Debussy en Roma

CLAUDE DEBUSSY - MUSIC FOR THE PRIZE DE ROME

Guylaine Girard, soprano (CD 1: 1 y 3; CD 2: 2-4)
Sophie Marilley, mezzosoprano (CD 1: 3)
Bernard Richter, tenor (CD 1: 1 y 2; CD 2: 4)
Alain Buet, barítono (CD 1: 1; CD 2: 4)

Marie-Josèphe Jude, piano (CD 1: 2; CD 2: 1-3)
Jean-François Heisser, piano (CD 1: 2 y 3; CD 2: 1-3)

Coro de la Radio de Flandes (CD 1: 2 y 3; CD 2: 1-3)
Orquesta Filarmónica de Bruselas (CD 1: 1; CD 2: 4)
Director: Hervé Niquet

Claude Debussy (1862-1918)

CD 1

1. Le Gladiateur, cantata para solistas y orquesta [Émile Moreau]
[Guylaine Girard (Fulvie), Bernard Richter (Narbal), Alain Buet (Métellus)]
2. Invocation, coro para tenor solista, coro de hombres y piano a cuatro manos [Alphonse de Lamartine]
3. La Damoiselle élue, poema lírico para soprano, mezzosoprano, coro de mujeres y piano [Dante Gabriel Rosetti, en traducción al francés de Gabriel Sarrazin]
[Guylaine Girard (La Damoiselle), Sophie Marilley (La Récitante)]

CD 2

1. Printemps, suite sinfónica, para coro mixto y piano a cuatro manos [reconstrucción de Cyril Bongers]
[Hilde Venken, Marianne Byloo, Emilie De Voght, corifeos]
2. Le Printemps, coro para soprano solista, coro mixto y piano a cuatro manos [Jules Barbier]
3. Salut Printemps, coro para soprano solista, coro de mujeres y piano a cuatro manos [Anatole de Ségur]
4. L'Enfant prodigue, cantata para solistas y orquesta [Édouard Guinand]
[Guylaine Girard (Lia), Bernard Richter (Azaël), Alain Buet (Siméon)]
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2 CD GLOSSA GCD 922206 (Diverdi) [48'17'' - 53'52'']
Grabación: Junio de 2009 (coro y pianos), Julio de 2009 (orquesta)

Debussy se presentó tres veces al prestigioso Premio de Roma (1882-84), ganando a la tercera. Escritas para el premio han sobrevivido los tres coros de la prueba eliminatoria (Salut Printemps, Invocation y Le Printemps) y las dos cantatas de las finales (Le Gladiateur y L’enfant prodigue). A ellas se añaden las obras escritas desde Roma en 1887 (Printemps) y 1888 (La damoiselle élue), aquí, como los coros, interpretadas con acompañamientos pianísticos. Obras casi desconocidas de un talento en ciernes que Hervé Niquet dirige al Coro de la Radio Flamenca y la Filarmónica de Bruselas.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de mayo de 2010]


Debussy: "L'impatience populaire" de Le gladiateur. [5'13''] Girard, Richter. Orquesta Filarmónica de Bruselas. Niquet

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Bach revisitado

En 1805, tras la muerte de la esposa y la hija de Carl Philip Emanuel Bach, el editor suizo Hans Georg Nägeli adquiere en subasta pública una obra incluida en el inventario de pertenencias del músico que había quedado sin vender tras su muerte en 1788. Anunciada como Gran Misa católica, el volumen contenía la hoy conocida como Misa en si menor de Johann Sebastian Bach, que Nägeli estudió con detenimiento y cuya publicación decidió impulsar, deseos que anunció en 1818 en el Leipziger Allgemeine Musikalische Zeitung con unas palabras sobre la pieza que sin duda debieron de sonar hiperbólicas en su tiempo, pero que hoy podrían aceptarse sin demasiadas complicaciones: "La mayor obra musical de todos los tiempos y de todas las naciones", una idea que corroboraría años después Carl Friedrich Zelter, director de la Singakademie donde Mendelssohn reestrenó en 1829 la Pasión según San Mateo: "Es posiblemente la más grandiosa obra de arte musical que ha visto el mundo".

Y si bien podría discutirse la naturaleza unitaria de la obra, el conjunto es desde luego una auténtica summa del arte bachiano, que fue elaborada a lo largo de más de 20 años. El Sanctus fue escrito para la Navidad de 1723 o 1724, recién llegado el compositor a Leipzig. Kyrie y Gloria fueron enviados en 1733 a la corte católica del príncipe elector de Sajonia y rey de Polonia en Dresde, acompañando la solicitud del puesto de Compositor de la corte, nombramiento que Bach recibiría en 1736 de forma honorífica. El resto de la misa es parodia de piezas anteriores, y en concreto el Symbolum Nicenum (Credo) fue añadido al díptico Kyrie-Gloria por el compositor en torno a 1748. Una cuarta parte, que incluía Osanna, Benedictus, Agnus Dei y Dona nobis pacem, fue adjuntada pensando sin duda en la corte sajona, pues no eran secciones que se interpretaran por norma en Leipzig.


Editada finalmente por primera vez en 1845, la Misa en si menor ha atravesado el tiempo alzándose aún hoy como un monumento sobrecogedor y fascinante. Frans Brüggen, quien se enfrentara con la obra por primera vez en 1989, la volvió a grabar veinte años después durante una gira europea, y su registro, que edita ahora Glossa, se convierte en uno de los más incisivos, poderosos y sugerentes de la moderna fonografía. Junto a su mítica Orquesta del Siglo XVIII, cuenta el director holandés con un coro excepcional, la Cappella Amsterdam, una treintena de voces, lo que dice ya mucho de las intenciones interpretativas del maestro: nada de minimalismos ni raquitismos, una interpretación robusta, sólida, a la vez que clara, elegante, serena, pero en absoluto alicaída, sino cargada de tensión, de fuerza y de emotividad. Del quinteto de solistas vocales destaca la siempre encantadora Johanette Zomer, la solidez de Peter Kooij y la elegancia y cristalinidad del contratenor Patrick van Goethem. Cumple Dorothee Mields, pero a Jan Kobow le recuerdo mejores días.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 15 de mayo de 2010]


JOHANN SEBASTIAN BACH - MASS IN B MINOR, BWV 232

Dorothee Mields, soprano I
Johanette Zomer, soprano II
Patrick van Goethem, alto
Jan Kobow, tenor
Peter Kooij, bajo

Cappella Amsterdam
Orquesta del Siglo XVIII
Director: Frans Brüggen

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Misa en si menor

CD 1

Missa (Kyrie, Gloria)

CD 2

1. Symbolum Nienum (Credo)
2. Sanctus
3. Osanna, Benedictus, Agnus Dei et Dona nobis pacem
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2 CD GLOSSA GCD 921112 (Diverdi) [54'50'' - 51'31'']
Grabación: Marzo de 2009


Bach: "Cum Sancto Spiritu" de la Misa en si menor. [4'06''] Cappella Amsterdam. Orquesta del Siglo XVIII. Brüggen

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Los populares y locos años 20

DAS BERLINER REQUIEM

Hilde Venken, soprano (en 5 y 6)
Helena Bohuszewicz, contralto (en 5 y 6)
Marleen Delputte, contralto (en 6)
Ivan Goossens, tenor (en 1 y 6)
Jacob Bloch Jespersen, bajo (en 1 y 2)

Coro de la Radio de Flandes
I Solisti del Vento
Director: Paul Hillier

Kurt Weill (1900-1950):
1.Das Berliner Requiem [Bertolt Brecht]
I. Großer Dankchoral
II. Ballade vom ertrunkenen Mädchen
III. Epitaph
IV. Erster Bericht über den Unbekannten Soldaten
V. Zweiter Bericht über den Unbekannten Soldaten
VI. Großer Dankchoral
2. Vom Tod im Wald [Bertolt Brecht]

3. Paul Hindemith (1895-1963): Der Tod [Friedrich Hölderlin]
4. Igor Stravinski (1882-1971): Octeto para instrumentos de viento

Darius Milhaud (1892-1974):
5. Cantate de la Guerre [Paul Claudel]
6. Cantate de la Paix [Paul Claudel]
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GLOSSA GCDSA 922207 (Diverdi) [66'57'']
Grabación: Septiembre de 2007

El singular Réquiem de Berlín en el que Kurt Weill pone música a seis poemas de Bertolt Brecht y su cantata Vom Tod in Wald, basada en textos también de Brecht, encabezan este hermoso paseo por los locos años 20, que continúa con Der Tod de Hindemith (miniatura sobre Hölderlin), el Octeto de Stravinski y las Cantatas de la Guerra y de la Paz de Milhaud. El neoclasicismo, el jazz, la simplicidad, el coqueteo con la música popular impregnan este trabajo de Paul Hillier y el soberbio Coro de la Radio de Flandes, al que acompaña un conjunto de exquisitos solistas instrumentales.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 27 de marzo de 2010]


Weill: "Erster Bericht über den Unbekannten Soldaten" de Das Berliner Requiem. [4'09''] Coro de la Radio de Flandes. I Solisti del Vento. Paul Hillier

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Metamorfosis y atribuciones

ANTOINE BUSNOIS - L'HOMME ARMÉ

Cantica Symphonia
Director: Giuseppe Maletto

Laura Fabris, Francesca Cassinari, Lorenza Donadini y Maria Teresa Nesci, sopranos
Gianluca Ferrarini, Raffaele Giordani, Giuseppe Maletto y Fabio Furnari, tenores
Marco Scavazza y Mauro Borgioni, barítonos
David Yacus y Mauro Morini, sacabuches
Guido Magnano, órgano
Svetlana Fomina y Efix Puleo, fídulas

Antoine Busnois (1430-1492) [atribuciones dudosas del Manuscrito conservado en la Biblioteca Nacional de Nápoles VI.E.40 con seis misas sobre el tema de L'homme armé]

1. Magnificat octavi toni
2. L’homme, l’homme [instrumental, a partir de la Misa I]
3. Kyrie [Misa VI]
4. L’homme armé [instrumental, a partir de la Misa II]
5. Gloria [Misa VI]
6 Doibt on doubter [instrumental, a partir de la Misa III]
7. Credo [Misa VI]
8. On a fait partout crier que chascun se viengne armer [instrumental, a partir de la Misa IV]
9. Sanctus [Misa VI]
10. D’un haubregon de fer [instrumental, a partir de la Misa V]
11. Agnus Dei [Misa VI]
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GLOSSA Platinum GCD P31906 (Diverdi) [71'49'']
Grabación: Julio (Magnificat) y Octubre de 2008

L’homme armé es una canción borgoñona de origen incierto que generó gran interés durante el Renacimiento. En Nápoles se conserva un manuscrito excepcional, que incluye seis misas polifónicas escritas a partir de diferentes transformaciones del tema. Aunque su autoría es dudosa, Giuseppe Maletto se las atribuye a Antoine Busnois (1430-1492) en este disco en el que recoge la número 6, añade un Magnificat y glosa instrumentalmente fragmentos de otras misas del ciclo como interludios. Versiones de intensa y estimulante inestabilidad.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 27 de febrero de 2010]


Sanctus de la Misa VI de L'homme armé (atribuida a Busnois). [10'09''] Cantica Symphonia. Giuseppe Maletto

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Genial humorada

[© Marc Ginot]

Con una sola ópera en sentido estricto, que además no ha llegado completa (y si lo hubiera hecho, no superaría la hora de duración), Henry Purcell es hoy considerado uno de los más geniales autores de música dramática de la historia de Inglaterra. Una sola ópera, pero infinidad de piezas para la escena, danzas, preludios, canciones, coros y cuatro grandes obras en las que la participación de la música supera el carácter incidental de los números aislados y que, a falta de mejor nombre, son conocidas como semióperas.

Género inglés por excelencia, que tuvo gran predicamento en el último tercio del siglo XVII, una semiópera era una obra de teatro, habitualmente en cinco actos, que incluía escenas musicales en cada uno de ellos, especies de comentarios sobre la acción principal, pero que no tenían imbricación argumental con su trama y tampoco entre sus partes. Desplazada en las primeras décadas del siglo XVIII por la ópera italiana, en el XX se recuperó su música y, recientemente, se hicieron intentos con los espectáculos completos, aunque su excesiva duración (entre 4 y 5 horas) y problemas tanto dramatúrgicos como prácticos convirtieron estas exhumaciones en meras anécdotas.

Hervé Niquet tuvo la idea de presentar King Arthur en la Ópera de Montpellier, donde su conjunto Le Concert Spirituel es residente, pero lo hizo de forma extremadamente singular. Encargó la parte escénica de su propuesta a Corinne y Gilles Benizio, conocida pareja de clowns franceses sin experiencia previa en el mundo de la ópera, y con ellos montó un divertido espectáculo que se circunscribe a la aproximadamente hora y media de música escrita por Purcell.

[© Marc Ginot]

Entrelazando una desmitificadora e irónica mirada sobre los textos de Dryden puestos en música por el compositor con una serie de diálogos que el director musical entabla con un atrevido operario (magistralmente interpretado por Benizio), con guiños permanentes al teatro de variedades y del absurdo y a los sketchs de los Monty Python, va surgiendo una comedia disparatada, fresca, dinámica y moderna en la que el propio Niquet se muestra como un auténtico showman capaz de subir al escenario para cantar un aria de opereta en falda escocesa o una tirolesa vestido de tirolés. Todo es posible sobre las tablas: dos risueños franciscanos que le cantan a Odín y gustan del vino, un rey Arturo más bien simplón atendido de hipotermia por enfermeras de la Cruz Roja salidas de una nevera, un grupo de pastores convertidos en hippies y hasta una pareja de despistados esquiadores que se cruzan en medio de la acción hablando en un idioma ininteligible.

Musicalmente, Niquet conduce con ritmo trepidante, lo que perjudica a algunas piezas, que pierden su pátina de dulzura. Por lo demás, el elenco es notable (mención especial al bajo portugués João Fernandes) y la realización videográfica de Olivier Simonnet, intachable para un DVD lleno de chispa y sentido del humor que es el primero que publica Glossa.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 12 de diciembre de 2009]



Henry Purcell (1659-1695): KING ARTHUR
semiópera en cinco actos con libreto de John Dryden en adaptación de Hervé Niquet y Corinne y Gilles Benizio

Anna Maria Labin, soprano
Chantal Santon-Jeffery, soprano
Mélodie Ruvio, mezzosoprano
Mahias Vidal, haute-contre
Marc Mauillon, tenor
João Fernandes, bajo

Le Concert Spirituel
Director: Hervé Niquet

Directores de escena: Corinne y Gilles Benizio (alias Shirley & Dino)
Vestuario: Catherine Rigault
Iluminación: Jacques Rouveyrollis

Coproducción de Telmondis y Le Concert Spirituel

Director de vídeo: Olivier Simonnet
Subtítulos en inglés, francés, alemán y español
Bonus: Making-of
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GLOSSA GVD 921619 (DVD) (Diverdi) [99'51'' - 11'48'']
Grabación: Marzo de 2009



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Las letras y las notas (1)

Las crisis agudizan el ingenio. La industria fonográfica, instalada desde hace años en una que parece eterna y que sin embargo no ha impedido que hoy vivamos uno de los momentos más variados y brillantes de la historia del sonido grabado, no cesa de buscar estratagemas capaces de seducir a un aficionado que se ha acomodado con asombrosa rapidez al clic en apariencia gratuito de su computadora personal. Respondiendo a ese afán de búsqueda, la marca madrileña Glossa lleva años proponiendo una hermosa colección de libros-discos que con el título de Ediciones Singulares había recogido hasta ahora algunos trabajos del sello (L’Orfeo de Monteverdi, Sémélé de Marais, Callirhoé de Destouches, Proserpine de Lully, las Sonatas Op.1 de Vivaldi; las óperas francesas lamentablemente sólo en francés), que se ofrecen acompañados por ensayos algo más ambiciosos que los que suelen aparecer en las carpetillas habituales de los cedés y se editan de forma sencilla, elegante y atractiva.

La colección ha dado este año un paso adelante con la serie Los escritores y la música, de la que se han editado ya seis volúmenes. Las relaciones entre música y literatura admiten miradas desde perspectivas muy diversas, aunque desde el punto de vista del escritor, que es el que adoptan estos ensayos, se reducen básicamente a un doble enfoque: la vinculación personal de los literatos con la música y la forma en que ésta aparece reflejada en su obra. A ello se dedican estos estudios someros (entre 50 y 80 páginas) pero repletos de informaciones de interés y de sugerencias que pueden servir de estímulo para investigaciones más profundas.


Cada volumen, que respeta el formato libro de la colección originaria, incluye un prólogo de firma prestigiosa (Siles, Muñoz Molina, Aramburu, Guelbenzu, Molina Foix, Matamoro), el ensayo propiamente dicho, unas ilustraciones en blanco y negro, una cronología y un disco con una selección de las piezas musicales mencionadas en el texto, para lo cual Glossa no ha tirado sólo de su catálogo, sino que ha recurrido a sellos de primerísimo nivel del mercado, en el intento, plenamente logrado, de brindar interpretaciones relevantes. Los seis volúmenes presentados hasta la fecha están dedicados a Dante, Shakespeare, Goethe, Tolstói, Proust y Mann, con ensayos que firman respectivamente Stefano Russomano, Javier Montes, Eustaquio Barjau, Víctor Gallego y Blas Matamoro (los dos últimos). De las febriles delicuescencias del ars nova italiano al rotundo impacto del Pierrot de Schoenberg o el refinamiento decadente de un Reynaldo Hahn, pasando por los humores melancólicos de los compositores isabelinos y el repertorio de los grandes maestros barrocos, clásicos y románticos, la selección musical cumple ampliamente su función ilustrativa y didáctica. Y como el precio del producto es casi idéntico al de un CD normal, la colección presenta un enorme atractivo para un amplio espectro de aficionados a la alta cultura.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 28 de noviembre de 2009]

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La trompa en Mozart

WOLFGANG AMADEUS MOZART - MUSIC FOR HORN

Teunis van der Zwart, trompa

Claron McFadden, soprano [en el aria de Mitridate KV 87]
Erwin Wieringa, trompa [en los dúos KV 487 y la Broma musical KV 522]
Marc Destrubé, violín [en el Quinteto KV 407 y la Broma musical KV 522]
Staas Swierstra, violín [en la Broma musical KV 522] y viola [en el Quinteto KV 407]
Emilio Moreno, viola [en el Quinteto KV 407 y la Broma musical KV 522]
Albert Brüggen, violonchelo [en el Quinteto KV 407]
Robert Franenberg, contrabajo [en la Broma musical KV 522]

Orquesta del Siglo XVIII [en el aria de Mitridate KV 87 y el Concierto KV 447]
Director: Frans Brüggen

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791):

1. Dúo nº8 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
2. Quinteto en mi bemol mayor para trompa, violín, dos violas y bajo KV 407 (386c)
3. Dúo nº7 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
4. Dúo nº2 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
5. "Lungi da te" de Mitridate, re di Ponto KV 87
6. Dúo nº3 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
7. Dúo nº12 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
8. Concierto para trompa en mi bemol mayor KV 447
9. Dúo nº9 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
10. Dúo nº5 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
11. Ein musikalischer Spass para dos violines, viola, bajo y dos trompas KV 522
12. Dúo nº4 de los 12 Dúos para dos trompas KV 487 (496a)
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GLOSSA GCD 921110 (Diverdi) [75'49'']
Grabación: Junio de 2006, Noviembre de 2007 y Julio de 2008

Teunis van der Zwart muestra su virtuosismo con la trompa natural en este disco mozartiano. Brüggen acompaña con su Orquesta del Siglo XVIII una exquisitamente fraseada pero algo pálida versión del Concierto en mi bemol mayor. El Quinteto KV 407 y la Broma musical KV 522 se mueven por los mismos parámetros: elegancia y distinción, pero poca pasión. Van der Zwart acompaña igualmente a Claron McFadden en un aria de Mitridate y hace, con el también trompista Erwin Wieringa, una más intensa recreación de 8 dúos de los 12 del KV 487.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 14 de noviembre de 2009]


Mozart: "Lungi da te" de Mitridate. [8'28''] Mc Fadde. Van der Zwart. Orquesta del Siglo XVIII. Brüggen

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Los colores de Europa

GOTTLIEB MUFFAT - COMPONIMENTI MUSICALI PER IL CEMBALO

Mitzi Meyerson, clave (Keith Hill, 1998, copia de Taskin, c.1769)

Gottlieb Muffat (1690-1770): Componimenti Musicali per il Cembalo

CD 1

1. Suite nº5 en re menor
2. Suite nº3 en re mayor
3. Suite nº6 en sol mayor

CD 2

1. Suite nº1 en do mayor
2. Suite nº2 en sol mayor
3. Suite nº4 en si bemol mayor
4. Suite nº7 (Chacona) en sol mayor
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2 CD GLOSSA GCD 921804 (Diverdi) [72'21'' - 77'46'']
Grabación: Octubre de 2006

Hijo del bien conocido Georg, de Gottlieb Muffat (1690-1770) apenas han sobrevivido un par de colecciones para tecla y algunas piezas vocales en estado de manuscrito. De datación imprecisa (posiblemente en torno a 1736), los Componimenti Musicali están constituidos por siete suites para clave (la última es una simple chacona) escritas en un estilo muy personal, producto de la fusión de todas las tradiciones europeas de la época. Mitzi Meyerson las toca con una variedad en el color y una vitalidad rítmica absolutamente contagiosas.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 12 de septiembre de 2009]


Gottlieb Muffat: Suite nº7 (Chacona). [8'26''] Mitzi Meyerson

La misa es puro teatro

MARC ANTOINE CHARPENTIER: MISSA ASSUMPTA EST MARIA

Chantal Santon-Jeffery, dessus
Hanna Bayodi-Hirt, dessus
François-Nicolas Geslot, haute-contre
Romain Champion, taille
Benoît Arnoud, basse

Le Concert Spirituel
Director: Hervé Niquet

Marc Antoine Charpentier (1643-1704): Missa Assumpta est Maria H.11

1. Kyrie
2. Gloria
3. [Motet à voix seule] Sancti Dei per fidem vicerunt regna H.361
4. Credo
5. [Offertoire] Pour un resposoir H.508
6. Sanctus
7. [Élévation] O salutaris Hostia H.262
8. [Benedictus pour l'orgue]
9. Agnus Dei
10. Domine Salvum fac regem H.303
11. [Motet de sortie] Domine Salvum fac regem H.291
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GLOSSA GCD 921617 (Diverdi) [60'34'']
Grabación: Julio de 2008

Desde la histórica grabación de William Christie hace 20 años no se ofrecía en disco una interpretación de la Misa Assumpta est Maria de Charpentier con la hondura estilística que aquí demuestran Hervé Niquet y sus chicos. El perfil teatral de la música religiosa de Charpentier está magníficamente atrapado, tanto como la dulzura y delicadeza de sus melodías. El cuidado con la prosodia de solistas y coro y el color que logra con los instrumentos completan la imagen de uno de los grandes del Barroco francés en nuestros días.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de agosto de 2009]


Charpentier: Kyrie de la Misa Assumpta est Maria. [11'04''] Le Concert Spirituel. Hervé Niquet

En torno al casticismo

Se trata de un fenómeno en plena actualidad: todos los procesos históricos de unificación (o globalización, como ahora se los llama) provocan reacciones de las partes, que ven amenazadas de repente sus costumbres más arraigadas y sus usos tradicionales. Si en la segunda mitad del siglo XVIII, el Clasicismo parecía un paso decisivo hacia la implantación de un estilo musical internacional en toda Europa, en España (y en otros lugares) se exacerbaron las tendencias nacionalistas, de tal modo que frente al gusto por la ópera italiana y por los diversos géneros de música instrumental (sinfonías, sonatas, cuartetos...) que recorría toda Europa y se difundía también entre los círculos ilustrados y aristocráticos hispanos, los teatros populares potencian la producción de obras típicamente locales, zarzuelas y, sobre todo, tonadillas, piezas teatrales que empezaron utilizándose como intermedios en las comedias, pero que llegaron a convertirse incluso en algo parecido a las óperas buffas italianas o a los vaudevilles franceses, si bien todo miniaturizado y conservando las típicas formas españolas: coplas, seguidillas, parolas (partes habladas) y danzas características, como las tiranas, que en su mejor momento, a finales del XVIII, se componían de coplas de cuatro versos octosílabos que alternaban con estribillos en ritmo ternario en los que se enfatizaba su carácter picaresco.


Y es que todas estas obras tenían una intención básicamente sarcástica. A través de una serie de personajes estereotipados, se pretendía ridiculizar a petimetres, afrancesados, papanatas y cursis de toda laya, siempre dispuestos a ensalzar cualquier novedad con tal de que llegara del extranjero, sobre todo de Francia. Uno de los motivos más célebres de estos sainetes satíricos era el enfrentamiento entre la famosa canción de Mambrú (o Malbrú o Malbruc, por Malborough), que representaba lo foráneo, y la tirana, esencia castiza española. Aprovechando el bicentenario de los acontecimientos de 1808, El Concierto Español de Emilio Moreno preparó un interesante programa de tonadillas y tiranas sueltas en torno a esta temática que se ha convertido en el que es su segundo disco para Glossa.

Son obras de Blas de Laserna, Pablo Esteve –dos de los más activos compositores de tonadillas en el cambio de siglo– y Jacinto Valledor, que usan una orquesta de cuerdas, sin violas, pero con añadido de flautas, oboes y trompas, más las inevitables castañuelas y el continuo, donde no puede faltar una guitarra. El CD se abre además con una de las más famosas piezas de la época, La Tirana del Tripilí de Laserna, de la que no se ha conservado su versión original, pero sí muchas realizadas por otros compositores, a partir de las cuales y teniendo en cuenta el estilo primitivo, Emilio Moreno la ha reconstruido. El elenco vocal (Raquel Andueza, Marta Infante, Juan Sancho y Jordi Ricart) es de los mejores que puede ofrecer hoy la música antigua española, y el conjunto instrumental acompaña de forma impecable.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de agosto de 2009]


LA TIRANA CONTRA MAMBRÚ
The tonadilla and popular musical comedies in Spain c.1800

Raquel Andueza, soprano
Marta Infante, mezzosoprano
Juan Sancho, tenor
Jordi Ricart, barítono
El Concierto Español (Emilio Moreno e Isabel Serrano, concertinos)
Director: Emilio Moreno

Blas de Laserna (1751-1816):
1. La Tirana del Trípili
2. El desengaño

3. Pablo Esteve (c.1730-c.1801): Los patos del Malbrú
4. Blas de Laserna: No aparece la Tirana
5. Jacinto Valledor (1744-1809): La cantada vida y muerte del General Malbrú
6. Blas de Laserna: La Tirana se despide
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GLOSSA GCD 920309 (Diverdi) [62'33'']
Grabación: Octubre de 2008


Laserna: La Tirana del Trípili. [3'05''] Raquel Andueza. El Concierto Español. Emilio Moreno

La Tiranilla en el día,
es lo que más gusto da,
donde esté este sonetillo
todos se pueden callar.

Con el trípili, trípili, trápala
la tirana se canta y se baila
¡Anda chiquilla! Dale con gracia
que me robaste el alma.

Folías y más folías,
folías he de cantar,
hasta que a puro folías
te consiga enamorar.

Con el trípili, trípili, trápala...

Entrevista con Emilio Moreno

El último gambista

Carl Friedrich Abel (1723-1787) nació en Cöthen, justo el año en que Johann Sebastian Bach dejaba la maestría de capilla de la corte en donde su padre, Christian Ferdinand Abel, era violonchelista y violagambista. Las relaciones entre las dos familias fueron muy estrechas, hasta el punto de que el famoso cuadro que hasta ahora se atribuía a Baltasar Denner y se consideraba que representaba a Bach con sus hijos, bien pudiera ser un retrato de la familia Abel. En cualquier caso, muerto el padre en 1737, Carl Friedrich se trasladó a Leipzig para continuar su formación junto a Bach, lo que significaba no sólo estudiar con el maestro sino convivir con él y su familia.

En 1743, el joven Abel es ya un intérprete famoso. Aquel año ingresa en la célebre Hofkapelle de Dresde, donde Bach había sido admitido como compositor de corte en 1736 y donde habría de coincidir también con el primogénito del maestro, Wilhelm Friedemann. En 1758, con una situación política ya explosiva (que provocaría la destrucción de la ciudad al año siguiente), Abel abandonó Dresde y pasó por Frankfurt, Mannheim y París antes de dirigirse a Londres, donde se instaló en 1759. En la capital británica se encuentra con otro Bach, Johann Christian, con quien organiza a partir de 1764 los primeros conciertos de suscripción pública de la historia, los Bach-Abel Concerts, que perduraron hasta la muerte de su socio en 1782. Volvió entonces al continente, pero en 1785 está de regreso en Londres para reanudar en solitario el ciclo de conciertos, ahora con el nombre de Professional Concerts. El 21 de mayo de 1787 toca la viola por última vez en público: fallece justo un mes después.


Abel destacó especialmente en la escritura de música instrumental, sinfonías, oberturas, cuartetos, tríos, conciertos... Su mundo fue ya el del Clasicismo, un universo en el que la viola da gamba había quedado como un artefacto por completo obsoleto. Él fue el último cultivador verdaderamente genial que tuvo el instrumento hasta su rescate en el siglo XX. El Manuscrito Drexel proviene de los fondos musicales de la biblioteca del famoso pintor británico Thomas Gainsborough e incluye 29 piezas para viola sola, que nos dan una idea del estilo del músico: es música moderna, sin apenas trazos barrocos, aunque las enseñanzas de Bach aparezcan en una fuga soberbia; los Adagios, alguno bien conocido, apuntan al expresivo estilo empfindsamer, y otras piezas son de carácter plenamente clásico; hay también preludios improvisados, un par de arias, una de ellas con variaciones, y diferentes diseños danzables (sobre todo, minuetos).

Paolo Pandolfo se ha acercado a la colección con su conocido estilo interpretativo: sonido de extrema delicadeza, con una extraordinaria riqueza de matices, en especial en las dinámicas más leves, que a menudo rondan el silencio; una insinuante variedad de colores tornasolados, en un juego muy intenso con las posibilidades tímbricas de la viola; imaginativa ornamentación y fraseo flexible y relajado.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 4 de julio de 2009]


Carl Friedrich Abel (1723-1787): THE DREXEL MANUSCRIPT

Paolo Pandolfo, viola da gamba

I. Suite en re mayor
1. (Prélude) [10]
2. Allegro [1]
3. Vivace [5]
4. Andante [6]
5. (Allegro) [7]
6. Adagio [2]
7. (Tempo di Minuetto) [19]
8. (Aria) [13]
9. Tempo di Minuet [17]
10. (Minuetto) [8]

II. Suite en re menor
11. (Arpeggiata) [22]
12. (Minuetto) [23]
13. Allegro [24]
14. Adagio [26]
15. (Allegro) [25]
16. Tempo di minuet (en re mayor) [27]

III. Suite en re mayor
17. (Prélude) [9]
18. Allegro [14]
19. (Allegro) [11]
20. (Aria con Variazioni) [20]
21. Fuga [12]
22. Adagio [4]
23. Tempo di Minuet [18]
24. (Petit Prélude) [21]
25. Tempo di Minuet [3]
26. (Minuetto) [15]

IV. Dos piezas en la mayor
27. Allegretto [28]
28. Allegro [29]
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GLOSSA GCD 920410 (Diverdi) [79'28'']
Grabación: Febrero de 2008


Abel: Fuga [3'22''] Paolo Pandolfo

P. S. Estoy seguro de que nadie habrá dejado de notar que el álbum anuncia la integral de las 29 piezas del Manuscrito Drexel y Pandolfo sólo ha grabado 28; la explicación es sencilla: la pieza nº16 es en realidad un simple esbozo de unos pocos compases de lo que podría ser una improvisación, lo cual dice también bastante de las prácticas interpretativas de la época. Por otro lado, la ordenación en suites no es original de la colección, sino una idea del propio Pandolfo. [El número entre corchetes indica, como la inmensa mayoría habrá adivinado, la posición de cada pieza en el Manuscrito]

Un monumento europeo

Parece finiquitada la época en que las grandes multinacionales del disco dominaban el mercado ofreciendo una y otra vez las obras más populares y convencionales en versiones de los artistas de mayor reconocimiento internacional. Hoy se valora la audacia, que se enfoca tanto en el estilo de interpretación como en el repertorio. De ambas cosas sabe bastante la marca española Glossa, sin duda una de las más prestigiosas del mundo, una notoriedad conseguida merced a una trayectoria extraordinaria, que se ejemplifica en publicaciones como ésta, un triple álbum que recoge toda la obra vocal profana del compositor neerlandés Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621), publicación que para el mercado holandés se ofrece además en el formato libro-disco de las Ediciones Singulares y constituye la primera entrega de una edición mayor, The Sweelinck Monument, que incluirá además la obra religiosa del compositor en otros cinco volúmenes (cuatro con los 150 salmos, once cedés en total, y un doble con las Canciones sacras y los motetes). El colosal proyecto está encabezado desde hace años por Harry van der Kamp, célebre bajo holandés y líder del Gesualdo Consort Amsterdam, veterano conjunto reactivado al calor de esta monumental edición.

Sweelinck era hasta ahora fundamentalmente conocido por su obra para tecla, que lo colocaba en la línea de partida del estilo organístico del norte de Alemania del que Bach sería genial cúspide, pero en realidad su música vocal conservada supera con bastante a la instrumental, pues se trata de un corpus formado por 254 piezas, escritas y publicadas en un amplio período de tiempo, entre 1592 y 1621. Nacido en Deventer, pero establecido pronto en Amsterdam, en cuya Iglesia Vieja sustituyó como organista a su padre con sólo 15 años, Sweelinck vivió abierto a las más diversas influencias, que incluía la gran tradición polifónica flamenca, la chanson francesa y el madrigal italiano, todo lo cual se refleja en esta integral de su obra profana.



Sus chansons a cinco voces se publicaron en 1592, 93 y 94, publicaciones de las que sólo ha sobrevivido la última, aunque es posible que fuera la misma obra, tres veces editada. Los madrigales italianos se recogieron en distintas colecciones, mientras que las rimas francesas e italianas, a 2, 3 y 4 voces datan de 1612. Un par de cánones vocales y algunas piezas para laúd completan esta primera entrega de un monumento que supera con mucho su carácter nacional para convertirse en una edición de interés europeo.

El Gesualdo Consort Amsterdam lo forma aquí un conjunto de hasta siete cantantes, bien conocidos todos por los aficionados a la música antigua, que se ven acompañados en algunas piezas por el laudista Lee Santana y un conjunto de flautas dulces y de violas da gamba. La deleitable riqueza de matices de esta música invita a su lenta y sistemática escucha: los textos de las canciones ayudan lo suyo, aunque por una vez Glossa no los presenta, como suele, traducidos al español.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 20 de junio de 2009]


Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621): THE SECULAR VOCAL WORKS

Gesualdo Consort Amsterdam
Director: Harry van der Kamp

Stephanie Petitlaurent y Nele Gramß, sopranos
Marnix de Cat, alto
Marcel Beekman y Harry van Berne, tenores
Kees-Jan de Koning y Harry van der Kamp, bajos

Lee Santana, laúd
Anneke Boeke y Marion Verbruggen, flautas dulces
Hille Perl, Franke Hess, Juliane Laske, Sarah Perl y Lennart Spies, violas da gamba

CD 1: CHANSONS

1. Susanne un jour
2. Tu as tout seul
3. Plus tu cognois
4. Regret, soucy et peine
5. Regret, soucy et peine
6. Jeune beauté
7. Vostre amour
8. Bouche de Coral
9. Bouche de Coral
10. Pourquoy tournez vous
11. La belle que je sers
12. L’Aubespin
13. Quand je voy ma Maitresse
14. Je sens l’ardeur
15. Face donques qui voudra
16. Au mois de May
17. Je ne fay rien [Reconstrucción del Superius: Harry van der Kamp]
18. Je sens en moy
19. Tes beaux yeux
20. Sus, je vous prie
21. Elle est à vous
22. Depuis le jour
23. Si j’ayme ou non

CD 2: ITALIAN RIMES - MADRIGALS

1. Chi vuol veder [Reconstrucción del Quintus: Max Seiffert / Harry van der Kamp]
2. Garrula rondinella

3. Giovanni Maria Nanino (1543/44-1607): Morir non può il mio core
4. Morir non può il mio core

5. Luca Marenzio (1553/54-1599): Liquide perle Amor
6. Liquide perle Amor

7. Giovanni de Macque (1548/50-1614): Amor, io sento un respirar
8. Amor, io sento un respirar

9. Andrea Gabrieli (1510-1586): Dolcissimo ben mio
10. Dolcissimo ben mio
11. Per te rosa gentile

12. Luca Marenzio: Qual vive Salamandra
13. Qual vive Salamandra

14. Poi che voi non volete
15. Vaga gioia amorosa
16. Che giova posseder
17. Lascia filli mia cara
18. Hor che soave l’aura [Reconstrucción del Superius: Harry van der Kamp]
19. Ma donna con quest’occhi
20. Dolci labri amorosi
21. Facciam, cara mie file

22. Domenico Ferrabosco (1513-1574): Io mi son giovinetta
23. Io mi son giovinetta

24. Ricco amante son io
25. Un sol bacio ti dono
26. Sponse Musarum genus [Reconstrucción del Quintus: Max Seiffert / Harry van der Kamp]

CD 3: FRENCH RIMES - CANONS - WORKS FOR LUTE

1. Sine Cerere et Baccho
2. Un jour l’aveugle Amour
3. Marchans qui traversez
4. Mon Dieu, que j’ayme
5. Courante [laúd]
6. Yeux, qui guidez mon ame
7. Rozette
8. Marchans qui traversez [flautas]
9. Voicy du gay Printemps
10. Las ! que me sert
11. Volte [laúd]
12. Lors que le trait
13. Je voy mille clairtez
14. Volte [laúd]
15. Beaux yeux
16. Je pars
17. Voicy du gay Printemps [flautas]
18. Mon Dieu, que j’ayme
19. Volte [laúd]
20. Jamais n’avoir
21. Sine Cerere et Baccho
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3 CD GLOSSA GCD 922401 (Diverdi) [63'40'' - 68'01'' - 70'59'']
Grabaciones: Diciembre de 2003 y Julio de 2004


Sweelinck: Tes beaux yeux [2'50''] Gesualdo Consort Amsterdam. Harry van der Kamp

Tes beaux yeux causent mon amour,
Mon amour fait que je desire,
Le desir m'ard et nuit et jour,
L'ardeur me donne un grand martire,
Le martire fait que j'empire,
L'empirer me livre la mort,
Et toy qui ne fais que t'en rire,
Ne me daignes donner confort.
[Olivier de Magny, Les Odes Amoureuses]


Sweelinck: Sponse musarum genus [4'10''] Gesualdo Consort Amsterdam. Harry van der Kamp

Sponse, Musarum genus et sacerdos,
Amsteale a ripis Hymenaea cantum
Venimus, bellae tibi Margaritae
Sorte beato

Sponsa, Nympharum decus Albiarum,
Et chorus noster tibi gratulatur.
Vive Jacobo pia turturella,
Turture gaudens.
[Anónimo / ¿Jan Pieterszoon Sweelinck?]


Sweelinck: Yeux, qui guidez mon ame [4'17''] Gesualdo Consort Amsterdam. Harry van der Kamp

Yeux, qui guidez mon ame en l'amoureux voyage,
Mes celestes flambeaux, benins et gracieux,
C'est vous qui fournissez de traicts victorieux
Amour, le juste archer, seul Dieu de mon courage.

C'est vous quie me rendez content en mon servage,
C'est vous qui m'enseignez le beau chemin de cieux :
Vous purgez mon esprit de pensers vicieux
Et retenez mon coeur autrefois si volage.

Vous pouves d'un clin d'oeil faire vivre et mourir,
Faire au mois de Janvier un doux Printemps fleurir,
Et au fort de la nuict la lumière nous rendre.

Vous estes le Soleil qui me donnez le jour,
Et je suis le Phoenix, qui se bruels alentour :
Puis quand je suis bruslé, je renais de ma cendre
[Philippe Desportes, Amours de Diane]