El martillo sin dueño

Mudanza

2010-10-13T08:47:00.002+02:00

El próximo lunes 18 de octubre retomo mi actividad blogueril en El martillo sin dueño v.2. Será igual, pero diferente...

Hiatus

2010-05-29T06:23:00.001+02:00

El martillo sin dueño acaba de cumplir dos años, y justo ahora tengo que hacer una parada que no sé si será definitiva. A todos los que de un modo u otro han colaborado con este blog, muchas gracias.

Impresiones japonesas

2010-05-28T10:20:00.002+02:00

TOSHIO HOSOKAWA - SOLO CONCERTOS VOL.1

Irvine Arditti, violín
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin (1)

Gunhild Ott, flauta
SWR Sinfonieorchester Bade-Baden und Freiburg (2)

Bernhard Wambach, piano
NDR Radiophilharmonie (3)

Director: Robert HP Platz

Toshio Hosokawa (1955)

1. Landscape III, concierto para violín y orquesta (1993)
2. Per-Sonare, concierto para flauta y orquesta (1988)
3. Ans Meer, concierto para piano y orquesta (a partir del Concierto para saxofón y orquesta) (1999)
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NEOS 10716 (Diverdi) [50'35'']
Grabación: Enero de 1997 (1), Julio de 1999 (2) y Abril de 2001 (3)

Tres conciertos del japonés Toshio Hosokawa (1955) recoge este CD: Landscape III, para violín (1993), que toca Irvine Arditti; Per-Sonare, para flauta (1988), con Gunhild Ott de solista; Ans Meer, para piano (1999), con Bernhard Wambach. Acompañan tres orquestas radiofónicas alemanas diferentes, en los tres casos dirigidas por Robert HP Platz. El estilo leve, con toques impresionistas y muy centrado en la tímbrica típico de Hosokawa luce en las piezas para flauta y piano, mientras que la de violín es obra mucho más expresionista.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de mayo de 2010]

Hosokawa: Ans Meer. [14'33''] Bernhard Wambach. NDR Radiophilharmonie. Robert HP Platz

Al principio era Schönberg

2010-05-27T08:00:00.002+02:00

SCHÖNBERG

Manuela Uhl, soprano
BeethovenOrchester Bonn
Director: Stefan Blunier

Arnold Schönberg (1874-1951)

1. 5 Orchesterstücke Op.16
2. 6 Lieder Op.8
I. Natur [Heinrich Hart]
II. Das Wappenschild [Popular: Des Knaben Wunderhorn]
III. Sehnsucht [Popular: Des Knaben Wunderhorn]
IV. Nie ward ich, Herrin, müd' [Francesco Petrarca]
V. Voll jener Süsse [Francesco Petrarca]
VI. Wenn Vöglein klagen [Francesco Petrarca]
3. Notturno para arpa, violín y orquesta de cuerdas en la bemol mayor

4. Johann Sebastian Bach (1685-1750): Preludio y Fuga BWV 552 (arreglo para gran orquesta de Arnold Schönberg)
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MDG 937 1584-6 (Diverdi) [63'54'']
Grabación: Diciembre de 2008 y Febrero de 2009

Espléndido trabajo de la Orquesta Beethoven de Bonn en torno a Schönberg: del Notturno para arpa, violín y orquesta de cuerdas de 1896 a la orquestación del Preludio y fuga BWV 552 de Bach de 1929 va nada menos que el gran espasmo artístico y político que conocieron los primeros 30 años del siglo. Por medio, quedan los expresionistas 6 lieder Op.8, que canta Manuela Uhl con absoluta limpieza, y las 5 piezas para orquesta Op.16 de 1909, obra crucial en el desarrollo del atonalismo y de la melodía de timbres.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de mayo de 2010]

Schönberg: "II. Vergangenes" de 5 piezas para orquesta Op.16. [5'08''] Orquesta Beethoven de Bonn. Stefan Blunier

Martinu sinfónico

2010-05-26T09:43:00.002+02:00

MARTINU - SYMPHONIES NOS. 5 AND 6

Orquesta Filarmónica Checa
Director: Jiří Bělohlávek

Bohuslav Martinu (1890-1959)

1. Sinfonía nº5 H 310 (1946)
2. Sinfonía nº6 (Fantaisies symphoniques) H 343 (1951-53)
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SUPRAPHON SU 4007-2 (Diverdi) [57'49'']
Grabación: Diciembre de 2007 (nº5) y Mayo de 2009

Pese a que tenía ya una importante producción orquestal, Bohuslav Martinu (1890-1959) no escribió su primera sinfonía hasta 1942; le seguirían cuatro más en los cuatro años siguientes, con la 5ª (de 1946) como primera culminación de su trabajo en un género al que sólo dedicaría un último esfuerzo: la 6ª, subtitulada Fantasías sinfónicas y escrita entre 1951 y 1953. Jiří Bělohlávek ofrece estas dos últimas obras con una Filarmónica Checa que firma lecturas claras e idiomáticas de páginas poco difundidas que vale la pena conocer.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de mayo de 2010]

Martinu: "Lento", tercer y último movimiento de la Sinfonía nº6. [10'52''] Orquesta Filarmónica Checa. Bělohlávek

Debussy en Roma

2010-05-25T09:03:00.002+02:00

CLAUDE DEBUSSY - MUSIC FOR THE PRIZE DE ROME

Guylaine Girard, soprano (CD 1: 1 y 3; CD 2: 2-4)
Sophie Marilley, mezzosoprano (CD 1: 3)
Bernard Richter, tenor (CD 1: 1 y 2; CD 2: 4)
Alain Buet, barítono (CD 1: 1; CD 2: 4)

Marie-Josèphe Jude, piano (CD 1: 2; CD 2: 1-3)
Jean-François Heisser, piano (CD 1: 2 y 3; CD 2: 1-3)

Coro de la Radio de Flandes (CD 1: 2 y 3; CD 2: 1-3)
Orquesta Filarmónica de Bruselas (CD 1: 1; CD 2: 4)
Director: Hervé Niquet

Claude Debussy (1862-1918)

CD 1

1. Le Gladiateur, cantata para solistas y orquesta [Émile Moreau]
[Guylaine Girard (Fulvie), Bernard Richter (Narbal), Alain Buet (Métellus)]
2. Invocation, coro para tenor solista, coro de hombres y piano a cuatro manos [Alphonse de Lamartine]
3. La Damoiselle élue, poema lírico para soprano, mezzosoprano, coro de mujeres y piano [Dante Gabriel Rosetti, en traducción al francés de Gabriel Sarrazin]
[Guylaine Girard (La Damoiselle), Sophie Marilley (La Récitante)]

CD 2

1. Printemps, suite sinfónica, para coro mixto y piano a cuatro manos [reconstrucción de Cyril Bongers]
[Hilde Venken, Marianne Byloo, Emilie De Voght, corifeos]
2. Le Printemps, coro para soprano solista, coro mixto y piano a cuatro manos [Jules Barbier]
3. Salut Printemps, coro para soprano solista, coro de mujeres y piano a cuatro manos [Anatole de Ségur]
4. L'Enfant prodigue, cantata para solistas y orquesta [Édouard Guinand]
[Guylaine Girard (Lia), Bernard Richter (Azaël), Alain Buet (Siméon)]
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2 CD GLOSSA GCD 922206 (Diverdi) [48'17'' - 53'52'']
Grabación: Junio de 2009 (coro y pianos), Julio de 2009 (orquesta)

Debussy se presentó tres veces al prestigioso Premio de Roma (1882-84), ganando a la tercera. Escritas para el premio han sobrevivido los tres coros de la prueba eliminatoria (Salut Printemps, Invocation y Le Printemps) y las dos cantatas de las finales (Le Gladiateur y L’enfant prodigue). A ellas se añaden las obras escritas desde Roma en 1887 (Printemps) y 1888 (La damoiselle élue), aquí, como los coros, interpretadas con acompañamientos pianísticos. Obras casi desconocidas de un talento en ciernes que Hervé Niquet dirige al Coro de la Radio Flamenca y la Filarmónica de Bruselas.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de mayo de 2010]

Debussy: "L'impatience populaire" de Le gladiateur. [5'13''] Girard, Richter. Orquesta Filarmónica de Bruselas. Niquet

Arrebatos matemáticos (1)

2010-05-24T08:27:00.005+02:00

Para los pitagóricos, las relaciones entre los sonidos podían expresarse en números y ser usadas como modelos auténticos de la armonía del mundo. Armonía y número revelaban así su más profunda naturaleza hermanados en la música. Salvando el tiempo y las revoluciones científicas que separan a los griegos de la antigüedad de los de nuestro tiempo, parece que Iannis Xenakis (Braila, Rumanía, 1922 - París, 2001) estuvo imbuido de buena parte de este espíritu que busca en el modelo matemático caminos para la expresión artística. "El pasado significa mucho para mí", dijo Xenakis y es en esta conexión con la filosofía antigua como mejor se entiende su postura ante la tradición, que queda también reflejada en el título de sus obras.

Esta búsqueda de principios objetivos, científicos, sobre los que fundar la realidad subjetiva del arte fue explicada por el propio compositor con claridad: "Estoy convencido de que no se alcanza una visión universal de las cosas a través de la religión, el sentimiento o la tradición, sino a través de las ciencias naturales. Con ayuda del pensamiento científico. Eso no significa que sólo con eso y sin otros puntos de referencia, sin un pensamiento general, vayamos a llegar a alguna parte. El pensamiento científico me pone un instrumento en la mano con el que podré llevar a cabo mis ideas de origen no-científico. Y estas ideas son el producto de determinadas visiones e intuiciones".

Y es que nada más lejano de la creación artística de Xenakis que la asepsia puramente matemática y objetiva. Aunque parta de modelos estocásticos, su música alcanzó, desde la impactante presentación de Metastaséis en 1953, una fuerza expresiva que puede considerarse única en el panorama de las vanguardias de los años 50 y 60. Con Xenakis, la masa sonora se convierte en la gran protagonista del discurso. El compositor ya no opera por adición de elementos, sino que concibe la obra partiendo del bloque sonoro compacto al que va dando forma como el escultor que cincela su pieza de mármol.

Este gusto por moldear los sonidos entendidos como masa llevó al compositor a trabajar frecuentemente con la orquesta, a la que dedicó a lo largo de su carrera una cuarentena de piezas. Se trata de un repertorio nada fácil para los conjuntos, pues los instrumentos son exigidos hasta el límite de sus posibilidades, pero de una sonoridad inconfundible y especial, arrolladora por la violenta energía desplegada, subyugante por la originalidad de los juegos tímbricos, hipnótica por la capacidad para mantener la tensa atención del oyente hasta la extinción final del sonido. El director madrileño Arturo Tamayo lleva años grabando esta música con la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo para el sello Timpani, que ahora publica los cinco volúmenes aparecidos hasta la fecha en una caja que recoge un total de 23 obras, perfecta representación de este arte hecho de pulsiones febriles, de un deslumbrante arrebato matemático.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 22 de mayo de 2010]

IANNIS XENAKIS - OEUVRES POUR ORCHESTRE

Orquesta Filarmónica de Luxemburgo
Director: Arturo Tamayo

Iannis Xenakis (1922-2001)

CD 1

1. Aïs
2. Tracées
3. Empreintes
4. Noomena
5. Roaï

CD 2

1. Jonchaies
2. Shaar
3. Lichens
4. Antikhthon

CD 3

1. Synaphaï
2. Horos
3. Eridanos
4. Kyania

CD 4

1. Erikhthon
2. Ata
3. Akrata
4. Krinoïdi

CD 5

1. Métastaséis
2. Pithoprakta
3. ST/48
4. Achorripsis
5. Syrmos
6. Hiketidès
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5 CD TIMPANI 5C1177 (Diverdi) [59'02'' - 63'14'' - 64'16'' - 53'08'' - 60'18'']
Grabación: Febrero y Abril de 2000 (CD 1), Marzo y Abril de 2001 (CD 2), Marzo y Mayo de 2002 (CD 3), Junio de 2004 (CD 4), Mayo de 2006 (CD 5)

Las letras y las notas ( y 7): Mann

2010-05-23T11:22:00.003+02:00

THOMAS MANN (1875-1955)
Prólogo de Fernando Aramburu
Ensayo de Blas Matamoro

CD

1. Richard Strauss (1864-1949): Till Eulenspiegels lustige Streiche, op. 28
Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine. Alain Lombard, director. [Naïve. 1994]
2. Charles Gounod (1818-1893): "O sainte médaille - Avant de quitter" de Faust
Tommi Hakala, barítono. Orquesta Filarmónica de Tampere. Eri Klas, director. [Ondine. 2004]
3. Hans Pfitzner (1869-1949): "Sehr breit und ausdrucksvoll" de la Sonata para violín y piano en mi menor, op. 27
Benjamin Schmid, violín; Claudius Tanski, piano. [MDG. 1999]

4. Arnold Schönberg (1874-1951): "Mondestrunken" - "Colombine" - "Der Dandy" - "Eine blasse Wäscherin" de Pierrot lunaire, op. 21
Salome Kammer, Sprechstimme. Ensemble Avantgarde. Hans Zender, director. [MDG. 1994]
5. Gustav Mahler (1860-1911): "Adagietto. Sehr langsam" de la Sinfonía nº 5 en do sostenido menor.
Orquesta Filarmónica Checa. Václav Neumann, director. [Supraphon. 1980]
6. Benjamin Britten (1913-1976): "Pastoral" de la Serenata para tenor, trompa y orquesta, op. 31
Christoph Prégardien, tenor; Ib Lanzky-Otto, trompa. Tapiola Sinfonietta. Osmo Vänskä, director. [BIS. 1991]

7. Franz Schubert (1797-1828): "Der Lindenbaum" de Winterreise D 911
Hans Jörg Mammel, tenor; Arthur Schoonderwoerd, fortepiano. [Alpha. 2005]
8. Richard Wagner (1813-1883): "Preludio y muerte de Isolda" de Tristan und Isolde
Christa Ludwig, mezzosoprano. NDR Sinfonieorchester. Hans Knappertsbusch, director. [Tahra. 1963]
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EDICIONES SINGULARES ES 1004 (Diverdi) [92 páginas. 71'03'']
Edición: Mayo de 2009

Para los ánimos operáticos de Aída y Radamés no existía la proximidad objetiva. Sus voces vacilaban al unísono en la octava aguda de la dicha, seguras de que el cielo se abría y sus deseos resplandecían en él con la luz de la eternidad. La consoladora fuerza de este embellecimiento producía en el oyente un extraordinario placer y con él colaboraba no poco que este número de su programa llegara tan especialmente al corazón.
[Thomas Mann, La montaña mágica]

Reconozco que siempre tuve prevención ante la figura de Thomas Mann, ese hombre tan alemán siempre –a pesar de que tuviera que huir de Alemania–, tan consciente de la importancia de su obra, tan preocupado por dejar marca de todo lo que hacía y decía, una especie de Goethe del siglo XX, omnipresente y casi omnisciente. Quizá sea una imagen injusta, porque de los intelectuales alemanes de la época fue de los que supo rectificar a tiempo, de los que entendió que la bicha del nacionalismo pangermanista, agresivo y destructivo que conduciría al Tercer Reich estaba ya incubada en el idealismo irracionalista del siglo XIX (qué bien los desenmascara Juan José Sebreli en El olvido de la razón), incluso en la forma de "ser alemán" del hiperclásico Goethe. Como hiciera ya con Proust, Blas Matamoro vuelve a hacer aquí un análisis excelente, pese a su brevedad, de la realidad social, política e intelectual del tiempo que analiza, que es el del hundimiento del Imperio en la catástrofe de la Gran Guerra, la ilusionante fragilidad de la república de Weimar y el surgimiento y caída del nazismo, y lo hace trazando un dibujo en el que vemos al Mann más bien odioso de su vida familiar, al hombre aupado a la grandeza pública en la Alemania de Weimar y al artista que aspira a la gloria literaria, todo ello con la música en primerísimo plano. Desde luego que no necesita Matamoro hacer un gran esfuerzo para convertir la música en el principal hilo conductor de su relato, pues la música estuvo siempre presente en la vida y la obra de Mann. Sus relaciones con los grandes directores y compositores de la época (Strauss, Schoenberg, Pfitzner, Walter, Furtwängler...), su rechazo al modernismo, su fidelidad a Wagner y, sobre todo, la presencia del arte de los sonidos en sus novelas y relatos es pues el gran fundamento de este ensayo, aunque, como he dicho ya, el trasfondo sociopolítico está admirablemente atrapado.

En La montaña mágica no sólo aparecen innumerables citas musicales (hasta ese final con El tilo de Schubert), sino que la novela está concebida casi como una gran partitura sinfónica, pero la gran obra musical de Mann es la última, Doktor Faustus, especie de gran recapitulación de sus preocupaciones literarias, que protagoniza un compositor, Adrian Leverkühn, al que el escritor hace responsable de obras por completo imaginarias (lo que ha dado para soluciones en general poco lucidas cuando se ha querido trasladar al cine), pero por supuesto también es puramente musical Muerte en Venecia, y de la música se alimentan relatos como El niño prodigio (en el que la bisexualidad que muchos adjudican a Mann está muy presente) o De la estirpe de Odín, deliciosa pieza sobre el incesto de los welsungos (de hecho en España se ha traducido más habitualmente como Sangre de Welsas). Prometo meterle mano algún día a Los Buddenbrook.

Wagner: "Preludio y muerte de Isolda" de Tristán e Isolda. [17'00''[ Christa Ludwig. Orquesata Sinfónica de la NDR. Knappertsbusch.

Mild und leise
wie er lächelt,
wie das Auge
hold er öffnet
seht ihr's Freunde?
Seht ihr's nicht?
Immer lichter
wie er leuchtet,
stern-umstrahlet
hoch sich hebt?
Seht ihr's nicht?
Wie das Herz ihm
mutig schwillt,
voll und hehr
im Busen ihm quillt?
Wie den Lippen,
wonnig mild,
süßer Atem
sanft entweht
Freunde! Seht!
Fühlt und seht ihr's nicht?
Hör ich nur
diese Weise,
die so wunder-
voll und leise,
Wonne klagend,
alles sagend,
mild versöhnend
aus ihm tönend,
in mich dringet,
auf sich schwinget,
hold erhallend
um mich klinget?
Heller schallend,
mich umwallend,
sind es Wellen
sanfter Lüfte?
Sind es Wogen
wonniger Düfte?
Wie sie schwellen,
mich umrauschen,
soll ich atmen,
soll ich lauschen?
Soll ich schlürfen,
untertauchen?
Süß in Düften
mich verhauchen?
In dem wogenden Schwall,
in dem tönenden Schall,
in des Welt-Atems
wehendem All
ertrinken,
versinken
unbewußt
höchste Lust!

(Isolde sinkt, wie verklärt, in Brangänes Armen sanft auf Tristans Leiche. Rührung und Entrücktheit unter den Umstehenden. Marke segnet die Leichen. Der Vorhang fällt langsam)

[Delicioso y callado,/ cómo sonríe,/ cómo los ojos/ abre propicio,/ ¿Lo veis amigos?/ ¿No lo veis?/ ¿Cada vez más luminoso/ cómo resplandece,/ astro bañado en luz,/ cómo se eleva a lo alto?/ ¿No lo veis?/ ¿Cómo el corazón/ se le dilata, valeroso,/ cómo pleno y noble/ se le hincha en el pecho?/ ¿Cómo en los labios,/ deliciosamente,/ el dulce aliento/ suavemente se exhala?/ ¡Amigos!/ ¡Ved!/ ¿No lo veis ni lo sentís?/ ¿Sólo yo oigo/ esta melodía,/ que tan maravillosa/ y suave,/ lamentándose gozosa,/ diciéndolo todo,/ dulcemente conciliadora,/ resonando desde él,/ penetra en mí,/ se eleva sobre sí,/ sonando propicia,/ rodeándome de sonido?/ Vibrando más claras,/ envolviéndome ondulantes,/ ¿son ondas de brisas deliciosas?,/ ¿son nubes de aromas dulcísimos?/ Cómo crecen,/ cómo me rodean de murmullos,/ ¿debo respirarlas,/ debo escucharlas?/ ¿Debo beberlas a sorbos,/ sumergirme en ellas?/ ¿Respirarme en dulces fragancias?/ En la crecida ondulante,/ en el sonido resonante,/ en el universo suspirante/ de la respiración del mundo,/ anegarse,/ abismarse,/ inconsciente,/ supremo/ deleite.

(Isolda se desploma suavemente, como transfigurada, en brazos de Brangäne, sobre el cadáver de Tristán. Gran emoción y arrobo entre los presentes. Marke bendice los cadáveres).]

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El virtuoso sereno

2010-05-22T11:26:00.001+02:00

ROSS

17º Programa de abono de la Temporada 2009-10. Solista: Ludmil Angelov, piano. Director: Michal Nesterowicz. Programa: Gerok de Isabel Urrutia; Concierto para piano y orquesta nº1 en mi menor Op.11 de Frédéric Chopin; Sinfonía nº1 en do mayor Op.21 de Ludwig van Beethoven. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 20 de mayo. Aforo: Dos tercios.

* * *

EL VIRTUOSO SERENO Y UN POLACO DEL CONO SUR

Como complemento al ciclo chopiniano que viene ofreciendo en la Sala Manuel García del Maestranza, el pianista búlgaro afincado en España Ludmil Angelov ofreció con la ROSS el primer concierto del gran maestro polaco, y lo hizo aplicando el mismo estilo sereno, claro, elegante, apoyado en el legato y en un uso comedido pero muy expresivo del rubato que viene mostrando en la sala pequeña del coliseo del Paseo Colón. Virtuosismo distinguido, sin alardes ni fuegos artificiales, sin contrastes extremos de dinámicas ni colores exuberantes, aplicándose en la nitidez de la línea y en la precisión rítmica y con un tratamiento más bien sobrio de la ornamentación.

El polaco Michal Nesterowicz (1974), un ganador del prestigioso Concurso de Cadaqués, que es actualmente director artístico de la Sinfónica de Chile, acompañó desde ese mismo comedimiento, con una mirada muy clásica, que en el Larghetto central pudo parecer incluso fría. Antes había ofrecido una lectura un tanto adusta de Gerok de la vizcaína Isabel Urrutia (Algorta, 1967), obra que en su tratamiento por grupos orquestales (por momentos, me hizo pensar en una especie de concerto grosso) parecía ofrecer unas posibilidades de penetración y variedad tímbrica que se quedaron en promesa, sin que haya podido dilucidar si se trató de un efecto de la obra, de la interpretación o de mi oído.

Por edad, Nesterowicz ha crecido sin duda con la referencia de los modernos criterios interpretativos aplicados al Clasicismo, y eso se notó en un Beethoven claro y brioso, de tempi rápidos, vibrato muy reducido, fraseo corto y apreciable equilibrio, y ello a pesar del empleo de un contingente de cuerdas (10/8/8/6/4) que es aún algo mayor del que los conjuntos más audaces aplican ya en la interpretación de esta 1ª sinfonía, que bebe de las claras y refinadas fuentes haydnianas y mozartianas.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 21 de mayo de 2010]

Abbado canta a Pergolesi

2010-05-21T10:53:00.000+02:00

PERGOLESI - MISSA S. EMIDIO

Veronica Cangemi, soprano (en 1 y 3)
Sara Mingardo, contralto (en 1 y 2)
Rachel Harnisch, soprano (en 4)
Teresa Romano, mezzosoprano (en 4)

Coro de la Radio Suiza (en 1 y 4)
Orquesta Mozart
Director: Claudio Abbado

Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736):

1. Missa S. Emidio
2. Salve Regina en fa menor
3. "È dover che le luci - Manca la guida al pie" de La conversione e morte di San Guglielmo duca d'Aquitania
4. Laudate pueri Dominum
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ARCHIV 477 8463 (Universal) [72'49'']
Grabación: Mayo de 2009

De los tres discos que Abbado ha dedicado a Pergolesi con la Orquesta Mozart en Archiv, este recoge la imponente Missa S. Emidio, obra exuberante pese a pertenecer al género de la misa breve (sólo Kyrie y Gloria) que interpreta un Coro de la Radio Suiza esplendoroso. La Salve Regina parece auténticamente de ultratumba, por los graves y la expresión doliente de Sara Mingardo. Veronica Cangemi canta un recitativo y aria de un drama sacro y la soprano Rachel Harnisch se suma a un coro otra vez ardiente en el Laudate pueri.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 15 de mayo de 2010]

Pergolesi: "Domine Deus" de Missa S. Emidio. [4'13''] Cangemi, Mingardo. Orquesta Mozart. Abbado

Regreso a Haendel

2010-05-20T09:57:00.004+02:00

NEUN DEUSTCHE ARIEN - GLORIA

Emma Kirkby, soprano
London Baroque

Ingrid Seifert y Richard Gwilt, violines
Charles Medlam, violonchelo
Terence Charlston, clave y órgano

Georg Friedrich Haendel (1685-1759):

Nueve arias alemanas [Bartold Heinrich Brockes]
1. Künft’ger Zeiten eitler Kummer HWV 202
2. Das zitternde Glänzen HWV 203
3. Süßer Blumen Ambraflocken HWV 204
4. Süße Stille, sanfte Quelle HWV 205
5. Singe, Seele, Gott zum Preise HWV 206
6. Meine Seele hört im Sehen HWV 207
7. Die ihr aus dunkeln Grüften HWV 208
8. In den angenehmen Büschen HWV 209
9. Flammende Rose, Zierde der Erden HWV 210

10. Sonata en trío en fa mayor HWV 392

11. Gloria
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BIS CD-1615 (Diverdi) [69'47'']
Grabación: Noviembre de 2006

Este Gloria más que dudosamente atribuido a Haendel fue grabado ya por Kirkby en Bis en 2001, cuando se difundió la noticia de su adjudicación por parte de algunos musicólogos al maestro sajón. La obra sirve aquí de complemento a un registro singular de las Nueve arias alemanas, ofrecidas con el escueto acompañamiento del London Baroque en su formación reducida más clásica (2 violines, cello, clave). La voz de Kirkby, ya se sabe, es pequeña, pero encantadora, muy musical y conserva toda la belleza y tersura de su timbre.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 15 de mayo de 2010]

Haendel: Süße Stille, sanfte Quelle HWV 205. [4'31''] Emma Kirkby. London Baroque

Süβe Stille, sanfte Quelle,

ruhiger Gelassenheit,
Selbst die Seele, wird erfreut,
Wenn ich mir nach dieser Zeit
Arbeitsamer Eitelkeit
Jene Ruh vor Augen stelle,
Die uns ewig ist bereit.

[Dulce silencio, suave manantial, serena calma,/ el alma se regocijará,/ cuando yo, tras este tiempo/ de laboriosa vanidad,/ ponga ante mis ojos aquella tranquilidad,/ que eterna está dispuesta para nosotros. Trad.: Alberto Marina Castillo]

Corelli y el virtuosismo

2010-05-19T08:44:00.002+02:00

MR. CORELLI IN LONDON

Maurice Steger, flauta dulce
The English Concert
Director: Laurence Cummings

Arcangelo Corelli (1653-1713): Sonatas para violín Op.5, en arreglos de Francesco Geminiani (1687-1762) y otros maestros anónimos

1. Concierto para flauta nº10 en fa mayor
2. Concierto para flauta nº8 en mi menor
3. The Favorite Gigg in Corelli's 5.th Solo (with divissions by Sig.rs Cateni & Valentini)
4. Concerto grosso en re menor, sobre La follia [Geminiani]
5. Concierto para flauta nº4 en fa mayor
6. Concierto para flauta nº7 en re menor
7. Ground upon the Sarabanda them eof the 7.th Sonata
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HARMONIA MUNDI HMU 907523 [71'00'']
Grabación: Julio de 2009

Arcangelo Corelli fue un compositor reverenciado en toda Europa, pero principalmente en Inglaterra, donde su música era consumida febrilmente por asociaciones de aficionados que propiciaron todo tipo de arreglos de sus sonatas y conciertos. Los realizados por mano anónima para la flauta dulce de las Sonatas de violín Op.5 han alcanzado justa fama, y en ellos se basa Maurice Steger para este disco en el que el solista derrocha pasión, virtuosismo y frivolidad, todo con un sentido del espectáculo y una musicalidad desbordantes.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 15 de mayo de 2010]

Corelli: Concierto para flauta Op.4 (a partir de las Sonatas para violín Op.5) (Adagio-Allegro-Vivace-Adagio-Allegro). [10'23''] Maurice Steger. The English Concert. Laurence Cummings

El violín en el espejo

2010-05-18T10:28:00.004+02:00

WESTHOFF - SEI PARTITE À VIOLINO SENZA BASSO ACCOMPAGNATO

Gunar Letzbor, violín

Johann Paul von Westhoff (1656-1705): Sei partite à violino senza basso accompagnato (1696)

1. Partia I en la menor
2. Partia II en la mayor
3. Partia III en si bemol mayor
4. Partia IV en do mayor
5. Partia V en re menor
6. Partia VI en re mayor
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ARCANA A 354 (Diverdi) [62'51'']
Grabación: Febrero de 2009

Publicadas en 1696, estas Sei partite à violino senza basso accompagnato de Johann Paul von Westhoff (1656-1705) forman la primera colección de obras para violín solo de la historia, un antecedente directo de Bach. Son piezas que explotan las ricas posibilidades polifónicas del instrumento, estilizando los ritmos de danza, aunque sin olvidarlos. Gunar Letzbor afronta su interpretación con fina madurez. Ya no es la vehemencia un punto desabrida de su juventud, sino un reposo y una elegante hondura que se aprecian en la claridad y la imbricación naturalísima de línea y ornamento.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 15 de mayo de 2010]

Westhoff: Partita para violín solo en re menor (Allemande-Courante-Sarabande-Gigue). [9'26''] Gunar Letzbor

Bach revisitado

2010-05-17T08:43:00.002+02:00

En 1805, tras la muerte de la esposa y la hija de Carl Philip Emanuel Bach, el editor suizo Hans Georg Nägeli adquiere en subasta pública una obra incluida en el inventario de pertenencias del músico que había quedado sin vender tras su muerte en 1788. Anunciada como Gran Misa católica, el volumen contenía la hoy conocida como Misa en si menor de Johann Sebastian Bach, que Nägeli estudió con detenimiento y cuya publicación decidió impulsar, deseos que anunció en 1818 en el Leipziger Allgemeine Musikalische Zeitung con unas palabras sobre la pieza que sin duda debieron de sonar hiperbólicas en su tiempo, pero que hoy podrían aceptarse sin demasiadas complicaciones: "La mayor obra musical de todos los tiempos y de todas las naciones", una idea que corroboraría años después Carl Friedrich Zelter, director de la Singakademie donde Mendelssohn reestrenó en 1829 la Pasión según San Mateo: "Es posiblemente la más grandiosa obra de arte musical que ha visto el mundo".

Y si bien podría discutirse la naturaleza unitaria de la obra, el conjunto es desde luego una auténtica summa del arte bachiano, que fue elaborada a lo largo de más de 20 años. El Sanctus fue escrito para la Navidad de 1723 o 1724, recién llegado el compositor a Leipzig. Kyrie y Gloria fueron enviados en 1733 a la corte católica del príncipe elector de Sajonia y rey de Polonia en Dresde, acompañando la solicitud del puesto de Compositor de la corte, nombramiento que Bach recibiría en 1736 de forma honorífica. El resto de la misa es parodia de piezas anteriores, y en concreto el Symbolum Nicenum (Credo) fue añadido al díptico Kyrie-Gloria por el compositor en torno a 1748. Una cuarta parte, que incluía Osanna, Benedictus, Agnus Dei y Dona nobis pacem, fue adjuntada pensando sin duda en la corte sajona, pues no eran secciones que se interpretaran por norma en Leipzig.

Editada finalmente por primera vez en 1845, la Misa en si menor ha atravesado el tiempo alzándose aún hoy como un monumento sobrecogedor y fascinante. Frans Brüggen, quien se enfrentara con la obra por primera vez en 1989, la volvió a grabar veinte años después durante una gira europea, y su registro, que edita ahora Glossa, se convierte en uno de los más incisivos, poderosos y sugerentes de la moderna fonografía. Junto a su mítica Orquesta del Siglo XVIII, cuenta el director holandés con un coro excepcional, la Cappella Amsterdam, una treintena de voces, lo que dice ya mucho de las intenciones interpretativas del maestro: nada de minimalismos ni raquitismos, una interpretación robusta, sólida, a la vez que clara, elegante, serena, pero en absoluto alicaída, sino cargada de tensión, de fuerza y de emotividad. Del quinteto de solistas vocales destaca la siempre encantadora Johanette Zomer, la solidez de Peter Kooij y la elegancia y cristalinidad del contratenor Patrick van Goethem. Cumple Dorothee Mields, pero a Jan Kobow le recuerdo mejores días.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 15 de mayo de 2010]

JOHANN SEBASTIAN BACH - MASS IN B MINOR, BWV 232

Dorothee Mields, soprano I
Johanette Zomer, soprano II
Patrick van Goethem, alto
Jan Kobow, tenor
Peter Kooij, bajo

Cappella Amsterdam
Orquesta del Siglo XVIII
Director: Frans Brüggen

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Misa en si menor

CD 1

Missa (Kyrie, Gloria)

CD 2

1. Symbolum Nienum (Credo)
2. Sanctus
3. Osanna, Benedictus, Agnus Dei et Dona nobis pacem
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2 CD GLOSSA GCD 921112 (Diverdi) [54'50'' - 51'31'']
Grabación: Marzo de 2009

Bach: "Cum Sancto Spiritu" de la Misa en si menor. [4'06''] Cappella Amsterdam. Orquesta del Siglo XVIII. Brüggen

Retorno al pasado

2010-05-16T12:22:00.001+02:00

A VUELAPLUMA

A mediados de los años 80 del siglo pasado, cuando el Teatro Lope de Vega, de titularidad municipal, cerró para unas imprescindibles reformas, Sevilla se quedó sin un solo teatro o auditorio dignos de tales nombres. La afición melómana la mantenían la esforzada Orquesta Bética Filarmónica con sus matinales dominicales que se celebraban en el crujiente salón de actos del entonces Conservatorio Superior de Música (hoy, Conservatorio Profesional Cristóbal de Morales) y Don Julio García Casas, que hacía maravillas para mantener la dignidad de la programación de Juventudes Musicales. En ese entorno, la entonces Muestra de Música Antigua era un acontecimiento (de apenas seis o siete citas) que provocaba colas interminables para acceder a los cajones del Alcázar en los que se ofrecían sus conciertos. Reabierto el Lope de Vega en 1987 para el inolvidable Karpov-Kasparov, se inició luego en él una programación musical esporádica e irregular, nada del otro jueves, que quedó pronto olvidada cuando llegaron los fastos de la Expo 92. Desde entonces, todo (o casi todo) fue crecer: Orquesta Sinfónica, Teatro de la Maestranza, Teatro Central, Centro Cajasol, temporada regular de ópera, ballet y zarzuela, ciclo de cámara de nivel internacional, ciclos de contemporánea (hasta 3 diferentes este año), grandes pianistas, voces, orquesta barroca de clase mundial, ciclos universitarios... Y de repente, catacrock... La Barroca se tambalea, todo hace indicar que el ciclo de cámara de Cajasol ha muerto sin ni siquiera completar la ya anunciada programación de otoño (cuatro conciertos: Barnabás Kelemen y Zoltan Kocsis, Cuarteto Casals, Emmanuel Ax y Steven Isserlis), que por supuesto era imposible de encontrar en su página web, los conciertos de la ROSS bajan su nivel de asistencia a niveles alarmantes, el Maestranza se prepara para una temporada de las de hace una década (o peor: entonces teníamos las orquestas de Ibermúsica)... ¿Tan gastosos éramos que al primer contratiempo los sueños se hicieron humo? En absoluto. Si sumamos las cantidades que serían necesarias para mantener un nivel de programación como el de, pongamos por caso, la temporada 2007-08, no creo que pasáramos en mucho los 3 millones de euros (si es que llegábamos), es decir, la cuarta parte del coste de la penúltima roncha que le ha salido al Ayuntamiento con el engendro de la Encarnación (cuyo coste total se aproxima ya, según cálculos independientes, a los 123 millones), apenas el doble de la inversión municipal en un discutible aparato de propaganda, nada, poco más del 5% de lo que les cuesta a los partidos políticos españoles una campaña electoral... Y así afrontamos el futuro: con la casa tomada.

Reliquias con hemoglobina

2010-05-15T12:37:00.000+02:00

SANGUIS JESU CHRISTI

Ordo virtutum
Director: Stefan Johannes Morent

Frank Bosert, Hubert Mayer, Stefan Johannes Morent, Jörg Rieger, Daniel Schreiber, Alexander Yudenkov

Oficio de la Santa Sangre (Weingartner, siglo XIII):

Ad primas vesperas
1. Deus in adiutorium - O quam venerandus (antiphona)
2. O lapsi salus hominis (hymnus)
3. Ave cruor salutaris (antiphona) - Magnificat

Ad matutinas
4. Qui quos creavit (invitatorium) - Venite exultemus (salmo 95)

In primo nocturno
5. Labentibus prothoplastis (antiphona) - Beatus vir (salmo 1)
6. Dum Christe consituitur (antiphona) - Quare fremuerunt gentes (salmo 2)
7. Insurgentes in dominum (antiphona) - Domine quid multiplicati sunt (salmo 3)
8. In pace Christus dormiit (antiphona) - Cum invocarem (salmo 4)
9. In domino confidimus (antiphona) - In Domino confido (salmo 10)
10. Defecit sanctus moriens (antiphona) - Salvum me fac (salmo 11)
11. Serpens ad fastum (responsorium)
12. Sacrosancte dominice (lectio)
13. Vere sacratum sanguinem (responsorium)
14. Inclitus martyr (lectio)
15. Christi sanguis sacratissime (responsorium)

In secundo nocturno
16. Ingressus sine macula (antiphona) - Domine quis habitabit (salmo 14)
17. Conserva tuos domine (antiphona) - Conserva me (salmo 15)
18. Orbis terrarum resonet (antiphona) - Domini est terra (salmo 23)
19. Novum deo sit canticum (antiphona) - Cantate Domino (salmo 95)
20. Letentur omnes insule (antiphona) - Dominus regnavit (salmo 96)
21. Salvavit sibi dextera (antiphona) - Cantate Domino (salmo 97)
22. Post annorum (lectio)
23. Te sanctum sanguinem (responsorium)
24. Tempore quo (lectio)
25. Sanguis mirificus Christi (responsorium)

In tertio nocturno
26. Ea tempastate (lectio)
27. Mustum produxit (responsorium)
28. Venerunt ergo (evangelium)
29. Salve vena salutaris (responsorium)
30. In medio dominici (responsorium)

Ad laudes
31. O gutta sanguinis (antiphona) - Benedictus

Ad secundas vesperas
32. Sanctus sanguis iste (antiphona) - Magnificat
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CHRISTOPHORUS CHR 77309 (Diverdi) [76'33'']
Grabación: 2008

Sin salir del ámbito del gregoriano, la propuesta de Stefan Johannes Morent y su grupo (que toma su nombre de la más conocida obra de Hildegard von Bingen) es diferente a la que traje ayer: aquí se trata de una reconstrucción de un oficio de vísperas para la fiesta de la Santa Sangre, reliquia cuya historia se cruza con la del Grial y que fue especialmente venerada en Centroeuropa, donde se supone que habría ido a parar la sangre que María Magdalena tomó de la cruz. En Weingarten el culto a la Santa Sangre se sigue celebrando con ritos anuales, en memoria de los que sin duda se hicieron en su monasterio benedictino durante la Edad Media. A partir de varios manuscritos que recogen el oficio que en aquel monasterio se celebraba en el siglo XIII, Morent hace una reconstrucción casi completa que su grupo (seis voces) interpreta con un estilo que puede asemejarse al de los conjuntos más incisivos de las corrientes occidentalistas (pienso en el Gilles Binchois de hace veinte años, que acaso eran más refinados), es decir, esto no es Organum, pero hay un esfuerzo por resultar expresivo que lleva incluso al empleo de segundas voces en acompañamientos que crean heterofonías que pueden resultar discutibles musicológica e históricamente hablando, pero que dan variedad a un conjunto que pasa de la hora y cuarta de duración.

"O gutta sanguinis - Benedictus" del Oficio de la Santa Sangre de Weingarten. [4'22''] Ordo virtutum. Stefan Johannes Morent

Color y humor

2010-05-14T19:14:00.004+02:00

ROSS

16º Programa de abono. Solistas: Henriette Bonde-Hansen, soprano; Piotr Szymyslik, clarinete. Programa: Concierto en fa de Philippe Gaubert; Valses nobles y sentimentales de Maurice Ravel; Primera rapsodia para clarinete y orquesta de Claude Debussy; Correspondances de Henri Dutilleux; Sinfonietta de Francis Poulenc. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 13 de mayo. Aforo: Menos de media entrada.

* * *

COLOR Y HUMOR

Marc Soustrot (Lyon, 1949) se ha convertido en un habitual de la ROSS, básicamente con programas dedicados a la música francesa (y con Wagner), como el de ayer, que recorría el último siglo de composición en el país vecino. Con su habitual gesto vehemente, pero claro, Soustrot fue presentando hasta cinco obras de cinco compositores diferentes, escritas entre 1911 y 2004, que venían a mostrar la peculiar vía a la modernidad que siguieron los maestros galos enfrentados a la crisis de la tonalidad, un camino bien diferente al de los vieneses.

La importancia del timbre, del color, del ritmo, la inclusión de la disonancia como una parte más del discurso musical, evitando el énfasis expresionista, son características todas ligadas a un modo de entender el arte de los sonidos del que Soustrot parece un eslabón más.

Supo así dotar a la orquesta raveliana de su tornasolada variedad de colores, de su riqueza rítmica y su sensualidad tímbrica en uno de los momentos más felices de la noche. Algo más desajustado pareció su acompañamiento al muy virtuoso Piotr Szymyslik, solista de la orquesta, en la bella Rapsodia de Debussy, que sonó más intensa que sutil. Sin embargo, con el sugerente ciclo de canciones Correspondances de Dutilleux, obra escrita en 2003, pero que conserva toda la esencia de la música francesa, la bellísima voz lírica de la soprano danesa Henriette Boden-Hansen se vio arropada con calidez y delicadeza.

Punto y aparte merece Poulenc, que al color y el lirismo característicos de sus compatriotas unió la claridad diatónica de los neoclásicos y un sentido del humor que Soustrot supo remarcar en los tiempos rápidos. El concierto lo abrió una obra más bien insustancial de Philippe Gaubert.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 14 de mayo de 2010]

El Císter

2010-05-14T10:14:00.001+02:00

DIE GESÄNGE DER ZISTERZIENSER

Heinrich-Isaac-Ensemble
Director: Hans-Georg Renner

Holger Brenneis, Henning Burk, Jörg Deutschewitz, Lorenz Miehlich, Jörg Rieger, Wilfried Rombach, Hans-Georg Renner

Para las Primeras Vísperas de la Fiesta de la Natividad de la Virgen

1. Sancta Maria (antífona) - Dixit Dominus (salmo 109)
2. Haec est Regina (antífona) - Laudate pueri (salmo 112)
3. Beata Dei Genitrix (antífona) - Laetus sum (salmo 121)
4. Virgo prudentissima (antífona) - Nisi Dominus (salmo 126)
5. Beata progenies (capitulum)
6. Ave maris stella (himno) - Navitas est hodie (versiculum)
7. Nativitas tua (antífona) - Magnificat
8. Kyrie - Paternoster - Oratio
9. Salve Regina
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CHRISTOPHORUS CHE 01 46-2 (Diverdi) [47'54'']
Grabación: Septiembre de 1996

La orden del Císter jugó un importante papel en la unificación de las prácticas litúrgicas impulsadas por la iglesia romana y el imperio carolingio desde el siglo IX. Christophorus reedita ahora un trabajo de la segunda mitad de los 90, que recoge unas Vísperas a la Virgen que figuran en un manuscrito custodiado por la Biblioteca Municipal de Colmar procedente de la Abadía de Pairis, monasterio alsaciano fundado por el Císter y cercano a la localidad de Orbey. Interpretaciones típicamente occidentalistas, de esas que nos decían relajantes y solemnes, pero que también son serenas, claras y aristocráticas.

Aprovecho para recomendar el blog de Tsevanrabtan, no sólo porque en tiempos de mendaz sectarismo la inteligencia y la independencia son siempre un lujo, sino porque desde hace unas semanas está dedicando a la música clásica occidental una serie de entradas que de momento me parecen impecables. Allí aprenderán mucho, de forma resumida y didáctica, acerca de la realidad del canto litúrgico en el medievo.

Haec est Regina-Laudate pueri. [7'00''] Heinrich-Isaac-Ensemble. Hans-Georg Renner

Lecciones alucinógenas

2010-05-13T18:24:00.002+02:00

TALLER SONORO

Ciclo de Música Contemporánea. Componentes: Jesús Sánchez, flauta; Camilo Irizo, clarinete; Andrés Martínez, trompeta; Guillermo Martínez, saxofón y dirección; Baldomero Lloréns, percusión; Ignacio Torner, piano; Antonio Duro, guitarra eléctrica; Estanislao Waflar, bajo eléctrico; Xavier Gil, violín; Manuel Ascanio, viola; María del Carmen Coronado, violonchelo; Javier Campaña, electrónica; Antonio Valiente, iluminación. Programa: Fondamenta de Olga Neuwirth; Professor Bad Trip: Lessons I, II y III de Fausto Romitelli. Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 12 de mayo. Aforo: Tres cuartos de entrada.

* * * *

LECCIONES ALUCINÓGENAS

Taller Sonoro amplió su habitual formación de septeto para ofrecer la segunda audición española (la primera tuvo lugar ayer, en Granada) de una obra más que singular, Professor Bad Trip de Fausto Romitelli, un compositor italiano fallecido en 2004 con apenas 40 años y que ha sido uno de los músicos que más en serio se ha tomado la integración de procedimientos del rock (no su estructura armónica ni melódica, sino "el tratamiento electroacústico y el gesto instrumental") en la creación académica de vanguardia.

Inspiradas en lecturas de las obras escritas por Henri Michaux bajo los efectos de la mescalina y en trípticos de Francis Bacon, las tres Lecciones de Professor Bad Trip buscan la conmoción del oyente mediante un intento de provocar experiencias de percepción cercanas a las de los estados alucinatorios, para lo cual Romitelli recurre a la electrónica, a la distorsión instrumental y al tratamiento tres veces repetido de un material que se transforma y se reinventa permanentemente a sí mismo entre convulsiones, estallidos y silencios, en el intento de crear un ritual hipnótico, pero que en absoluto es dejado al albur de la inspiración, pues el exquisito detalle en la escritura revela una clara intención de controlar todos los parámetros del sonido. Obra posmoderna, pero de notabilísima complejidad, que nos desveló a un Taller Sonoro atentísimo a cada matiz y a cada gesto. Como introducción a la experiencia inefable de Romitelli, la breve Fondamenta de Olga Neuwirth resultó sugerente en su continuo coqueteo con el silencio.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 13 de mayo de 2010]

La primera compositora

2010-05-13T10:24:00.004+02:00

"Demasiado inteligente para ser emperatriz." Cuenta el mito que una frase parecida a esta marcó el destino como poetisa, compositora y religiosa de Casia (o Kassia o Icasia o Santa Casiana), noble bizantina del siglo IX, que se habría convertido en una especie de protofeminista al llevar la contraria al emperador Teófilo en el acto de elección de esposa imperial. Edward Gibbons contó la historia más o menos así: "Él [Teófilo] pasó lentamente delante de dos filas de mujeres que rivalizaban por su belleza, con la manzana de oro en la mano. La belleza de Icasia retuvo su mirada y con la torpeza del primer encuentro, el príncipe sólo supo destacar que en este mundo las mujeres eran la causa de muchos males [en referencia a Eva]. 'Y sin ninguna duda, señor', respondió Icasia impertinente, 'ellas también fueron causa de mucho bien' [en referencia a la virgen María]. Esta muestra de la finura de espíritu de la joven disgustó al novio imperial que se dio la vuelta, indignado; para ocultar su humillación, Icasia fue a refugiarse en un convento, mientras que el humilde silencio de Teodora le valió recibir la manzana de oro".

Casia se dedicó desde entonces a la vida monacal, hasta llegar a fundar su propio monasterio, del que fue abadesa, y volcó sus virtudes intelectuales en la filosofía, la poesía y la música, pues los himnos que se interpretaban en su abadía eran originales suyos, aunque también tuvo tiempo de escribir piezas espirituales no exactamente litúrgicas y algunos epigramas. Se le atribuyen unas 50 composiciones musicales, aunque habida cuenta el tipo de notación y la forma de producir manuscritos musicales del período altomedieval es difícil asegurar qué grado de participación tuvo Casia en todo este repertorio, que es lógicamente monódico, aunque se supone que en su interpretación se utilizarían bordones vocales improvisados y quizá algún tipo de acompañamiento instrumental.

El conjunto VocaMe, que forman seis voces femeninas más un par de instrumentistas (el único instrumento que aparece citado en el disco es un santur, especie de salterio, pero cuyas cuerdas se percutían, aunque también suenan instrumentos de cuerda pulsada y frotada), dan al canto bizantino el color y la exuberancia melismática y florida que todo el mundo espera de la música oriental del medievo. Yo no puedo asegurarles que lo que se escucha sea lo que deseaba Casia, ni siquiera que tuviera nada que ver con ella, pero si quieren creérselo igual se sienten transportados en el tiempo...

KASSIA

VocaMe

Director: Michael Popp

Sigrid Hausen, mezzosoprano

Natalia Lincoln, alto

Sabine Lutzenberger, soprano

Sarah M. newman, soprano

Elisabeth Pawelke, mezzosoprano

Gerlinde Sämann, soprano

Johann Bengen, santur

Michael Popp, varios instrumentos

Casia (c.810-843/867):

1. Doxazomen sou Christe

2. Ek rixis agathis

3. O synapostatis tyrannos

4. O Phariseos

5. O Vasilevy tis doxis Christos

6. Edessa

7. Tin pentachordon lyran

8. Igapisas theophore

9. Yper ton Ellinon

10. I en polles amarties

11. Pelagia

12. Tou stavrou sou i dynamis

13. Olvon lipousa patrikon

14. Petron ke Pavlon

15. Isaïou nyn tou prophitou

16. I ton lipsanon sou thiki

17. Avgoustou monarchisantos

18. Christina martys

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CHRISTOPHORUS CHR 77308 (Diverdi) [45'08'']

Grabación: Febrero de 2009

Casia: I en polles amarties. [3'49''] VocaMe

Tiempo de oportunidades

2010-05-12T12:06:00.002+02:00

[Ventura Rico (© José Ángel García)]

Con todo el aforo vendido, la Orquesta Barroca de Sevilla (OBS) puso el pasado lunes un brillante broche a la trigésimo tercera edición del Festival de Música Antigua de Barcelona. Los 600 espectadores que llenaban la Sala Oriol Martorell del Auditorio de la Ciudad Condal se rindieron al destello, el entusiasmo, el refinamiento técnico y la hondura expresiva de un conjunto que repetía el programa que el día antes había ofrecido en el centro Cultural Cajasol de Sevilla, en el que, en palabras de Ventura Rico, fundador y coordinador del conjunto, puede haber sido el último concierto ofrecido por la OBS bajo el patrocinio de la entidad sevillana.

Pocas horas antes de su debut en el festival catalán, Rico se reafirmaba, en declaraciones exclusivas a este periódico, en las afirmaciones hechas la víspera durante una conferencia pronunciada en la Casa de la Provincia, cuando censuró la actitud de los actuales responsables de la Obra Cultural de Cajasol. "La confianza se ha quebrado. Me gustaría equivocarme, pero creo que nuestra relación con Cajasol está agotada".

En su charla del domingo, Rico había sido rotundamente claro: la OBS no está en condiciones de mantener su estructura administrativa, que ha sido reducida al mínimo imprescindible, más allá de febrero o marzo de 2011. Pasado ese tiempo ("el reloj está en marcha", advirtió) y si no se ha encontrado alternativa al actual modelo de financiación, el grupo se vería abocado a la desaparición. El lunes, en Barcelona, quiso matizar este anuncio: "Nada más lejos de mi intención que identificarme hasta ese punto con la orquesta. Lo que quise decir es que yo, por edad y por necesidades vitales, ya no estoy en condiciones de reiniciar el proyecto desde cero. Si la estructura administrativa de la orquesta se cae, será como retroceder 15 años. Y yo no voy a hacerme cargo de gestionar esa situación. Así que llegado ese caso la única opción sería que alguien, preferiblemente joven, tomara el relevo, pero que se sepa que es para volver a construirlo todo de nuevo".

La sustitución de Cajasol por otra entidad financiera es una alternativa que Ventura Rico considera razonable, y de hecho, confesó a este periódico que ha mantenido ya algún contacto con Unicaja, y que gracias a su estupenda relación con La Caixa podría pensarse en una colaboración estrecha para cuando entre en funcionamiento el Caixaforum en Sevilla, allá por 2015, aunque reconoció a la vez que la entidad catalana le ha hecho saber que no tiene por costumbre apoyar de forma exclusiva a conjuntos musicales de ningún tipo.

Otras posibilidades de patrocinio no se descartan, pero el modelo ideal está, según Rico, por crear. "Contemplo la posibilidad de contratar a una quincena de músicos fijos para trabajar diez días al mes durante ocho meses al año. Eso nos permitiría tener una temporada de ocho producciones anuales en Sevilla, que luego podríamos vender fuera, pues cada producción nos lleva sólo entre dos y tres días de ensayos. Hemos empezado a trabajar con la agencia de Carmen Prieto, una de las más importantes de España, y vamos a tener posibilidades reales de vender producciones, pero al menos hemos de poder hacerlas. Éste es un esquema flexible, que podría complementarse con otras cosas, y que además permite al músico mantener su actividad freelance, que considero crucial para su desarrollo artístico. No queremos un modelo funcionarial. Pero este planteamiento debería poder asumirlo alguna institución. Podría salir incluso de un convenio entre Junta y Ayuntamiento. Lo cierto es que el equipo de Juan Ignacio Zoido me ha pedido un estudio sobre cuál sería mi modelo ideal de orquesta, y voy a trabajar en detalle sobre este proyecto para presentárselo. Falta concretar, afinar en los números, pero creo que nos bastaría con una cifra cercana a los 200.000 euros para poder brindar a Sevilla otra orquesta estable. Y que nadie piense que tengo ninguna intención de politizar al grupo: éste es un proyecto que debe de estar por encima de las luchas partidistas, es un proyecto de futuro para la ciudad. Mi deseo sería poder entregar también el proyecto al equipo del PSOE que se presente a las próximas elecciones municipales".

Los tiempos de crisis también son tiempos de oportunidades, y Rico estima que la OBS parte de una posición de ventaja con respecto a la mayoría de conjuntos españoles de sus características. "Estamos mejor situados, y yo soy optimista. Quizá nos habíamos acomodado a un modelo de funcionamiento aceptable, pero no el mejor de los posibles. A lo mejor esta crisis tampoco nos viene tan mal, y eso a pesar de que en España tenemos muchos temas pendientes por resolver. En realidad el sector del concierto, profesionalmente hablando, no existe entre nosotros: es puro voluntarismo de amateurs. Seguimos siendo una colonia de los grupos foráneos. Pero yo lo afirmo aquí y ahora: nuestra orquesta está al nivel de las mejores de Europa, ni más ni menos, y me resulta indignante que esas grandes giras con grandes obras que hacen por nuestro país los grupos franceses o alemanes estén vedadas para nosotros". Las aclamaciones del entendido público barcelonés el pasado lunes pueden hacer pensar que son más los que así lo creen.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 12 de mayo de 2010]

Nana

2010-05-11T10:31:00.001+02:00

La tradición coral de Cataluña da para esto: un coro de poco más de una veintena de chicas menores de 20 años que muestran una disciplina, un sentido colectivo del trabajo y una musicalidad estupendas. El Coro de Sant Esteve de Vilaseca tiene casi 40 años de vida y su actual director, Xavier Pastrana, más joven que la propia institución, parece que se toma muy en serio su tarea de mantener el espíritu fundacional del grupo, que le permite, además de colaborar en la interpretación de grandes obras clásicas, difundir un repertorio a menudo olvidado, como en este bonito CD, en el que hacen un paseo por canciones de cuna tradicionales de Cataluña (salvo una, de origen balear) y en el que se combinan piezas tan conocidas como La Mare de Déu o El cant dels ocells con otras extraídas directamente del acervo popular y que yo no había oído jamás. Vale la pena la escucha.

QUAN EL SOL S'EN VA A DORMIR...

Cor Sant Esteve de Vila-Seca

Director: Xavier Pastrana

Lourdes Albadalejo, Anna Andreu, Andrea Aznar, Núria Batalla, Helena Botella, Clara Brunet, Glòria Coll, Berta Cots, Alba Domingo, Elena Domingo, Anna Escobar, Mariona Fernández, Anna Follia, Marta Gadea, Cristina Linares, Marta Llop, Claudia López, Alaba Mallafré, Rosa Mònico, Laia Nomen, Esther Olivé, Irina Paredes, Graciel·la Pereda, Helena Sabater, Sara Sarroca y Judith Vidal, voces

Marc Torres, piano

Josep M. Ferrando, violín

Oriol Aymat, violonchelo

Enrique Malo Lop, guitarra

Marta Gadea, tiorba

1. N'ha berenat lo Jesuset [Tortosa]
[Helena Botella, solista. Marc Torres, piano]
2. La Mare de Déu quan n´era xiqueta [tradicional catalana]
[Enrique Malo, guitarra]
3. Allà en un pessebret [Reus]
4. La dida [tradicional catalana]
5. Sant Joan feu-lo ben gran [tradicional del Campo de Tarragona]
[Mariona Fernández, solista. Marta Gadea, tiorba]
6. Quan el Sol se´n va a dormir [Valls]
[Sara Sarroca, solista]
7. El cant dels ocells [tradicional catalana]
[Oriol Aymat, violonchelo]
8. Son, soneta [tradicional catalana]
9. Noninó [tradicional de Baleares]
[Berta Cots, solista. Marc Torres, piano]
10. La don, don [Tarragona]
11. Cançó de bressol [Reus]
[Irina Paredes, solista]
12. Quatre bressols de l'Ebre [sobre cuatro melodías recogidas en las tierras del Ebro]
[Rosa Mónico y Sara Sarroca, solistas. Josep M. Ferrando, violín. Marc Torres, piano]
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COLUMNA MÚSICA 1CM0230 (Diverdi) [41'56'']
Grabación: Abril y Mayo de 2009

Allà en un pessebret (tradicional recogida en Reus). [3'38''] Cor Sant Esteve de Vilaseca. Xavier Pastrana

Allà en un pessebret
vora d'una morada
si n'hi havia un Jesuset
sobre unes pobres pailles,
ai, ai!

Ai, Jesús de ma vida
que naixeu al cor meu.

Bon Jesús va plorar
molt dolces llagrimetes;
cauen de fil en fil
sobre les faldilletes,
ai, ai!

Ai, Jesús de ma vida
que naixeu al cor meu.

La Verge ho ha de fer
com les demés maretes,
de bolcar al seu fillet
cantant-li cançonetes,
ai, ai!

La séptima puerta

2010-05-10T09:21:00.003+02:00

Hija a la vez de Strauss y de Debussy, El castillo de Barba Azul, la única ópera de Bartók, se programa hoy rara vez. Escrita en 1911 y revisada hasta tres veces (1912, 1918 y 1921), la obra se apoya en un libreto de Béla Balázs compuesto a partir de uno de los cuentos de hadas menos infantiles de los editados por Charles Perrault, Barba Azul, supuesta versión de la historia real de uno de los psicópatas más famosos de la historia, el noble bretón del siglo XV Gilles de Rais. Balázs pasa el cuento por el filtro del simbolismo y Bartók construye su obra mezclando el estatismo debussysta de Pelléas con una suntuosidad orquestal y una concentración expresiva que sirve a la perfección la pintura de atmósferas que requiere cada una de las siete secciones en que se divide la pieza, una por cada puerta del sangriento castillo.

Aunque en manos de un buen dramaturgo, la riqueza de las imágenes simbólicas y sus alusiones a las oscuridades del subconsciente tan de moda en la época podrían acabar derivando en un impactante espectáculo teatral, puede resultar comprensible que la obra se haga poco en escena, pero no hay excusa para que no pueda ofrecerse más a menudo en versión de concierto, pues por duración (en torno a la hora) y por atractivo musical se adapta bien a cualquier tipo de público y de conjunto con un mínimo de pretensiones de salirse de los caminos trillados. La Sinfónica de Londres incluyó la obra en su temporada 2008-09, y en este CD pueden seguirse los resultados. La batuta de Gergiev se muestra aquí notablemente contenida para lo que suele ser habitual en sus interpretaciones de los grandes clásicos rusos, aunque podría haberse esperado un color más tornasolado, un tratamiento un punto más sutil y fantasioso de los matices de dinámicas. Sir Willard White hace una auténtica recreación, tenebrosa y aristocrática al tiempo, del personaje principal y la mezzo rusa Elena Zhidkova le da réplica con una voz de hermosas veladuras y una densidad y un color plenamente eslavos. El (breve) Prólogo hablado se ofrece en traducción inglesa.

BARTÓK - BLUEBEARD'S CASTLE

Elena Zhidkova, mezzosoprano (Judit)
Willard White, bajo-barítono (Barba Azul)
Orquesta Sinfónica de Londres
Director: Valery Gergiev

Béla Bartók (1881-1945): A kékszakállú herceg vára (El castillo de Barba Azul)
ópera en un acto con libreto de Béla Balázs

1. Prólogo e Introducción
2. Primera puerta: La cámara de torturas de Barba Azul
3. Segunda puerta: El arsenal
4. Tercera puerta: El tesoro
5. Cuarta puerta: El jardín
6. Quinta puerta: El vasto y bello reino de Barba Azul
7. Sexta puerta: El lago de lágrimas
8. Séptima puerta: Las esposas de Barba Azul
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LSO LIVE LSO0685 (Harmonia Mundi) [58'53'']
Grabación: Enero de 2009

Bartók: "Las esposas de Barba Azul (Séptima puerta)" de El castillo de Barba Azul. [8'29''] Willard White. Elena Zhidkova. Orquesta Sinfónica de Londres. Valery Gergiev

Mendelssohn y un whisky escocés

2010-05-09T11:06:00.001+02:00

Mi semana ha estado repleta de un Mendelssohn que no tiene nada de épico, y sí bastante de victoriano, comedido y biensonante, pese a los ramalazos de una exuberancia férvida que parece fiel reflejo de la caleidoscópica profundidad que presentan el aroma y el sabor ahumados más sorprendentes, embriagadores y restallantes que yo haya degustado jamás, los de un hijo de la isla de Skye.

Skye es la segunda isla en tamaña de las Hébridas y presenta el paisaje más suntuoso y variado de entre todas las islas escocesas. Praderas, montañas y costas talladas por profundos lagos componen un panorama espléndido por donde todavía resuenan los ecos de la historia de Bonnie Prince Charlie, ayudado en su triste fuga por la patriota Flora Mac Donald. A pesar de su tamaño hay una única destilería en toda la isla, Talisker, un malta que recoge en sus entrañas toda la profundidad del mar que pretende la isla con sus garras, dejando ese sabor salvaje y abisal que tanto amó Stevenson. Agujereada por numerosos lagos marinos, la isla entera parece asediada por el océano y de ahí el característico sabor a algas del único whisky originario de Skye, Talisker, que reina solitario, con su fuerte, salobre y ahumado aroma, como la espléndida corona de un monarca antiguo.
[David Torres, Agua de vida]

Mendelssohn: Las Hébridas. [10'15''] Orquesta Philarmonia. Otto Klemperer (1960)

Gabinete armónico (7)

2010-05-08T10:28:00.005+02:00

CD 6

Bach et son temps

Johann Sebastian Bach (1685-1750):

1. Pedalexercitum BWV 598

[Bernard Foccroulle, órgano Schnitger de la Jacobi Kirche de Hamburgo]

2. "Erfüllet, ihr himmlischen göttlichen Flammen", aria de la Cantata BWV 1

[Greta de Reyghere, soprano; Marcel Ponseele, oboe da caccia; Guy Penson, órgano; Philippe Pierlot, bajo de viola]

3. "Erschrecke doch du", aria de la Cantata BWV 102

[Robert Buckland, tenor; Stéphanie de Failly, violín piccolo; Luc Dewez, violonchelo; Guy Penson, órgano positivo]

4. Nun Komm der Heiden Heiland BWV 659

[Bernard Foccroulle, órgano Silberman del Dom de Friburgo]

5. Prélude la Suite para violonchelo solo nº1 en sol mayor BWV 1007

[François Fernandez, viola da spalla]

6. Silvius Leopold Weiss (1687-1750): Ouverture en do menor

[Konrad Junghänel, laúd] [ACCENT]

7. Johann Sebastian Bach: Prélude la Suite para violonchelo solo nº6 en re mayor BWV 1012

[Bruno Cocset, violonchelo piccolo] [ALPHA]

Georg Philipp Telemann (1681-1767):

8. Sonata en fa mayor (Vivace-Largo-Allegro)

[Frédéric de Roos, flauta dulce alto; Philippe Malfeyt, archilaúd; Guy Penson, órgano positivo]

9. Menuet para dos trompas de caza

[Claude Maury y Christophe Feron, trompas naturales]

10. L'hiver

[Elsa Frank, oboe tenor; Guy Penson, clave]

11. Napolitana, para oboe d'amore

[Elsa Frank, oboe d'amore; Guy Penson, clave]

12. Sonata en fa menor (Triste-Presto)

[Jérémie Papasergio; Guy Penson, clave]

13. Sonata en la menor (Siciliana- Spirituoso-Andante-Vivace)

[Marcel Ponseele, oboe; Philippe Pierlot, bajo de viola; Guy penson, clave]

Carl Heinrich Graun (1704-1759):

14. Allegro de Concierto para flauta terzetto

[Patrick Beuckels, flauta terzetto; Ricercar Consort]

15. Allegro de Trío en re mayor

[Claude Maury, trompa natural; François Fernandez, violín; Philippe Pierlot, bajo de viola; Guy Penson, clave]

16. Christoph Graupner (1683-1760): Suite para tres chalumeaux (Ouverture -La speranza-Air)

[Eric Hoeprich, chalumeau soprano; Guy van Waas, chalumeau alto; Carles Riera, chalumeau bajo]

17. Georg Friedrich Haendel (1685-1759): Ouverture

[Eric Hoeprich y Guy Van Waas, clarinetes; Claude Maury, trompa natural]

Les fils de J. S. Bach

18. Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784): Grave de la Sonata VI en do mayor

[Guy Penson, clave]

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788):

19. Abschied von Silbermanischen Klavier Wq 66

[Jocelyne Cuiller, clavicordio]

20. Allegretto de Trío para viola, flauta bajo y bajo continuo

[Frédéric de Roos, flauta dulce bajo; François Fernadez, viola; Hidemi Suzuki, violonchelo; Guy Penson, piano]

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RICERCAR RIC100 (Diverdi) [CD 6: 78'18'']
Grabación: Sin datos

La tímbrica de la música de Bach es ya bien conocida de cualquier aficionado medio, y aquí se insiste en algunas de sus más peculiares sonoridades, como la del siempre espectacular oboe da caccia, el violín piccolo o el pedalero de un órgano. Llama también la atención el uso de la viola da spalla para el primer Preludio de las Suites de cello o el ya más habitual violonchelo piccolo para la última (de la integral de Bruno Cocset para Alpha). Luego se recurre a los distintos modelos de flautas dulces, de trompas naturales o de oboes. Especial atención merece en cualquier caso la presencia de los chalumeaux, una especie de híbrido entre la flauta dulce y la chirimía, que viene considerándose como antecedente directo del clarinete, aunque lo cierto es que los dos instrumentos coexistieron en el tiempo. Los instrumentos de teclado están especialmente presentes en la sección final del CD, la dedicada a los hijos de Bach, donde aparecen clave, clavicordio (para el famoso rondó de despedida que CPE Bach dedicó a uno de sus instrumentos, un Silbermann) y piano primitivo. Lamentablemente, dentro de la brillantez general de la colección, Ricercar rebaja el valor de la edición al identificar insuficientemente muchas piezas, entre ellas todas las de Telemann (cualquiera se pone a rebuscar y a comparar entre un catálogo de miles de piezas...).

Graupner: Suite para tres chalumeaux. [4'52''] Hoeprich, Van Waas, Riera.

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Más elegante que ardiente

2010-05-07T09:24:00.000+02:00

ELGAR - CELLO CONCERTO

Sol Gabetta, violonchelo
Orquesta Sinfónica Nacional Danesa
Director: Mario Venzago

CD 1

Edward Elgar (1857-1934)
1. Concierto para violonchelo y orquesta en mi menor Op.85
2. Sospiri [adaptación de Søren Barfoed]
3. Salut d'amour [adaptación de Søren Barfoed]
4. La capricieuse [orquestación de Søren Barfoed]

Antonin Dvořák (1841-1904):
5. Waldesruh Op.68 nº5
6. Rondo para violonchelo y orquesta en sol menor Op.94

7. Ottorino Respighi (1879-1936): Adagio con variazioni

CD 2

Pēteris Vasks (1946): Grāmata čellam, para violonchelo solo
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2 CD RCA Red Seal 88697630812 (Sony) [66'01'' - 12'48'']
Grabación: Noviembre de 2009

Acompañada por un algo anodino Mario Venzago al frente de la Sinfónica Nacional Danesa, la violonchelista argentina Sol Gabetta (Córdoba, 1981) se enfrenta a una de las grandes obras de repertorio, el Concierto de Elgar, que recrea sin alcanzar el punto último de decadente ardor de sus grandes intérpretes (Jacqueline du Pré, claro, a la cabeza), pero con apreciable finura y elegancia en el fraseo. La sudamericana da además considerable altura estética a las miniaturas que completan el disco. Un segundo CD de 12’ se ofrece como regalo con una obra del letón Pēteris Vasks.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de mayo de 2010]

Elgar: Adagio - Moderato, primer movimiento del Concierto para cello. [8'04''] Sol Gabetta. Orquesta Nacional Danesa. Mario Venzago

Clásicos modernos

2010-05-06T18:16:00.002+02:00

ZAHIR ENSEMBLE

Ciclo de Música Contemporánea. Solistas: Marie-Annick Béliveau, mezzosoprano; Javier Trigos, clarinete. Director: Juan García Rodríguez. Programa: Le marteau sans maître de Pierre Boulez; Inscriptio de José María Sánchez Verdú; Ballet mécanique de George Antheil. Lugar: Teatro Central. Fecha: Miércoles 5 de mayo. Aforo: Casi lleno.

* * * * *

CLÁSICOS MODERNOS

Jornada histórica en el Teatro Central con la interpretación por primera vez en Sevilla de dos grandes clásicos del siglo XX. Poco importa que hayan pasado 83 años desde la concepción original de El ballet mecánico y 53 desde que Boulez concluyera su ciclo El martillo sin dueño; la sensación en la sala (por una vez en este ciclo casi llena) era de que la modernidad nos alcanzaba.

La sesión tenía el valor añadido de que la obra de George Antheil se ofreciera conjuntamente con la proyección de la película para la que fue originalmente concebida, obra dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con fotografía de Man Ray. Interpretación musical muy singular, con dos pianos y ocho percusionistas, además de una cinta pregrabada donde se incluían las sirenas y las hélices previstas en el original junto a diferentes secuencias instrumentales. No deja de resultar sorprendente el impacto que llegan a causar aún hoy las imágenes futuristas de Murphy y Léger revestidas por el sentido de ritual mecanicista que sostiene la música de Antheil, verdadero enfant terrible del París de los años 20.

No menos extraordinaria resultó la primera audición sevillana de una de las obras fundamentales de la vanguardia de los 50. Pasado medio siglo, El martillo sin dueño sigue apreciándose como un faro de nuestro tiempo en el que acaso haya envejecido la insistencia en la recreación del gamelán balinés (recurso al vibráfono), pero la levedad y ligereza que transmite el conjunto gracias a la ausencia absoluta de énfasis expresivo, la variedad y refinamiento del trabajo textural y tímbrico y ese puntillismo tan bouleziano siguen provocando la sensación del descubrimiento. Béliveau hizo un impecable trabajo con su voz, estupendamente secundada por un conjunto que desafió con éxito al tiempo y a la rutina. Como broche, Javier Trigos puso Inscriptio de Sánchez Verdú como un gozne espectacular entre las dos partes de un concierto inolvidable.

[Publicado en Diario de Sevilla el jueves 6 de mayo de 2010]

América sinfónica

2010-05-06T07:48:00.002+02:00

IVES - HOLIDAYS SYMPHONY - COPLAND - APPALACHIAN SPRING

Orquesta Sinfónica de San Francisco
Director: Michael Tilson Thomas

1. Charles Ives (1874-1854): Holidays Simphony
I. Washington's Birthday
II. Decoration Day
III. The Fourth of July
IV. Thanksgiving and Forefathers' Day

2. Aaron Copland (1900-1990): Appalachian Spring
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SFS 821936-0034-2 (Gaudisc) [76'14'']
Grabación: Septiembre de 2005 y Noviembre y Diciembre de 2007

Michael Tilson Thomas y la Sinfónica de San Francisco han creado una serie de conciertos didácticos para la televisión, Keeping Score, que incluye interesantes documentales (pueden seguirse en Internet: http://video.pbs.org/program/1295137935/). Los programas musicales están siendo también recogidos en DVD y CD, como éste, que ofrece dos de las obras más frecuentadas de los compositores estadounidenses del siglo XX, la Holidays Symphony de Charles Ives y la Appalachian Spring de Aaron Copland en versiones tan idiomáticas como seductoras.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de mayo de 2010]

Ives: "Washington's Birthday" de Holidays Symphony. [10'00''] Orquesta Sinfónica de San Francisco. Michael Tilson Thomas

Mendelssohn marginal

2010-05-05T08:36:00.000+02:00

MENDELSSOHN - CONCERTO FOR VIOLIN AND PIANO

Rudens Turku, violín
Oliver Schnyder, piano

Cappella Istropolitana
Director: Ariel Zuckermann (en 2)

Felix Mendelssohn (1809-1847):

1. Sonata para violín y piano en fa mayor (1838)
2. Concierto para violín, piano y orquesta de cuerdas en re menor
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AVIÈ AV2170 (Gaudisc) [59'33'']
Grabación: Diciembre de 2008

Dos obras de Mendelssohn sin número de opus: el Concierto para violín, piano y orquesta de cuerdas en re menor fue escrito en 1823, a los 14 años del músico, mientras que la Sonata para violín y piano en fa mayor está datada en 1838, aunque el compositor nunca la tuvo en gran estima, de donde se explica que no la publicara. El violinista Rudens Turku y el pianista Oliver Schnyder defienden en cambio las piezas con convicción, mostrando a las claras el alma clásica que se escondía en la apariencia romántica del músico hamburgués.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de mayo de 2010]

Mendelssohn: Adagio del Concierto para violín, piano y orquesta de cuerdas. [9'31''] Rudens Turku, Oliver Schnyder. Cappella Istropolitana. Ariel Zuckermann

Una fantástica algo gaseosa

2010-05-04T08:22:00.000+02:00

BERLIOZ - SYMPHONIE FANTASTIQUE

Anima Eterna Brugge
Director: Jos van Immerseel

Hector Berlioz (1803-1869):

1. Symphonie fantastique Op.14
2. Le Carnaval romain, ouverture caractéristique Op.9
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ZIG ZAG TERRITOIRES ZZT100101 (Harmonia Mundi) [64'52'']
Grabación: Mayo de 2008

Jos van Immerseel desembarca en la Sinfonía fantástica de Berlioz, una de las primeras obras románticas en ser afrontadas por los historicistas, con aquella entonces polémica (1989) grabación de Sir Roger Norrington, y lo hace respetando al detalle las condiciones del estreno en tamaño, composición (¡dos pianos por las campanas al final!) y organización de la orquesta, y profundizando en el entorno interpretativo de Berlioz. Anima Eterna sigue siendo un conjunto prodigioso, pero la Sinfonía suena demasiado rígida, y es mucho menos excitante que los logros obtenidos con Beethoven, Liszt o Ravel.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de mayo de 2010]

Berlioz: "Songe d'une nuit de Sabbat", quinto movimiento de la Sinfonía fantástica. [10'29''] Anima Eterna. Jos van Immerseel

Música degenerada

2010-05-03T07:59:00.002+02:00

En 1937, jerarcas del régimen nazi organizaron en Múnich una exposición de obras que, bajo el título de Entartete Kunst (Arte degenerado), pretendía ridiculizar las tendencias plásticas modernistas (cubismo, dadaísmo, expresionismo, fauvismo, impresionismo...). Al año siguiente, la exposición se repitió, pero esta vez aplicada exclusivamente a la música (Entartete Musik): todas las corrientes vinculadas al atonalismo y al jazz, y, más allá aún, todos aquellos compositores de origen judío o de ideología izquierdista quedaban definitivamente proscritos de la Alemania oficial, que se había impuesto como objetivo defender la superioridad de los valores que alumbró la gran línea de la música germana que comunicaba a Bach con Wagner a través de Beethoven y Bruckner.

Esta historia ha sido relativamente bien contada en los últimos años, gracias a ciclos de conferencias, publicaciones, exposiciones y series de grabaciones discográficas. Ahora, es Pedro Halffter quien, con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, se acerca a dos de los compositores que, por su doble condición de judíos y modernistas, más furibundamente despreciaron y combatieron los nazis: Franz Schreker (1878-1934) y Arnold Schoenberg (1874-1951).

De Schreker, Halffter ofreció hace unos años en el Maestranza de Sevilla el estreno español de su obra maestra, la ópera El ruido lejano (1912), y es precisamente con el Nocturno que suena como interludio en el tercer acto de esta obra (en versión íntegra, no la abreviada que se ofreció en las representaciones) con el que abre un disco magnífico, en el que se incluye también la Sinfonía de cámara (1917) y la Obertura fantástica Op.15 (1903-04), música de un tardorromanticismo de corte brahmsiano en la Op.15, que se hace expresionista y voluptuoso en las otras dos obras, sin romper en ningún caso con la tonalidad, pero apurando sus extremos: el lirismo de Alban Berg le debe sin duda mucho a Schreker.

El trabajo dedicado a Schoenberg incluye conocidos trabajos de transcripción del maestro vienés. Se trata del Cuarteto con piano en sol menor Op.25 de Brahms y del Preludio y Fuga en mi bemol mayor BWV 552 de Bach. Admirador de la música brahmsiana (en su famoso ensayo Brahms, el progresivo combatía la idea arraigada en los seguidores de Wagner de que el músico de Hamburgo era un conservador recalcitrante), el trabajo de orquestación de la Op.25 lo realizó Schoenberg entre 1937 y 1938 por petición del director Otto Klemperer, mientras que la orquestación sobre Bach es una década más antigua. Con una orquesta en excelente estado de forma, Halffter muestra su especial afinidad con este repertorio, regodeándose de forma especial en el color orquestal y en el estiramiento de las frases hasta sus propios límites. Que con la actual situación discográfica, sea Warner la que publique estos discos no deja de resultar un aval para el trabajo del maestro madrileño.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 1 de mayo de 2010]

FRANZ SCHREKER

Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
Director: Pedro Halffter

Franz Schreker (1878-1934):

1. Nachtstück de Der ferne Klang
2. Sinfonía de cámara
3. Obertura fantástica Op.15
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WARNER CLASSICS 256468349-8 [59'19'']
Grabación: Julio de 2009 (1 y 2) y Noviembre de 2009

Schreker: "Langsam, Schwebend", primer movimiento de la Sinfonía de cámara. [7'38''] Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Pedro Halffter

ARNOLD SCHOENBERG - BRAHMS & BACH ORCHESTRATIONS

Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
Director: Pedro Halffter

1. Johannes Brahms (1833-1897) / Arnold Schoenberg (1874-1951): Cuarteto con piano en sol menor op.25
2. Johann Sebastian Bach (1685-1750) / Arnold Schoenberg: Preludio y Fuga en mi bemol mayor BWV 552
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WARNER CLASSICS 2564 68607-4 [60'03'']
Grabación: Julio de 2009

Brahms/Schoenberg: "Rondo alla zingarese", cuarto movimiento del Cuarteto con piano Op.25. [10'02''] Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Pedro Halffter

La sagrada música (9)

2010-05-02T11:23:00.001+02:00

LAMENTATIONS & TENEBRAE

Tiburtio Masaino (c.1550-c.1609)
Musica super Threnos Ieremiae prophete in maiori hebdomada decantadas à 5
Feria V. In coena Domini
1. Lectio Prima
2. Lectio Secunda
3. Lectio Tertia

Orlando de Lasso (1532-1594)
Lamentationes Hieremiae
Feria sexta in Parasceve à 5
4. Lamentatio Prima
5. Lamentatio Secunda
6. Lamentatio Tertia
[Huelgas Ensemble. Director: Paul Van Nevel]

7. Marc-Antoine Charpentier (1643-1704): Leçons de Ténèbres du Mercredy Sainct. Seconde Leçon : VAU - Et egressus est a filia Sion

8. François Couperin (1668-1733): Leçons de Ténèbres. Troisième Leçon
[Concerto Vocale. Director: René Jacobs]

9. Ernst Krenek (1900-1991): Hieremie prophetae Lamentationes. Lectio secunda
[RIAS Kammerchor. Director: Marcus Creed]
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HARMONIA MUNDI HMX 2908311 [CD 8] [77'31'']
Grabaciones: Mayo de 1982 (7), Octubre de 1983 (8), 1992 (9) y Abril de 1997 (1-6)

Las Lamentaciones de Jeremías fueron escritas tras la caída el reino de Judá y de Jerusalén en manos de Nabucodonosor II en el 587 a. C. Aunque atribuidas al profeta, hoy parece fuera de toda duda que, por estilo, ideología e intención, Jeremías no participó en su escritura. Las Lamentaciones se dividen en cinco cantos, con estructuras idénticas en I, II y IV: cada uno de ellos se compone de 22 versículos (con tres frases en cada versículo de I y II y sólo dos en IV), lo que corresponde al número de letras del alfabeto hebreo. Esta vinculación ha sido preservada en la edición bíblica de la Vulgata al mantener las letras hebraicas como principio de cada versículo (Aleph, Beth, Gimell, etc.). La Lamentación III se compone de 66 versículos, cada uno de una frase, agrupados de tres en tres, de modo que dentro de cada grupo los versículos van precedidos de la misma letra. La Lamentación V es más breve: sus 22 versículos no van precedidos de las letras hebraicas y cada uno se compone de una sola frase con dos secciones.

Con su retórica cargada de imágenes de la destrucción y la desesperación, las Lamentaciones de Jeremías se consideraron muy apropiadas para el tiempo pentitencial, por lo que desde la Edad Media se hizo costumbre recitar algunos de sus pasajes en los maitines de Semana Santa. Los maitines se dividían en tres nocturnos, cada uno de los cuales estaba compuesto de tres salmos y tres lecciones sucesivos. Tres Lamentaciones pasaron a formar parte de cada uno de los primeros nocturnos de maitines de Jueves, Viernes y Sábado Santo. Cada Lamentación terminaba con un versículo que no procede de la Biblia: "Jerusalem, Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum".

Sin duda, las Lamentaciones musicales más conocidas son las que escribieron los compositores franceses del Barroco, cuando las iglesias y los monasterios competían por captar a los mejores maestros y los más distinguidos cantantes para un momento tan especial, el del Oficio de Tinieblas, que fue trasladados a la tarde y se desarrollaba en medio de un ritual por completo absorbente, para el que los músicos desarrollaron un estilo muy original, que mezclaba penitencia y exuberancia, logrando una música de una extraordinaria morbidez. Charpentier es posiblemente el máximo representante de esta forma, aunque en este disco se presenta también una de las tres únicas lecciones de tinieblas de Couperin que han sobrevivio (se sabe que compuso un juego completo de nueve). Las versiones provienen de antiguas grabaciones de René Jacobs, que se conservan aceptablemente bien, aunque hoy día hay ya opciones preferibles.

Sin embargo, antes y después del Barroco, las Lamentaciones han conocido también puestas en escena musicales de considerable valor, como dejó claro Paul van Nevel con su disco dedicado al género durante el Renacimiento, que incluye obras de un casi desconocido Tiburtio Massaino, muy agudas en materia pictórica por sus disonancias y gestos retóricos, y las de un Orlando de Lasso, escritas en sus años finales, esos que estuvieron cargados de arrepentimiento y penitencia (las impactantes Lágrimas de San Pedro, nacidas en la misma época, lo reafirman). Las luces de la Ilustración no resultaron buenas compañeras para los Oficios de Tinieblas, pero durante el Romanticismo y, sobre todo, con el neorreligioso siglo XX la música sacra conoció un impulso que abarcó también la recuperación de escribir Lamentaciones, como muestra la obra de un Ernst Krenek, que las escribió en años de dura tribulación (1941).

Massaino: Lección III [6'53''] Huelgas Ensemble. Paul Van Nevel

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Superficialidad y embeleso

2010-05-01T10:24:00.001+02:00

ROSS

14º Programa de abono de la Temporada 2009-10. Solista: Akiko Suwanai, violín. Director: Pedro Halffter. Programa: Passacaglia y fuga en do menor BWV 582 de J. S. Bach en transcripción de Leopold Stokowski; Concierto para violín nº1 en sol menor Op.26 de Max Bruch; Finlandia Op.26 y Sinfonía nº7 en do mayor Op.105 de Jean Sibelius. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Jueves 29 de abril. Aforo: Media entrada

* * * *

ENTRE LO SUPERFICIAL Y EL EMBELESO SONORO

El trabajo de Stokowski sobre Bach es un ejercicio de suntuosidad orquestal que Halffter leyó de modo más bien superficial, sin pasar del nivel de la brillantez sonora, sin penetrar en el sustrato de ese fastuoso colorido, que sostiene una de las más grandes obras organísticas jamás escritas.

El ardor resultó en cambio muy atractivo en el acompañamiento a la japonesa Akiko Suwanai (1972), que puso su espectacular Stradivarius al servicio de un Concierto de Bruch de encendido romanticismo, que la violinista, muy elegante en gestos y musicalidad, supo equilibrar con un sonido más afilado que carnoso y un depurado lirismo en el tiempo lento.

Para la segunda parte, Halftter se dejó principio y fin de la obra orquestal de Sibelius: todo un mundo separa la épica nacionalista de Finlandia de la concentración esencialista de la 7ª Sinfonía. Pero aquí el maestro madrileño se mueve de manera excepcional. En Finlandia calibró de forma extraordinaria intensidades y volúmenes, logrando el tono heroico que exige la pieza, merced a una respuesta de exquisita precisión del conjunto.

Su lectura de la 7ª se volcó del lado de cierto hedonismo de corte decadentista. Fue una visión filtrada por el tardorromanticismo alemán, sin esos perfiles agrestes y cortantes, más modernos, que también contiene la obra, pero lo cierto es que Halffter logró un sonido de una belleza por completo extasiadora: el equilibrio entre secciones, el peso exacto de la cuerda, la claridad de las maderas, la forma de empastar los metales, la resonancia cuasi religiosa de los trombones en el final causaron auténtico embeleso.

[Publicado en Diario de Sevilla el viernes 30 de abril de 2010]

Policoralidad more hispano

2010-04-30T07:26:00.000+02:00

JOAN PAU PUJOL - MISSA SEXTI TONI

Exaudi Nos
Director: Joan Grimalt

Alexandrina Polo e Isabel Juaneda, cantus
Elisenda Arquimbau y Josep Maria Gregori, altus
Lluís Arguijo y Toni Trigueros, tenor
Xavier Pagès, bassus

Núria Sanromà, corneta
Daniel CArbonell, chirimía
Jordi Giménez, sacabuche
Marc Riera, bajón
Santiago Figueras, tiorba y guitarra barroca
Martí Sanmartí, violone
Mireia Ruiz, órgano

Joan Pau Pujol (1570-1626)

1. Qué decís que visteis vos, a 8
2. Missa sexti toni, a 8
3. Beatus vir, a 8
4. Magnificat secundi toni, a 8
5. Regina caeli, a 8
6. Alma, herido me tenéis, a 6
7. Sacra majestad, sed preso, a 7
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COLUMNA MÚSICA 1CM0226 (Diverdi) [47'21'']
Grabación: Marzo de 2009

Juan Pujol (1570-1626) es uno de esos compositores que vivió a caballo entre dos épocas, asumiendo la gran tradición hispánica de la polifonía del siglo XVI, pero integrando en su estilo con absoluta naturalidad la policoralidad que llegaba de Italia a principios del XVII. Dirigido por Joan Grimalt, Exaudi nos ofrece aquí una Misa de sexto tono y otras obras litúrgicas (Magnificat, Beatus vir, Regina caeli), todas a doble coro, junto a tres típicos villancicos castellanos. A las siete voces del conjunto catalán se suma un grupo de ministriles para brindar unas sólidas interpretaciones.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 24 de abril de 2010]

Pujol: Beatus vir. [5'53''] Exaudi Nos. Joan Grimalt

Beatus vir qui timet Dominum:
in mandates eius volet nimis.
Potens in terra erit semen eius,
generatio rectorum benedicetur.
Gloria et divitiae in domo eius:
et iustitia eius manet
in sæculum sæculi.

Exortum est in tenebris lumen rectis
misericors, miserator et iustus.
Iucundus homo
qui miseretur et commodat,
disponet sermones suos in iudicio:
quia in æeternum non commovebitur.
In memoria æterna erit justus,
ab auditione mala non timebit.

Paratum cor eius sperare in Domino.
Confirmatum est cor eius,
non commovebitur
donec despiciat inimicos suos.

Dispersit dedit pauperibus,
iustitia eius manet
in sæculum sæculi.
Cornu eius exaltabitur in gloria.
Peccator videbit, et irascetur
dentibus suis, fremet et tabescet:
desiderium peccatorum peribit.

Glroa Patri, et Filio, et Spiritui Sancto.
Sicut erat in principio, et nunc, et semper.
Et in sæcula sæculorum. Amen

[Dichoso el hombre que teme al Señor,/ que encuentra en sus mandatos su contento./ Tendrán poder sus hijos en la tierra,/ será bendita la raza de los justos./ Habrá en su casa bienes y riquezas/ y su justicia permanece para siempre.// Brilla como la luz en las tinieblas para los hombres buenos,/ el que es justo, clemente y compasivo./ Le va bien al que tiene compasión y presta su dinero,/ y lleva sus negocios en conciencia,/ pues, en verdad, jamás titubeará el recuerdo/ del justo será eterno./ No teme los rumores alarmantes.// Su corazón confía en el Señor./ Su corazón es firme/ y nada teme: mirará desafiante a sus enemigos.// Él hace caridad y da a los pobres,/ su honradez permanece/ para siempre,/ levantará su frente con honor./ Al verlo, el pecador se indignará,/ le crujirán sus dientes y se irá consumiendo./ Fracasan los deseos del malvado./ Gloria al Padre, al Hijo y al Espíritu Santo./ Como era en un principio, ahora y siempre./ Por los siglos de los siglos. Amén]

Suites para una reina

2010-04-29T08:18:00.001+02:00

CHARLES DESMAZURES - PIÈCES DE SIMPHONIE (1702)

Vespres d'Arnadí
Director: Dani Espasa

Charles Desmazures (1670-1736): Pièces de Simphonie (1702)

1. Suite I en mi menor
2. Suite III en do mayor/menor
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MUSIÈPOCA MEPCD-001 (Diverdi) [58'21'']
Grabación: Febrero de 2008

Rescate de una figura por completo desconocida, la de Charles Desmazures (1670-1736), quien desde Marsella dedicó a la futura reina de España María Luisa de Saboya las siete suites de sus Pièces de Simphonie (1702), de las cuales el nuevo conjunto Vespres d’Arnadí que dirige desde el clave Dani Espasa ofrece dos (1ª y 3ª). Se trata de típicas suites francesas de danzas de aceptable, ya que no excepcional, calidad interpretadas con un acusado sentido del color, un tratamiento riguroso de los ritmos y un fraseo de notable delicadeza.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 24 de abril de 2010]

Desmazures: Ciaccona de la Suite III. [4'15''] Vespres d'Arnadí. Dani Espasa

El corazón del sonido

2010-04-28T19:19:00.002+02:00

ZAHIR ENSEMBLE

Ciclo de Música Contemporánea de Zahir Ensemble. La música francesa del siglo XX. Solistas: Javier Trigos, clarinete; Dieter Nel, violonchelo; Antonio Flores, electrónica. Director: Juan García Rodríguez. Programa: Dérive 1 y Dialogue de l’ombre double de Pierre Boulez; Donc y Espace brisé de Jorge Fernández Guerra. Lugar: Sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol. Fecha: Miércoles 27 de abril. Aforo: Dos tercios.

* * * *

ECOS DESDE EL CORAZÓN DEL SONIDO

Las breves introducciones que hasta ahora habían abierto los conciertos de este espléndido ciclo de Zahir Ensemble en torno a la música francesa del siglo XX, se extendieron ayer más de lo normal, pero la excepcionalidad valió la pena, pues Jorge Fernández Guerra (Madrid, 1952) argumentó con admirable y didáctica claridad la causa de la crisis de las vanguardias de posguerra, vinculándola a la experimentación con el espectro sonoro, que llevó a las nuevas generaciones de compositores a penetrar en el corazón del sonido para desmontar los dogmáticos planteamientos racionalistas de sus mayores.

El tema no era baladí, pues se programaban dos obras de uno de los santones del serialismo integral de los 50, Pierre Boulez (Montbrison, 1925), cuya música también se vio conmovida por las formas más comunicativas, expresivas y sensuales que empezaron a florecer en los años 80. Tanto en Dérives 1 (1984) como, sobre todo, en la formidable Dialogue de l’ombre double (1985) obra en la que un clarinete solista dialoga (se enfrenta) a una banda magnética grabada previamente por el propio clarinetista que se expande a través de seis altavoces distribuidos por la sala, el timbre y el juego con la espacialidad y las resonancias adquieren una importancia decisiva. Como en algún otro tour de force con este mismo grupo (recuerdo su impresionante Clair de Donatoni), Javier Trigos fue un prodigio de concentración, claridad, flexibilidad y capacidad de matización, dejando el que será sin duda uno de los momentos más memorables de este ciclo.

Del propio Fernández Guerra se escucharon Donc, para violonchelo solista (impecable Dieter Nel en su contrastadísimo trabajo), obra recién estrenada en París y que hacía su presentación española; y Espace brisé (1994), un cuarteto que se sumerge justo en la dialéctica promovida por el cambio de paradigma de las vanguardias finiseculares.

[Publicado en Diario de Sevilla el miércoles 28 de abril de 2010]

Victoria contra el alzhéimer

2010-04-28T09:09:00.000+02:00

CANCIONES PARA RECORDAR

Victoria de los Ángeles, soprano

1. Anónimo (Popular catalán, con arreglos de Manuel García Morante): Rossinyol [Popular]
[Geoffrey Parsons, piano. 1992]
2. Héctor Berlioz (1803-1869): "Absence" de Les nuits d'été Op.7 [Théophile Gautier]
[Orquesta Sinfónica de Boston. Director: Charles Munch. 1955]
3. Antonin Dvořák (1841-1904): Als Die Alte Mutter [Adolf Heyduk]
[Sinfonia of London. Director: Rafael Frühbeck de Burgos. 1966]
4. Maurice Ravel (1875-1937): "La flute enchantée" de Schéhérazade [Léon Leclère]
[Orquesta Sinfónica Nacional. Director: Pedro de Freitas Branco. 1957]
5. Federico Mompou (1893-1987): "Damunt de tu" de Combat del somni [Josep Janés]
[Gonzalo Soriano, piano. 1962]

6. Franz Schubert (1797-1828): An die Musik [Franz von Schober]
[Manuel García Morante, piano. 1987]
7. Eduardo Toldrá (1895-1962): Cancó incerta [Josep Carner]
[Patronato Orquesta Ciudad de Barcelona. Antoni Ros Marbà. 1970]
8. Franz Schubert: Ständchen [Ludwig Rellstab]
[Manuel García Morante, piano. 1986]
9. Felix Mendelssohn (!809-1847): Auf Flügeln des Gesanges [Heinrich Heine]
[Sinfonia of London. Director: Rafael Frühbeck de Burgos. 1964]
10. Anónimo (popular catalán, con arreglos de Manuel García Morante): El Mariner [Popular]
[Geoffrey Parsons, piano. 1992]

11. Ottorino Respighi (1879-1936): Stornellatrice [Carlo Zangarini]
[Orquesta Sinfónica Nacional. Director: Pedro de Freitas Branco. 1957]
12. Émile Paladilhe (1844-1926): Psyché [Pierre Corneille]
[Geoffrey Parsons, piano. 1976]
13. Eduardo Toldrá: Maig [Trinitat Catasús]
[Patronato Orquesta Ciudad de Barcelona. Antoni Ros Marbà. 1970]
14. Richard Strauss (1864-1949): Ständchen [Adolf Friedrick]
[Orquesta Sinfónica Nacional. Director: Pedro de Freitas Branco. 1957]
15. Ernesto Halffter (1905-1989): Ai que linda moça [Popular portugués]
[Geoffrey Parsons, piano. 1992]

16. Jayme Ovalle (1894-1955): Azulão [Manuel Bandeira]
[Sinfonia of London. Director: Rafael Frühbeck de Burgos. 1964]
17. Sebastián Yradier (1809-1865): La Paloma [Sebastián Yradier]
[Sinfonia of London. Director: Rafael Frühbeck de Burgos. 1964]
18. Xavier Montsalvatge (1912-2002): Canto Negro [Nicolas Guillén]
[Orchestre de la Societé des Concerts du Conservatoire. Director: Rafael Frühbeck de Burgos. 1962]
19. Anónimo (popular americano con arreglos de Harry Thacker Burleigh, 1866-1949): Sometimes I feel like a motherless child [Popular]
[Geoffrey Parsons, piano. 1976]
20. Anónimo (popular catalán glosado por Xavier Montsalvatge): El cant dels ocells [Popular]
[Lluís Claret, violonchelo. Orquestra Ciutat de Barcelona. Director: Luis Antonio García Navarro. 1992]
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COLUMNA MÚSICA 1CM0231 (Diverdi) [62'29'']
Grabaciones: 1955-1992

La Fundación Victoria de los Ángeles y Columna Música siguen colaborando con diversas entidades benéficas, en este caso la Fundación Pasqual Maragall para la investigación del Alzheimer, y lo hacen con una nueva recopilación de grabaciones de la cantante española: es una delicia escuchar en sus labios una de las canciones portuguesas de Halffter, un canto negro de Montsalvatge, lieder de Schubert, Dvorák y Strauss, mélodies de Berlioz y Ravel, La Paloma de Yradier o las piezas del acervo popular catalán. Para recordar y para soñar.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 24 de abril de 2010]

Yradier: La Paloma. [4'49''] Victoria de los Ángeles. Sinfonia of London. Rafael Frühbeck de Burgos

Cuando salí de la Habana
¡Valgame Dios!
Nadie me ha visto salir
Si no fui yo.
Y una linda Guachinanga
S'allá voy yo,
Que se vino tras de mi,
Que sí señor.

Si a tu ventana llega una paloma,
trátala con cariño que es mi persona.
Cuéntala tus amores, bien de mi vida,
corónala de flores que es cosa mia.

¡Ay, chinita que sí!
¡Ay, que dame tu amor!
¡Ay, que ven te conmigo,
chinita, adonde vivo yo!

Cuando el curita nos eche la bendición
en la iglesia catedral,
allá voy yo,
yo te daré la manita
con mucho amor
y el cura dos hisopazos
¡Que sí señor!

Si a tu ventana llega una paloma,
trátala con cariño que es mi persona.
Cuéntala tus amores, bien de mi vida,
corónala de flores que es cosa mia.

¡Ay, chinita que sí!
¡Ay, que dame tu amor!
¡Ay, que ven te conmigo,
chinita, adonde vivo yo!

Un Sorozábal inédito en disco

2010-04-27T07:57:00.000+02:00

Pablo Sorozábal (1897-1988): JUAN JOSÉ
drama lírico popular en tres actos con libreto de Pablo Sorozábal, versión libre de la obra homónima de Joaquín Dicenta

Manuel Lanza, barítono (Juan José)
Ana María Sánchez, soprano (Rosa)
José Luis Sola, tenor (Paco)
Maite Arruabarrena, mezzosoprano (Isidra)
Olatz Saitúa, soprano (Toñuela)
Celestino Varela, bajo (Andrés)
Simón Orfila, barítono (Cano)
Alberto Núñez, tenor (Perico y Bebedor)
Emilio Sánchez, tenor (Tabernero y Presidiario)
Mario Cerdá, Íñigo Vilas, Elena Barbé, Consuelo Garrés, Miren Urbieta (amigos y amigas)

Orquesta Sinfónica de Musikene
Director: José Luis Estellés
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2 CD MUSIKENE 7 (Diverdi) [41'29'' - 67'59'']
Grabación: Febrero de 2009

Juan José, ópera escrita por Pablo Sorozábal en 1968, se estrenó en el Teatro Español de Madrid en 2006, después de su frustrada presentación de 1978-79, y a principios de 2009 pudo seguirse en versión semiescenificada en el Kursaal y el Auditorio Nacional, antes de ser llevada al disco por la Orquesta Sinfónica de Musikene, que dirigió para la ocasión José Luis Estellés, y un elenco de primerísimo nivel: Manuel Lanza, Ana María Sánchez, José Luis Sola, Maite Arruabarrena... Brillante realización para la difusión de una obra que Sorozábal consideraba la mejor de su catálogo.

Sorozábal: Escena final del Acto I de Juan José. [4'54''] Solistas. Orquesta de Musikene. Estellés.

Un Nebra sevillano

2010-04-26T08:38:00.002+02:00

Manuel Blasco de Nebra (Sevilla, 1750-1784) perteneció a una de las sagas musicales más importantes de la España del siglo XVIII. Su padre, José Blasco Lacarra (o Blasco de Nebra) llegó a Sevilla en 1735 para ejercer como segundo organista en la catedral, y su tío José Melchor de Nebra fue maestro de la Capilla Real y uno de los compositores de música teatral y religiosa más prestigiosos del país. Manuel se inició en la música con su padre, pero en 1766, en medio de una asfixiante crisis económica, marchó a Madrid para seguir estudios con su tío. Muerto éste sólo dos años después, el joven, sin sustento económico alguno, tuvo que volver a Sevilla para trabajar como asistente de su progenitor, de quien acabaría heredando el cargo, y sustituyendo de modo ocasional al primer organista catedralicio, el viejo Juan Roldán.

En su Diccionario de Efemérides, Felipe Saldoni cita un anuncio insertado por la familia Nebra en la Gaceta de Madrid en diciembre de 1785 por el que se ponían a la venta las 1833 piezas "de clave, forte-piano y órgano" que se conservaban en su casa de Sevilla y entre las cuales 172 eran supuestamente originales de Manuel. De ese corpus se conservan veintiséis sonatas y seis pastorelas para tecla. Seis sonatas fueron publicadas como Op.1 presumiblemente en 1780 y se conservan en la Biblioteca del Congreso de Washington. Las seis pastorelas se hallaron, junto a doce sonatas diferentes, en el Monasterio de Montserrat y otras seis aparecieron en el Monasterio de la Encarnación de Osuna. Recientemente, el pianista Pedro Casals halló otras dos sonatas en un manuscrito proveniente del convento de Santa Clara de Sevilla que se conserva en la Universidad Complutense de Madrid, obras, estas últimas, que están aún sin editar.

Más cercana a la música galante de un Carl Philip Emanuel Bach que a la de un Scarlatti, del que sin duda toma también buena nota, las Sonatas de Blasco se dividen en dos tiempos (lento-rápido) y juegan ya con principios formales y armónicos (la tensión tónica-dominante) característicos del Clasicismo, mientras que las Pastorelas añaden un minueto como tercer movimiento. Josep Colom grabó ya una supuesta integral del compositor (Etnos) y recientemente, después de trabajos con instrumentos antiguos de Tony Millán (Almaviva) y Carole Cerasi (Metronome), Pedro Casals (Naxos) y el sevillano Pedro Piquero (Columna Música) han iniciado otras integrales.

Javier Perianes (Nerva, 1978), que suele incluir en sus recitales obras del compositor, ha registrado ahora para Harmonia Mundi tres sonatas de la Op.1, otras tres de Montserrat y dos pastorelas. La visión es elegante, flexible, honda, muy personal. Perianes usa sin complejos todos los recursos de su piano moderno, dejando Adagios de entraña cuasi romántica (los escritos en modo menor resultan profundamente arrebatadores, casi schubertianos) y tiempos rápidos gráciles, ligeros y tan delicada como febrilmente ornamentados.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 24 de abril de 2010]

BLASCO DE NEBRA - PIANO SONATAS

Javier Perianes, piano

Manuel Blasco de Nebra (1750-1784)

1. Sonata Op.1 nº1 en do menor
2. Sonata Op.1 nº2 en si bemol mayor
3. Sonata Op.1 nº5 en fa sostenido menor
4. Sonata en re mayor [Manuscrito 2998 del Monasterio de Montserrat; nº3]
5. Sonata en do mayor [Manuscrito 2998 del Monasterio de Montserrat; nº4]
6. Sonata en mi menor [Manuscrito 2998 del Monasterio de Montserrat; nº6]
7. Pastorela nº2 en fa mayor
8. Pastorela nº6 en mi menor
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HARMONIA MUNDI HMC 902046 [71'27'']
Grabación: Julio de 2009

Blasco de Nebra: Sonata en mi menor (Adagio - Allegro). [7'14''] Javier Perianes

Novedades de HM en mayo

2010-04-25T11:39:00.000+02:00

NOVEDADES

DISCO-CATÁLOGO 2010

Cuadros de una maldición

2010-04-24T10:45:00.001+02:00

En 1929-30, Florián Rey había filmado, a partir de una idea original, La aldea maldita, un duro drama rural que es considerado de forma casi unánime como la mejor película del cine mudo español y posiblemente también la mejor obra de su autor. Sin un solo movimiento de cámara, con un tratamiento originalísimo de los encuadres y una sobriedad tanto en la narración como en el trabajo de los actores que muchos han relacionado con el cine soviético y alemán de la época, Rey conseguía una especie de encadenamiento de cuadros de impactante fuerza visual y expresiva.

Trece años después, el cineasta volvió sobra la película para ofrecer una versión nueva, ya sonora, en la que aun con la misma temática, las diferencias son más que notables respecto a la obra de 1929. Cuando hace unos años tuve ocasión de ver por vez primera las dos películas (una detrás de otra, pues cada una dura aproximadamente una hora; de la 2ª hay al parecer una versión de 88 minutos que no conozco) me sorprendió mucho comprobar que las diferencias, incluso argumentales, eran mucho mayores de lo que se sugería en todo lo que yo había leído sobre la cuestión. En un agudísimo trabajo que enlazo al final, Agustín Sánchez Vidal ha profundizado en la comparación, llegando a conclusiones que yo intuí en aquella primera visión y que he reafirmado cuando esta semana he vuelto a ver las dos películas. Vaya por delante que el film de 1942 me parece también excelente, aunque los perfiles más ácidos de la versión de 1929 han sido limados y se ha marcado mucho más el sentido de la religiosidad y el renacer que se le asocia ("... que en España empieza a amanecer"; no olvidemos que estamos en la inmediata posguerra). Sobre todo ello se extiende con perspicacia Sánchez Vidal, así que dejaré ya el tema.

En cualquier caso, lo que aquí me interesa es el empleo de la música sinfónica, que Rey encargó a su hermano, Rafael Martínez, responsable, junto a Guadalupe M. del Castillo, de las adaptaciones musicales. Aunque son muchos los momentos ambientados con obras clásicas, he escogido tres: el primero relaciona la tempestad y el pedrisco con Wagner y su Holandés, otra historia de malditismo; el segundo es una de las mejores escenas de la película: el éxodo, que es acompañado por un fondo con los Cuadros de una exposición de Mussorgsky (todas las carretas son ahora Bydlo); el tercero, reincide en Mussorgsky, que aparece también en otros momentos de la película, en este caso para realzar con la majestuosidad de La gran puerta de Kiev la metáfora de la renovación de la vida en el seno de la comunidad rural y cristiana, con las parábolas del hijo pródigo, la Magdalena y el lavatorio reunidas en una especie de gran epifanía en torno a la idea del perdón.

1. Wagner y la tempestad

2. Mussorgsky en el éxodo

3. Mussorgsky en el final

FICHA TÉCNICA

Título original: La aldea maldita
Fecha de producción: 1942
Duración: 62 minutos

Director: Florián Rey
Guión: Florián Rey
Productor: Miguel de Pereyra
Fotografía: Heinrich Gärtner
Ayudante de dirección: Alfredo Hurtado
Montaje: Gabriel Peñalba
Adaptaciones musicales: Rafael Martínez y Guadalupe M. del Castillo
Sonido: Alfonso de Carvajal
Vestuario: Monfort, Etelvina y Peris hermanos
Maquillaje: Julián Ruiz
Decorados: Antonio Simont

Reparto
Florencia Bécquer (Acacia)
Julio Rey de las Heras (Juan)
Delfín Jerez (Abuelo Martín)
Agustín Laguilhoat (Justo)
Alicia Romay (Luisa)
José Sepúlveda (José)
Pablo Hidalgo (Lucas)
Victorita Franco (Niño)

[Agustín Sánchez Vidal compara las dos versiones de la película.En IMDb. En la Filmoteca de Andalucía (pero luego ponen un comentario de la versión antigua). En Wikipedia. En Wikipedia (versión de 1929). La edición del guión. Joaquín Vallet Rodrigo en Miradas de cine, sobre la versión primera. Ángel Fernández Santos en El País sobre Florián Rey. Florián Rey en Wikipedia.]

El tenor exultante

2010-04-23T08:15:00.001+02:00

NESSUM DORMA - ARMILIATO SINGS PUCCINI

Fabio Armiliato, tenor
Orquesta y Coro de la Fundación Arena de Verona
Director: Marco Boemi

Giacomo Puccini (1858-1924)

1. "Orgia, chimera" de Edgar [Ferdinando Fontana]

2. "Ecco la casa - Torna ai felici dì" de Le Villi [Ferdinando Fontana]

3. "Tra voi, belle, brune e bionde" de Manon Lescaut [Oliva / Giacosa / Illica...]
4. "Donna non vidi mai" de Manon Lescaut
5. "Ah! Manon, mi tradisce" de Manon Lescaut
6. "Ah! Guai a chi la tocca! - No, pazzo son!" de Manon Lescaut

7. "Che gelida manina" de La Bohème [Luigi Illica / Giuseppe Giacosa]

8. "Recondita Armonia" de Tosca [Luigi Illica / Giuseppe Giacosa]
9. "E lucevan le stelle" de Tosca

10. "Addio, fiorito asil di letizia e d’amor!" de Madama Butterfly [Luigi Illica / Giuseppe Giacosa]

11."Avete torto - Firenze è come un albero fiorito" de Gianni Schicchi [Gioacchino Forzano]

12. "Hai ben ragione" de Il Tabarro [Giuseppe Adami]
13. "Io voglio la tua bocca - Folle di gelosia" de Il Tabarro

14. "Una parola sola - Or son sei mesi che mio padre morì" de La Fanciulla Del West [Guelfo Civinini / Carlo Zangarini]
15. "Ch’ella mi creda libero e lontano" de La Fanciulla Del West

16. "Non piangere, Liù" de Turandot [Giuseppe Adami / Renato Simoni]
17. "Nessun Dorma" de Turandot
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DECCA 4763434 (Universal) [56'17'']
Grabación: Noviembre y Diciembre de 2008

Fabio Armiliato (Génova, 1956) es sin duda uno de los tenores más comunicativos del actual planeta lírico. Su estilo arrebatado y valiente, apoyado en un cálido fraseo, de clara impronta latina, y en unos agudos que parecen incluso haber ganado con el tiempo en penetración, brillo y armónicos, sirve de forma exultante a los papeles veristas y puccinianos, como demuestra en este estupendo recital que recorre las arias para tenor del autor de Turandot, que el cantante desgrana entre acentos heroicos y febriles arrebatos de desatada pasión.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 17 de abril de 2010]

Puccini: "Nessum dorma" de Turandot. [3'19''] Fabio Armiliato. Orquesta y Coro de la Fundación Arena de Verona. Marco Boemi

Il principe ignoto
Nessun dorma! Nessun dorma!
Tu pure, o Principessa,
Nella tua fredda stanza
Guardi le stelle
Che tremano d'amore e di speranza.
Ma il mio mistero è chiuso in me,
Il nome mio nessun saprà!, no, no
Sulla tua bocca lo dirò

Quando la luce splenderà!
Ed il mio bacio scioglierà il silenzio
Che ti fa mia!...

Voci di donne
Il nome suo nessun saprà...
E noi dovremo, ahimè, morir, morir!...

Il principe ignoto
Dilegua, o notte!... Tramontate, stelle! Tramontate, stelle!...
All'alba vincerò!
vincerò! vincerò!

[El príncipe desconocido: ¡Que nadie duerma! ¡Que nadie duerma!/ ¡También tú, oh Princesa,/ en tu fría habitación/ miras las estrellas/ que tiemblan de amor y de esperanza...!/ ¡Mas, mi misterio está encerrado en mí!,/ ¡Mi nombre nadie lo sabrá!./ ¡No, no, sobre tu boca lo dire!/ Sólo cuando la luz brille./ ¡Y mi beso fulminará el silencio/ que te hace mía!// Voces de mujeres: Su nombre nadie sabrá.../ ¡Y nosotras, ay, deberemos, morir, morir!// El príncipe desconocido: ¡Disípate, oh noche! ¡Tramontad, estrellas! ¡Tramontad, estrellas!/ ¡Al alba venceré! ¡venceré! ¡venceré!]

Escalando al trono del rey

2010-04-22T07:36:00.002+02:00

THE VERDI TENOR

Marcelo Álvarez, tenor

Annalisa Raspagliosi, soprano (en 6)
Arturo Chacón-Cruz, tenor (en 6)

Coro y Orquesta Sinfónica de Milán Giuseppe Verdi
Director: Daniel Oren

Giuseppe Verdi (1813-1901)

1. "Se quel guerrier io fossi! - Celeste Aida" del Acto I de Aida [Antonio Ghislanzoni]
2. "Di tu se fedele" del Acto I de Un ballo in maschera [Antonio Somma]
3. "Forse la soglia attinse - Ma se m'è forza perderti" del Acto III de Un ballo in maschera
4. "Oh! fede negar potessi - Quando le sere al placido - L'ara, o l'avelo apprestami" del Acto II de Luisa Miller [Salvatore Cammarano]
5. "La vita è inferno all'infelice - O tu che in seno agli angeli" del Acto III de La forza del destino [Francesco Maria Piave]
6. "Quale d'armi fragor poc'anzi intensi? - Ah! si, ben mio - L'onda de' suoni mistici - Di quella pira" de la Parte III de Il trovatore [Salvatore Cammarano]
7. "La mia letizia infondere" del Acto II de I lombardi alla prima crociata [Temistocle Solera]
8. "Mercé, diletti amici - Come rugiada al cespite - Dell'esilio nel dolore - O tu che l'alma adora" de Ernani [Francesco Maria Piave]
9. "Io l'ho perduta - Io la vidi e il suo sorriso" del Acto I de Don Carlo [Achille de Lauzieres y Angelo Zanardini a partir de François Joseph Méry y Camille du Locle]
10. "O figli, o figli miei! - Ah, l apaterna mano" del Acto IV de Macbeth [Francesco Maria Piave y Andrea Maffei]
11. "Niun mi tema" del Acto IV de Otello [Arrigo Boito]
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DECCA 478 1442 (Universal) [64'10'']
Grabación: Agosto de 2008

Uno de los más decididos postulantes al trono que dejó libre la muerte del gran Luciano es el tenor argentino Marcelo Álvarez (Córdoba, 1962), cuyos medios de lírico puro se han ido ensanchando para abordar papeles de mayor peso vocal sin que sufran de momento ni el exquisito fraseo ni la belleza, un punto opaca, del timbre. De cualquier modo, hay pasión por toneladas y buen gusto con los matices en este CD, sobre todo en el Riccardo de Un ballo in maschera, el Rodolfo de Luisa Miller o el Manrico de Il trovatore. Espléndido acompañamiento de Oren y el conjunto milanés.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 17 de abril de 2010]

Verdi: "Quando le sere al placido" de Luisa Miller. [4'00''] Marcelo Álvarez. Orquesta Sinfónica de Milán Giuseppe Verdi. Daniel Oren

Quando le sere al placido
chiaror d’un ciel stellato
meco figgea nell’etere
lo sguardo innamorato,
e questa mano stringermi
dalla sua man sentia...
e questa mano stringermi
dalla sua man sentia...
Ah!... mi tradia!

Allor, ch’io muto, estatico
da’ labbri suoi pendea,
ed ella in suono angelico,
"Amo te sol" dicea,
tal che sembrò l’empireo
aprirsi all’alma mia!
Ah!... mi tradia!

Plácido en una noche de mayo

2010-04-21T08:40:00.002+02:00

LEONCAVALLO - LA NUIT DE MAI

Plácido Domingo, tenor (en 1-6)
Lang Lang, piano (en 2-8)

Orquesta del Teatro Comunale de Bolonia
Director: Alberto Veronesi (en 1)

Ruggiero Leoncavallo (1857-1919)

1. La Nuit de mai, poema sinfónico para tenor y orquesta [Alfred de Musset]

2. Aprile! [Annie Vivanti]
3. C'è nel tuo sguardo [R. Cotugno]
4. Hymne à la Lyre [Armand Sylvestre]
5. La Chanson des yeux [André Chénier]
6. L'addio [Victor Hugo / Ruggiero Leoncavallo]

7. Barcarola veneziana
8. Valse mignonne
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DEUTSCHE GRAMMOPHON 477 6633 (Universal) [60'12'']
Grabación: Enero y Febrero de 2007 (La nuit de mai) y Septiembre de 2007

Alguien debió de advertir a Plácido Domingo de que Leoncavallo había escrito un poema sinfónico para tenor y orquesta que él no había cantado nunca, un hecho insólito. Así que el madrileño se fue para Bolonia y junto a las huestes del Comunale y la batuta de Alberto Veronesi puso voz a esta irregular La nuit de mai, a la que imprime el tono exaltado que parece exigir la partitura. El disco se completa con una serie de canciones y un par de obritas para piano en las que hace acto de presencia otra de las grandes estrellas de la casa, el chino Lang Lang.

[Publicado en Diario de Sevilla el sábado 17 de abril de 2010]

Leoncavallo: "S'il ne te faut, ma soeur chérie" de La Nuit de mai. [3'57''] Plácido Domingo. Orquesta del Teatro Comunale de Bolonia. Veronesi

LE POÈTE
S'il ne te faut, ma soeur chérie
Qu'un baiser d'une lèvre amie
Et qu'une larme de mes yeux,
Je te les donnerai sans peine ;
De nos amours qu'il te souvienne,
Si tu remontes dans les cieux.
Je ne chante ni l'espérance,
Ni la gloire, ni le bonheur,
Hélas ! pas même la souffrance.
La bouche garde le silence
Pour écouter parler le coeur.