilidad de señalar un espacio que se abra a una vibración expresiva potente...

Sean Scully: Hay otra cosa que me interesa decir sobre la diferencia entre la música y el arte visual. Aunque la música tiene la capacidad de existir sin cuerpo, está sin embargo rígidamente conectada al tiempo: la duración concreta de una obra, la percepción temporal. Aunque una pintura tien un cuerpo –está encarcelada por el cuerpo– es posible percibirla momento a momento, puede ser vista de un golpe, o puede re-visitarse; en otras palabras quiero decir que el sentido temporal de la pintura es libre, aunque el sentido de corporeidad sea pesado. Yo quiero destruir el sentido del peso en mis cuadros, pero debo empezar con peso, es mi obligación, no puedo escapar, porque uso material y la superficie de mis cuadros es muy pesada. Quiero destruir el sentido de cuerpo. Por eso a ti te interesa tanto el título Muro de luz –Wall of light– porque es justamente la búsqueda de lo imposible; Muro de luz es, excepto desde un plano psicológico, un imposible. ¡Pero la música está en el aire y por eso está en la luz! Quiero decir que habita en el aire y en la luz, es parte del aire y de la luz. Me interesa muchísimo ese aspecto y me emociona muchísimo...

[Extracto de la conversación entre Scully y Sotelo incluida en el CD de Kairos]

[Wall of light black - Sean Scully]

Sotelo: Chalan. [16'19''] Trilok Gurtu. musikFabrik. Stefan Asbury.

1

España en marcha (1)

El mundo de la composición lleva años viviendo en España en un estado de efervescencia del que, en gran medida, han tenido que venir a advertirnos desde más allá de los Pirineos. En esta ocasión es el sello austriaco Kairos, una de las principales referencias de la música actual en el mundo, el que ha iniciado una serie de registros dedicados a compositores españoles, cierto que las publicaciones cuentan con el patrocinio de la Fundación Caja Madrid, institución que se ha convertido en imprescindible para la música de nuestro país, sea en la recuperación del repertorio antiguo o en el impulso dado a las nuevas generaciones de creadores.


Tres discos monográficos, dedicados a otros tantos compositores patrios, abren esta colección en Kairos. Mauricio Sotelo (Madrid, 1961) es una de las figuras más conocidas y admiradas de nuestra música. En este disco se recogen algunas de sus preocupaciones estéticas fundamentales, como la admiración por la pintura del dublinés Sean Scully, cuyas estructuras en dameros tratan de ser atrapadas por una música, la de Wall of light black (2005-06), para saxofón y conjunto, que busca el mismo tipo de vibración en los límites de los colores yuxtapuestos y de los contrastes continuos de texturas; o su cercanía al mundo del flamenco, bien representada por dos obras que colocan al ritmo como centro vital de su desarrollo: Chalan (2003), inspirada en la música hindú, y Night (2007). Más singular todavía es Como llora el agua (2008), subyugante pieza para guitarra flamenca en scordatura (esto es, con un afinación diferente a la tradicional del instrumento).


José María Sánchez Verdú (Algeciras, 1968) se ha convertido en el último lustro en el más difundido de los compositores españoles en todo el mundo. El disco ha tenido mucho que ver en ello: Alqibla (1998), Ahmar-aswad (2000-01) y Paisajes del placer y de la culpa (2003) han sido ya difundidas por el medio fonográfico, pero este disco, de naturaleza puramente sinfónica, se completa con otras dos piezas admirables: Elogio del horizonte (2005-07), una especie de concierto para clarinete, y sobre todo La rosa y el ruiseñor, independizada de El viaje a Simorgh. Música siempre original, de fascinante sensualidad, que coquetea permanentemente con el silencio y trata de penetrar la profundidad de la mística sufí a través de los versos de San Juan de la Cruz.


Poco divulgada resulta en cambio todavía la voz de Héctor Parra (Barcelona, 1976), cuya música resuena como la más clásica de las tres, acaso porque no desdeña acogerse a las formas más reconocibles de la tradición (de las seis obras presentadas, hay dos tríos con piano y un trío de cuerdas, si bien a éste se le añade una parte electrónica) o porque su música, de extrema complejidad pero estilo asentado y reconocible, no renuncia a una direccionalidad que la ancla sin complejos al mundo conceptual de las históricas vanguardias europeas.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 6 de diciembre de 2008]

P. S. El título hace obvia referencia al poema de Gabriel Celaya (¡pobre Gabriel Celaya, comunista, vasco y español!), versos que tantos conocimos a través del famoso recital de Paco Ibáñez en el Olimpia. Me pareció buena idea para una página que se publicaba el día de la Constitución, y en homenaje a los que todavía creen que España es algo más que un nombre escrito sobre un mapa.

Destellos de Messiaen

Se va terminando el año y siguen apareciendo con cuentagotas las novedades discográficas dedicadas a uno de los compositores imprescindibles del pasado siglo, Olivier Messiaen, quien el próximo 10 de diciembre cumpliría 100 años. Si la Sinfónica de Sevilla daba cuenta del centenario esta misma semana programando una de sus obras más fascinantes y poco escuchadas, Des canyons aux étoiles, esta página le rinde homenaje una vez más (ya lo hizo en mayo pasado al reseñar una de las últimas grabaciones del Cuarteto para el fin de los tiempos), esta vez con su última gran obra orquestal, en realidad su última obra terminada (habida cuenta de que el Concert à quatre quedó incompleto), Éclairs sur l’Au-Delà..., de no clara traducción al español, aunque bien podría valer Destellos hacia el Más Allá.

La obra nació por encargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, con ocasión de su 150 aniversario, y nunca llegó a ser escuchada por su autor, pues el estreno, que dirigió Zubin Mehta, tuvo lugar el 5 de noviembre de 1992, seis meses después de su muerte. Escrita para una gran orquesta que requiere nada menos que diez flautas, tres oboes, corno inglés, diez clarinetes, tres fagotes, contrafagot, seis trompas, cinco trompetas, tres trombones, tres tubas y diez percusionistas además de la cuerda, Éclairs funciona como perfecto compendio de las preocupaciones vitales y musicales de Messiaen, pues se configura como un gran himno cósmico dividido en once movimientos, por los que circulan sus habituales referencias a la divinidad y a los cantos de los pájaros.



En realidad, toda la obra puede entenderse como una colosal plegaria a Dios y una especie de presentación de un ideal de vida ultraterrena, desde la obertura en que se constituye el primer movimiento (Aparición del Cristo glorioso), en forma de coral monódico, hasta la cantilena final del último (El Cristo, luz del Paraíso), pura luz hecha sonido, en el que domina la sensación de tiempo suspendido. Los colores orquestales, obsesión de Messiaen, van marcando este tránsito ultraterreno, que pasa por el uso de dos ritmos hindúes en el segundo movimiento (La Constelación del Sagitario) y la sucesiva aparición de los pájaros, que figuran ya ahí mismo asociados a las flautas y la pequeña percusión, antes de la irrupción del Pájaro-lira australiano en el tercero, con sus increíbles saltos interválicos, o de su explosión en los movimientos octavo y noveno, en los que Messiaen reproduce hasta la voz de cuarenta aves diferentes. La intensa luminosidad conseguida en el breve cuarto movimiento (Los Elegidos marcados por el sello), casi una vidriera de fúlgida transparencia, contrasta con el hieratismo majestuoso del quinto (Permanecer en el Amor) que, escrito solo para las cuerdas, adelanta el paradisíaco final. Diferente contraste es el que se da entre el apocalíptico sexto movimiento (Los siete ángeles con siete trompetas) y el consolador y delicadísimo séptimo (Y Dios enjugará toda lágrima de sus ojos), el arco de la alianza ya dibujado sobre el cielo.

Tras las grabaciones de Myung-Whun Chung (DG), Sylvain Cambreling (Hänssler) y Simon Rattle (EMI), ésta de Ingo Metzmacher al frente de toda una Filarmónica de Viena para el sello austriaco Kairos es una nueva oportunidad que los buenos aficionados tienen de renovar su alianza con uno de los más grandes músicos del pasado reciente.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de noviembre de 2008]


Olivier Messiaen (1908-1992): ÉCLAIRS SUR L'AU-DELÀ...
Orquesta Filarmónica de Viena
Director: Ingo Metzmacher

1. Apparition du Christ Glorieux
2. La Constellation du Sagittaire
3. L'Oiseau-lyre et la Ville-fiancée
4. Les Élus marqués du sceau
5. Demeurer dans l'Amour...
6. Les Sept Anges aux sept trompettes
7. Et Dieu essuiera toute larme de leurs yeux...
8. Les Étoiles et la Gloire
9. Plusieurs Oiseaux des arbres de Vie
10. Le Chemin de l'Invisible
11. Le Christ, lumière du Paradis
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KAIROS 0012742KAI (Diverdi) [67'00'']
Grabación: Enero de 2008


Messiaen: "Le Christ, lumière du Paradis" de Éclairs sur l'Au-Delà... Orquesta Filarmónica de Viena. Ingo Metzmacher

Siete iglesias de Bolonia

Bruno Mantovani (1974): LE SETTE CHIESE - STREETS - ÉCLAIR DE LUNE
Ensemble Intercontemporain
Directora: Susanna Mälkki

1. Le Sette Chiese (2002)
I. La piazza Santo Stefano
II. L'église de Saint-Jean Baptiste
III. La crypte
IV. La basilique du sépulcre
V. Basilique des saints Vital et Agricola
VI. La cour de Pilate
VII. L'église du martyrium
VIII. La cloître
IX. La chapelle du bandeau
2. Streets (2007)
3. Éclair de lune (2006)
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KAIROS 0012722KAI (Diverdi) [76'09'']
Grabaciones: Abril y Julio de 2007

Pese a su juventud, el compositor francés Bruno Mantovani (Châtillon, 1974) tiene un catálogo que sobrepasa las 80 obras en casi todos los géneros. El Intercontemporain presenta en Kairos un CD que abre una pieza fascinante, Le Sette Chiese (2002) inspirada en la arquitectura del complejo boloñés de las Siete iglesias. Música que parece creada para amoldarse a los espacios que la inspiran, con agrupaciones diversas de timbres y juegos dinámicos que se hacen intrincada masa en Streets (2007) y onírica fantasía sonatística en la espectral Éclair de Lune (2006).

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 31 de mayo de 2008]


Mantovani: "Basilique des saints Vital et Agricola" de Le Sette Chiese. [3:59] Ensemble Intercontemporain. Susanna Mälkki

P.S. Este CD pertenece a una nueva colección que el IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) francés, el Ensemble Intercontemporain y el sello austriaco Kairos acaban de poner en marcha con el sugestivo título de Sirènes. Una vez publicada la reseña, me di cuenta de que el término 'espectral' aplicado a Éclair de Lune podía resultar ambiguo, ya que yo no quería referirme al espectralismo de Murail y Grisey, sino a que la obra, escrita para tres conjuntos instrumentales y electrónica, tiene cierto aire fantasmal, de texturas evanescentes y en permanente cambio y atmósfera más sugerida que real. Aclarado queda. Por su parte, Streets nace de las calles de Nueva York y está dedicada a Pierre Boulez. Afirma Mantovani que la obra se la sugirió un paseo por la ciudad americana en mayo de 2005: "La densidad de actividades humanas simultáneas era tal que me era prácticamente imposible aislar los movimientos de cualquier persona tomada al azar dentro de esa colectividad o el desplazamiento de un vehículo, sin que esta información fuera perturbada por muchas otras. La percepción de este universo, compuesto de infinitos estratos, se resumía pues en una globalidad tendente paradójicamente al estatismo". Ese estatismo queda sugerido por el empleo de un solo acorde en toda la pieza, mientras que la multiplicidad y el movimiento de la masa urbana queda reflejado en los contrastes de timbres, la alternancia entre pasajes muy animados y otros en absoluta calma, las dinámicas, que bordean lo extremo...